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出版者:上海音乐出版社

作者:于润洋

出品人:

页数:442

译者:

出版时间:2003-7

价格:38.00元

装帧:平装

isbn号码:9787805539508

丛书系列:中国艺术教育大系

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音乐的殿堂：从古代文明到当代思潮的声景构建 本书旨在为读者提供一部宏大而精微的西方音乐历史叙事，它不满足于罗列作曲家和作品的编年史，而是着重于挖掘音乐在特定历史、社会、哲学与技术背景下的生成逻辑、审美变迁以及其作为人类精神载体的深层意义。我们致力于重构一个立体、可感知的音乐世界，探索声音如何被组织、被聆听、被赋予意义。 --- 第一部分：声音的起源与秩序的建立（古代至中世纪早期） 本部分将追溯西方音乐思想的源头，探讨声音与宇宙秩序的古老关联。 1. 音乐的哲学根基：毕达哥拉斯的和谐与“天体音乐” 我们将深入剖析毕达哥拉斯学派如何通过数学的精确性揭示音程的内在比例，将音乐从纯粹的听觉现象提升为关于宇宙结构的第一门科学。这种对“和谐”（Harmonia）的追求，不仅定义了西方乐理的基石，也预示着理性在音乐审美中的核心地位。我们将考察这种思想如何影响柏拉图和亚里士多德的伦理学，探讨音乐在塑造公民品格中的作用——“乐教”思想的源起及其在古代城邦中的实践。 2. 早期记谱的萌芽与宗教的介入 从古希腊的残存乐谱（如赛基洛斯墓志铭）到罗马时期的音乐实践，本书着重分析了口传传统的脆弱性与文字记录的必要性。进入中世纪，随着基督教的兴盛，音乐的实践中心彻底转向教会。本节详细阐述了格里高利圣咏（Gregorian Chant）的结构、功能及其在统一西欧礼仪中的作用。我们将讨论早期的“纽姆记谱法”（Neumes）是如何从简单的记忆辅助工具，逐步演化为能够指示音高和节奏的系统，为西方音乐的精确传承奠定技术基础。 3. 单音音乐的成熟与“神圣的庄严” 本章聚焦于中世纪盛期（约9世纪至13世纪）的单音音乐艺术。我们不仅考察圣咏的规范化，更关注其在修道院和主教座堂中的仪式性表达。通过对具体礼拜仪式（如弥撒、日课）的音乐文本分析，读者可以理解为何在那个时代，音乐的最高形式是克制、内省且服务于对上帝的颂扬，而非世俗的娱乐或炫技。 --- 第二部分：复调的黎明与世俗的回响（中世纪晚期至文艺复兴早期） 音乐的叙事重心开始从天上转向人间，多声部的织体探索彻底改变了声音的景观。 1. 巴黎乐派与复调的诞生 本书详细描绘了12世纪巴黎圣母院乐派（如列奥宁、佩罗坦）的创新实践。复调音乐，特别是奥尔加农（Organum）的发展，是人类思维一次伟大的飞跃——如何让两条或多条独立的旋律线在统一的节奏下共存而不互相干扰？我们将分析“有生音乐”（Ars Antiqua）的严格结构，以及其在技术上的突破如何为后世的对位法奠定框架。 2. “新艺术”的节奏革命与世俗之声 14世纪的“有生新乐”（Ars Nova），尤其是法国的马肖和意大利的作曲家，带来了前所未有的节奏复杂性和个人情感表达的自由。节奏不再完全依附于神圣的节拍模式，而是开始服务于音乐的内在张力。同时，本部分也关注世俗音乐的勃兴，如游吟诗人（Troubadour/Trouvère）和行吟诗人（Minnesinger）的歌曲，他们将骑士爱情、政治讽喻引入音乐，拓宽了音乐的主题疆域。 3. 文艺复兴的均衡：人文主义与音乐的“完美”追求 文艺复兴时期，对古典理想的回归影响了音乐的审美取向。作曲家如杜法伊、雅各布·欧克海姆致力于构建清晰的结构和平衡的织体。本书将集中探讨“模仿对位”（Imitative Counterpoint）的成熟，以及奥克刚（Ockeghem）和雅各布·布雷兹（Josquin des Prez）如何利用人声的自然音域和语调，使宗教音乐（如经文歌、弥撒曲）达到了前所未有的清晰度和情感的内敛表达。 --- 第三部分：情感的爆发与结构的规范（巴洛克时代） 从1600年左右到1750年，音乐彻底转型为一种强大的戏剧性艺术和技术精湛的表达工具。 1. 歌剧的诞生：戏剧性与“音乐式话语” 本书将详细考察佛罗伦萨的“卡梅拉塔”群体如何试图复兴古希腊悲剧，从而催生了早期歌剧（如佩里的《尤利西斯归国》）。我们分析了“调式歌唱”（Recitative）如何模拟自然语言的抑扬顿挫，以及咏叹调（Aria）如何成为抒发强烈个人情感的载体。蒙泰威尔第的戏剧性手法，特别是“情感理论”（Doctrine of Affections）的运用，被视为巴洛克音乐心理学的基础。 2. 巴洛克的建筑艺术：协奏曲与赋格曲 本节深入探讨巴洛克音乐的两个核心技术支柱：以巴赫为代表的赋格曲（Fugue）及其对位法的逻辑严密性，以及维瓦尔第等人在协奏曲（Concerto）形式上的贡献。我们将分析“固定低音”（Basso Continuo）这一演奏惯例如何提供稳定的和声框架，并解放了上方声部的旋律自由。