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出版者:中国人民大学出版社

作者:张法

出品人:

页数:350

译者:

出版时间:2003-1

价格:26.00元

装帧:

isbn号码:9787300051239

丛书系列:

图书标签:

• 中国艺术
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好的，根据您的要求，我为您撰写一份关于一本名为《中国艺术》的图书的详细简介，这份简介将专注于描述该书不包含的内容，并且力求自然流畅，不带有人工痕迹。 --- 图书简介：穿越历史的艺术之河——《中国艺术》导读（聚焦非核心内容） 第一部分：范围界定与核心主题的“留白” 《中国艺术》是一部旨在全面梳理中华文明数千年艺术发展脉络的宏伟著作。然而，为了更清晰地界定其独特的研究视角与深度，理解本书不包含或仅作极简带过的领域，是深入把握其价值的关键。 首先，本书不以详尽描绘某一特定朝代的宫廷艺术为主要篇幅。例如，对于唐代“开元盛世”的皇家气象、宋代徽宗时期的院体画风，本书仅在探讨时代背景时略有提及，并未收录大量高清的、仅关注其宫廷收藏或帝王品味的孤例珍品作为核心分析对象。其重点在于描绘更广阔的、深入民间的艺术生态。 其次，在雕塑与石刻领域，本书刻意回避了对大型宗教造像群（如敦煌、云冈、龙门石窟）的系统性、考古学式的编年梳理。虽然会引用一两件代表性作品来阐释特定时期的宗教艺术特征，但不提供如造像题记的逐一考证、面部特征的精细分类学研究，或石窟形制的结构分析。这部分内容被留给了更专业的考古学或宗教史著作。 再者，在工艺美术的范畴内，《中国艺术》避开了对近现代（指1949年以后）工业设计、当代艺术装置的探讨。书中对于陶瓷的研究，截止于清代晚期成熟的官窑体系，不涉及对景德镇现代陶瓷艺术家群体风格的追踪，亦不评论新中国成立后为适应出口或国家形象需求而发展出的特定装饰图案或技术革新。 第二部分：媒介侧重与技术细节的取舍 《中国艺术》在媒介选择上具有鲜明的倾向性，也因此在某些领域进行了必要的“筛选”。 关于书法部分，本书未深入探讨篆刻艺术的技法细节与流派演变。虽然书法是核心内容，但篆刻这一与其相辅相成的门类，仅在介绍印章在书画作品中的功能性作用时出现，未曾系统介绍过“西泠八家”的刀法差异、各流派的印泥配方，或是对“朱文”与“白文”的美学差异进行专门的章节论述。读者若想探究明清文人印章的系统谱系，本书无法提供满足需求的深度。 在绘画部分，本书的重点在于“文人画”和“士大夫”的精神表达，因此，它刻意淡化了明清时期职业画师群体，尤其是“民间画工”或“行画”的创作实践。例如，对于大量用于寺庙壁画修复、丧葬仪礼中使用的“冥器”绘画，或专门为市井娱乐服务的戏剧布景画，本书仅在论述社会背景时一笔带过，不作图像分析，更不试图重建这些非主流艺术的风格谱系。 在建筑艺术方面，本书的视角主要集中在宫殿、园林和宗教建筑的“意境表达”上。因此，它几乎完全没有涉及中国传统建筑中最为精密的“斗拱结构”的力学原理分析。读者无法从本书中获得关于“材份制”的详细解读，或是不同地区（如徽派、闽派）在榫卯连接上的技术差异对比。关于这些结构工程学的细节，本书持一种艺术审美的俯瞰态度，未深入其技术内核。 第三部分：跨文化交流与非本土元素的审慎处理 《中国艺术》的立意是探索中华本土艺术精神的独立发展路径，因此，在涉及外来影响的领域，本书采取了审慎的过滤和极简的处理。 在佛教艺术方面，本书不追溯犍陀罗艺术对早期中国雕塑的直接影响链条。虽然承认佛教艺术的传入，但分析的起点直接跳到了魏晋时期本土化、“中国式”面貌的形成，回避了对印度本土造像体系、希腊化雕塑影响的源头考证。 在色彩与纹饰方面，本书不详述元代以来，特别是明清时期，通过海路和陆路传入的伊斯兰艺术元素对中国瓷器和织锦图案产生的具体影响。对于那些在细节上具有明显异域风情的卷草纹、几何团花，本书往往将其归类为“装饰母题的丰富”，而不进行细致的文化挪用或风格融合的溯源分析。 关于戏曲艺术，书中提及京剧、昆曲时，侧重于其舞台美学和文学性，但未对不同流派的“板式唱腔”的声学特征进行描述，也未深入探讨不同地域的“锣鼓点”或“板眼”的音乐结构差异。戏曲的“脸谱”仅作为符号出现，不分析其色彩与线条背后所蕴含的复杂戏曲制度或剧团管理模式。 总结 简而言之，《中国艺术》是一部聚焦于中国古典审美精神的概述性、美学导向型的通史读物。它旨在为初入此领域的读者构建一个宏观的知识框架。因此，它不会提供： 1. 详尽的考古报告或文物分类学研究。 2. 近现代或当代艺术的评论。 3. 工程力学或材料科学层面的技术解析（如建筑、冶金）。 4. 跨文化影响的细致溯源与外来元素的图谱分析。 本书的价值在于其对核心精神的提炼，而其界限则在于对专业技术、小众流派及后世发展的有意克制与舍弃。