巴洛克的装饰性、动能感和对听众感官的直接冲击力，被视为对文艺复兴“冷静”美学的反叛。 3. 风格的交汇与终结：汉德尔的辉煌 巴洛克晚期，意大利、法国和德意志的音乐元素在亨德尔等人的作品中达到了一个辉煌的综合。本书将分析清唱剧（Oratorio）如何成为公众音乐会的核心，以及巴洛克风格如何以其结构上的绝对权威性和情感上的宏大叙事，为接踵而至的古典主义提供了一个必须超越的标杆。 --- 第四部分：清晰、平衡与普适的美学（古典主义） 音乐从服务于精英和宗教，转向追求为“开明公众”服务的清晰、优雅与普适的旋律。 1. 奏鸣曲形式的“宪章” 古典主义的核心在于对形式的精炼与平衡。本章聚焦于奏鸣曲式（Sonata Form）的结构——呈示部、发展部、再现部的辩证关系，如何通过主题的冲突与解决，构建一个自洽的音乐叙事。我们将分析海顿对这一形式的巩固，以及莫扎特如何在其主题发展中注入无与伦比的优雅和人性深度。 2. 交响乐的成熟与公共领域的建立 交响曲从早期序曲的地位，一跃成为最重要的器乐体裁。本书探讨了管弦乐队的标准化、交响曲的四乐章结构的确立，以及它如何成为社会精英和新兴中产阶级共享的文化产品。音乐的目的是“愉悦”，但这种愉悦是建立在清晰、逻辑和形式美感之上的。 3. 贝多芬的革命：从古典到浪漫的桥梁 贝多芬被视为古典主义的顶点和浪漫主义的先驱。我们分析他如何打破既有的形式框架，通过拓展发展部、引入更强烈的戏剧性冲突、拓宽和声的边缘，将音乐从纯粹的“装饰艺术”转变为表达个人意志和英雄主义精神的载体。他的作品标志着作曲家主体性的觉醒。 --- 第五部分：情感的深化与民族的声音（浪漫主义至民族乐派） 音乐开始彻底拥抱主观性、想象力、非理性元素以及对国家身份的探索。 1. 浪漫主义的抒情与技巧的极限 本部分探讨了李斯特的交响诗（Tone Poem）如何解放音乐的叙事功能，以及肖邦如何将钢琴这一乐器推向其表达潜能的极限。对“无限旋律”、“迷恋异域”以及对死亡、自然、超自然主题的沉迷，构成了浪漫主义的核心精神。我们考察了舒曼等音乐评论家如何塑造了当时的审美标准。 2. 德奥传统的延续与瓦格纳的“总体艺术作品” 瓦格纳的音乐戏剧（Music Drama）是对歌剧的颠覆性重构。本书将细致分析其“主导动机”（Leitmotif）系统，以及他如何试图将音乐、诗歌、舞台设计融为一体的哲学野心。同时，我们也探究勃拉姆斯如何坚守德奥器乐的“纯粹音乐”传统，在古典形式的框架内注入深沉的浪漫主义情感。 3. 民族乐派的崛起：发掘本土的音乐灵魂 面对德奥音乐的强大统治力，斯美塔那、德沃夏克、穆索尔斯基、格里格等作曲家开始从本国（斯拉夫、北欧）的民间音乐、传说和历史中汲取灵感。本章旨在说明民族乐派如何通过对特定节奏、调式和民间体裁的借鉴，成功地为西方音乐注入了多元的文化色彩，打破了欧洲中心主义的音乐叙事。 --- 第六部分：形式的解构与声音的未来（20世纪至今） 技术进步、两次世界大战和哲学思潮的剧变，使得音乐进入了前所未有的探索期。 1. 调性的黄昏与印象主义的光影 德彪西和拉威尔的作品标志着对传统功能和声的松动。印象主义音乐通过使用全音阶、五声音阶和复杂的和声色彩，不再关注明确的“发展”，而是捕捉瞬间的氛围和光影。我们分析了这种对“模糊性”的追求，如何呼应了当时文学和绘画中的象征主义思潮。 2. 表现主义与十二音体系的理性回归 勋伯格、贝尔格和魏恩贝格试图用“十二音体系”来应对调性系统耗尽的危机。本章详细解释了如何通过“音列”的运用，重建一种新的、非等级化的结构秩序。与此相对，斯特拉文斯基的《春之祭》则以原始的节奏暴力和对位法的大胆运用，宣告了对浪漫主义的彻底决裂。 3. 战后的实验浪潮与电子媒介的冲击 二战后，音乐探索进入了激进阶段。我们考察了序列音乐（Serialism）如何从音高扩展到节奏、力度和音色的全面控制；偶然音乐（Aleatoric Music，如约翰·凯奇）如何挑战“作曲家意图”和“作品定义”的边界；以及电子音乐（Musique Concrète, Elektronische Musik）如何将录音室变成新的创作工具，使声音本身成为可塑的材料。 4. 当代音乐的多元化景观 本书最后将目光投向当代：极简主义（Minimalism）对重复和过程的强调、新浪漫主义（Neo-Romanticism）的回归尝试、以及电子舞曲、电影配乐等跨界形式对传统古典音乐语汇的吸收与重塑。我们总结了当代西方音乐所面对的核心问题：在后现代的语境下，音乐如何处理“意义”、“原创性”与“听众接受度”之间的永恒张力。 --- 总结： 本书不是一部关于“如何欣赏”的指南，而是一部关于“如何思考”音乐历史的文本。它探讨了从简单的五声音阶到复杂的十二音体系，声音的组织原则如何反映了特定时代的知识结构、宗教信仰和政治气候。读者将通过这本书，理解西方音乐的演进史，是人类文明不断尝试用最抽象的媒介——时间中的声音——来理解和表达自身复杂性的不懈努力。