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作者在探讨中国古代绘画中，对于人物画、山水画、花鸟画的分类以及各画种在不同时期的发展演变，做了非常系统和深入的阐述。我一直对中国画那种“写意”的表达方式感到着迷，而这本书则为我剖析了这种写意的背后所蕴含的深厚哲学思想和美学追求。比如，在介绍花鸟画时，书中不仅展示了工笔花鸟的精细描摹，更深入探讨了写意花鸟如何通过寥寥几笔勾勒出生命的活力和精神。我特别喜欢书中关于“笔墨”的论述，作者将中国画的笔墨看作是一种语言，能够传达出艺术家丰富的情感和思想。书中还详细介绍了各种绘画技法，如“皴法”的运用，以及不同画家独特的用笔习惯。读完这部分，我对于国画的理解，从单纯的欣赏画面，上升到了对艺术家内心世界的感悟。书中还引用了许多历代画论，如谢赫的“六法”，让我对中国画的审美标准有了更清晰的认识。

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这本书最让我印象深刻的是它对于不同地域、不同时代艺术风格的细致梳理和对比。作者并非将中国艺术简单地按时间顺序或地域划分，而是巧妙地将同一主题或同一技法在不同时期的演变和地域间的差异并置，从而勾勒出中国艺术发展的宏观脉络。比如，在探讨山水画的起源和发展时，书中不仅展示了魏晋时期士人寄情山水的画作，还详细阐述了唐宋时期山水画的成熟，以及元明清时期文人画的传承与创新。更难能可贵的是，作者还将一些地方性的艺术特色，如西藏唐卡艺术、云南少数民族的染织工艺等，也融入其中，展现了中国艺术多元而统一的面貌。这种横向与纵向的结合，使得我对中国艺术的理解更加立体和全面。我曾以为我对中国书画略知一二，但这本书中关于书法中“二王”与“颜柳”风格的对比，以及不同时代文人对笔墨意趣的追求，都让我大开眼界。作者对细节的考究，比如不同时期使用的纸张、墨色、笔触的细微差别，都让我感叹其专业性和深度。读这本书，就像是走入了一个巨大的宝库，每一页都充满了惊喜，每一次翻阅都能获得新的感悟。

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这本书对于中国漆器和瓷器的梳理，可以说是极为详尽和权威的。我一直对那些温润如玉的青瓷、色彩斑斓的珐琅彩以及工艺复杂的漆器制品充满好奇，而这本书则为我一一揭开了它们的神秘面纱。书中对不同时期瓷器的窑口、釉色、器型特点都有深入的介绍，甚至连不同时期胎土的成分变化也做了详细的分析。我特别喜欢书中关于汝窑天青釉的描述，那种“雨过天青”的釉色，至今仍让人难以企及。而对于漆器，从雕漆的繁复精美，到剔漆的巧妙构思，再到金漆的华丽璀璨，都让我领略到中国工匠在材质运用上的极致追求。作者还介绍了漆器和瓷器在古代社会中的用途，它们不仅仅是器皿，更是身份、地位和品味的象征。书中还提及了一些鲜为人知的漆器工艺，比如金银平脱，其精巧程度让我叹为观止。每一次翻看这本书中关于这些器物的插图，都让我觉得仿佛置身于古代的宫廷或富商的庭院，感受那种精致而奢华的生活气息。

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这本书在对中国音乐和舞蹈的介绍，给我带来了许多意想不到的惊喜。我一直认为中国音乐以古琴、琵琶等传统乐器为主，但书中详细介绍了宫廷燕乐、民间歌谣、戏曲音乐等多种音乐形式，以及它们在不同历史时期的发展演变。我特别喜欢书中关于戏曲音乐的论述，它将唱、念、做、打等多种艺术形式融为一体，展现了中国戏曲的独特魅力。而对于中国舞蹈，书中则展示了从宫廷雅舞到民间歌舞的丰富多样。我惊叹于唐代壁画中那些翩翩起舞的仕女，她们的舞姿轻盈而优雅。书中还介绍了像“霓裳羽衣舞”这样失传已久的宫廷舞蹈，虽然无法亲眼目睹，但通过文字的描述，也足以让人浮想联翩。作者在介绍音乐和舞蹈时，常常会引用相关的诗词歌赋，将音乐、舞蹈与文学、历史紧密联系起来，让我感受到中国古代艺术的交融与辉映。

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这本书在关于中国古代雕塑的介绍部分，着实让我大开眼界。我一直以为中国的雕塑主要集中在佛教造像，但这本书向我展示了其更广泛的领域，包括墓葬雕塑、陵墓石刻、民间神像等等。我特别喜欢书中关于秦汉时期画像石和画像砖的介绍，那些生动的人物形象和历史场景，虽然风格粗犷，却充满了力量感和生命力。而对于佛教雕塑，书中不仅展示了云冈石窟、龙门石窟等佛教艺术的辉煌成就，还深入探讨了佛教传入中国后，如何与中国本土文化相结合，形成了独特的中国化佛教造像风格。我惊叹于石窟寺中那些精美的浮雕和圆雕，它们不仅是宗教艺术的杰作，更是古代工匠高超技艺的体现。书中还提及了一些小型雕塑，如铜俑、木雕等，它们同样展现了中国雕塑艺术的多样性和生命力。作者在描述这些雕塑时，往往会穿插一些历史故事和传说，让这些冰冷的石像，仿佛重获新生，鲜活地呈现在我眼前。

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本书在介绍中国民间艺术的部分，展现了我之前鲜少接触到的丰富多彩的文化景观。从剪纸的精巧玲珑，到皮影戏的生动传神，再到各种节日庆典中使用的花灯、年画，都让我看到了中国人民旺盛的生命力和创造力。作者并没有将这些视为“小打小闹”的工艺，而是深入挖掘了它们在社会生活中的功能和意义。比如，关于春节的年画，它不仅仅是装饰，更承载着人们对美好生活的期盼和祝福。书中还提到了各地不同的剪纸风格，如北方粗犷豪放，南方细腻婉约，展现了地域文化的多样性。我尤其对书中关于少数民族服饰的介绍印象深刻，那些繁复的刺绣、精美的银饰，以及各民族独特的色彩搭配，都让我惊叹于人类想象力的无限。作者在描述这些民间艺术时，常常会穿插一些相关的民俗传说和故事，让这些艺术形式变得更加鲜活和有温度。这本书让我意识到，中国艺术的魅力，并不仅仅存在于宫廷和文人的雅室，它更深深地扎根于普通民众的生活之中，闪耀着朴实而动人的光辉。

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这本书的装帧就足以让人惊艳。沉甸甸的纸张，厚实的封面，以及精美的烫金字体，无不透露出一种厚重与典雅。翻开第一页，扑面而来的便是一种视觉的盛宴。无论是早期陶器的朴拙之美，还是青铜器上的神秘纹饰，抑或是玉器温润的光泽，都通过高质量的印刷和细致的排版得以完美呈现。我尤其喜欢其中关于汉代画像石的部分，那些充满动感的线条，诉说着古老的故事，仿佛穿越时空，让我看到了当时人们的生活场景，他们喜怒哀乐的情感，以及对生死轮回的理解。作者在描述这些艺术品时，并没有枯燥地罗列数据和年代，而是融入了大量历史背景和文化解读，让我更容易理解这些作品诞生的土壤。例如，在介绍唐三彩时，不仅仅是展示其绚丽的色彩和精湛的工艺，还深入探讨了唐代对外交流的繁荣，以及佛教艺术对中原文化的影响，使得这些艺术品不再是冰冷的文物，而是活生生的历史载体。我常常会花上很长时间，仅仅是沉浸在书中的图片中，细细品味每一件作品的细节，感受其背后蕴含的匠心与智慧。这种沉浸式的阅读体验，让我对中国艺术的认识，从肤浅的表面，逐渐深入到其精神内核。

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这本书在对中国古代工艺品的介绍，可以说是面面俱到，让我对中国古代的匠人精神有了更深刻的认识。除了之前提到的漆器、瓷器，书中还涉及了玉器、金银器、丝绸、铜镜等多种工艺品。我特别喜欢书中关于玉器制作的描述，从选材、雕琢到抛光，每一个环节都凝聚着工匠的心血和智慧。那些精美绝伦的玉饰，不仅是珍贵的艺术品，更是古代中国人精神寄托的载体。而对于丝绸，书中不仅介绍了其制作工艺，还阐述了丝绸之路在东西方文化交流中的重要作用。我惊叹于那些色彩斑斓、图案精美的丝织品，它们是古代中国劳动人民智慧和创造力的结晶。书中还提及了一些实用性与艺术性相结合的工艺品，如铜镜，它们不仅是梳妆用品，更是古代人用来祈福、辟邪的物品。作者在介绍这些工艺品时，往往会穿插一些相关的历史典故和传说，让这些物件变得更加生动有趣，也让我对中国古代社会的生活方式和审美情趣有了更全面的了解。

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我一直对中国古代的建筑和园林艺术情有独钟，这本书在这方面的内容给了我极大的满足。它不仅仅是展示了故宫、长城这样宏伟的建筑，更深入地挖掘了那些隐藏在街巷深处的古民居、寺庙以及皇家园林的设计理念和建造工艺。书中对苏州园林的描述尤其精彩，它不仅仅列举了拙政园、留园等著名园林，更重要的是解读了园林设计中“移步换景”、“虚实相生”等东方美学原则，以及如何通过叠山理水、栽种花木来营造出“虽由人作，宛自天开”的意境。我特别喜欢书中关于斗拱结构和榫卯连接的详细讲解，这些精巧的工艺，是中国古代工匠智慧的结晶，它们不仅是建筑的支撑，更是艺术的体现。作者还引用了大量古代文献和诗词，将建筑与文化、哲学紧密联系起来，让我感受到中国古代建筑不仅仅是遮风挡雨的场所，更是承载着民族精神和审美情趣的载体。读完这部分，我仿佛能亲身漫步在那些古老的庭院中，感受微风拂过竹林的声音，欣赏那精心布置的假山流水。

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这本书给我的最大感受是，中国艺术并非是僵化、单一的，而是充满了活力、变化和多元性。作者通过对不同时代、不同地域、不同门类的艺术作品的深入解读，打破了我之前对中国艺术的一些刻板印象。我曾以为中国艺术的发展是线性的，但这本书让我看到，它更像是一张交织着各种文化交流、融合与创新的网络。我特别欣赏书中对于“文人画”的独特视角，它不仅仅是一种绘画风格，更是一种生活态度和精神追求。书中还涉及了许多中国古代的文学作品、哲学思想，以及对外来文化的影响，这些都使得中国艺术的解读更加立体和深入。每一次翻阅这本书，我都能发现新的亮点，获得新的启发。它不仅仅是一本关于中国艺术的百科全书，更是一扇通往中国传统文化深邃世界的窗户。它让我更加热爱中国这片古老的土地，以及她孕育出的璀璨夺目的艺术文明。

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张法

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帮欣妈

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张法

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比较全面系统

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帮欣妈