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有点中国特色的西方音乐史教材，没有朗多米尔、格劳特以及保罗·亨利·朗那样享誉世界的大名，因为它原本就没打算写成一部巨著，只是一本浓缩的教程而已。选入门教程的话，这本书还是不错的。 我大一时开始一部部啃上面提到的三部著作，历史知识积累了一大堆，却杂乱无章。直到...  

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这本书简直是一次奇妙的音乐之旅！从古希腊的调式到巴洛克时期恢弘的复调，再到古典主义时期严谨的结构与情感的平衡，直到浪漫主义时期奔腾的热情与个人表达的极致，每一页都仿佛带领我穿越时空，亲身感受那些伟大作曲家们的心跳与呼吸。作者的文字如同醇厚的香醇，娓娓道来，既有学术的严谨，又不失诗意的浪漫。那些复杂的音乐术语，在作者的解释下变得生动而易于理解，仿佛看到了巴赫指尖在管风琴上飞舞，听到了莫扎特天籁般的旋律在宫廷中回荡，感受到了贝多芬在命运的敲门声中释放的磅礴力量。书中的插图和乐谱片段更是点睛之笔，让抽象的音乐概念变得具象化，仿佛能触摸到历史的脉络。我尤其喜欢作者对不同时期音乐风格的细致剖析，比如对巴洛克时期赋格的精妙解读，对古典主义奏鸣曲式的深入分析，以及浪漫主义时期主题发展和变奏的独到见解。读完这本书，我对西方音乐史的理解不再是零散的片段，而是一个宏大而完整的画卷，让我对那些曾经只是耳熟能详的名字有了更深层次的认识和敬意。它不仅仅是一本音乐史书，更是一本关于人类情感、思想和创造力的颂歌。

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作为一名对音乐史略知一二的爱好者，我一直渴望找到一本能让我系统梳理知识、拓展视野的书籍。这本书可以说完全满足了我的需求，甚至超出了我的预期。它不像许多教科书那样，仅仅是知识点的堆砌，而是充满了作者对音乐的热爱和深刻的洞察。作者在梳理西方音乐史的脉络时，非常有条理，从古希腊的音乐理念，到早期教会音乐的单音风格，再到各个时期音乐形式的演变，都讲解得清晰透彻。我尤其喜欢他对不同时期音乐美学观念的探讨，比如中世纪的“神圣之声”，文艺复兴时期的“和谐之美”，巴洛克时期的“情感张力”，以及古典主义时期的“理性与均衡”，这些概念的引入，让我对音乐的理解上升到了一个哲学层面。而且，作者并没有回避一些复杂的学术争议，而是以一种相对客观的态度，引导读者去思考和理解。书中的一些观点，让我对一些耳熟能详的作曲家有了全新的认识，也让我发现了许多之前未曾关注到的音乐瑰宝。这本书让我觉得，音乐史的学习并非是对过往的简单回顾，而是一次与人类智慧和情感的深刻对话。

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老实说，我一直以为音乐史会是一门枯燥乏味的学科，充斥着各种晦涩难懂的理论和冷冰冰的时间线。但这本书彻底颠覆了我的认知。作者用一种极其引人入胜的方式，将历史的演变与音乐的创作紧密联系起来。他不仅仅罗列了作曲家和作品，更深入地挖掘了每个时代社会、文化、哲学思想对音乐产生的深远影响。比如，他如何将启蒙运动的理性精神与古典主义音乐的清晰结构相联系，又如何将工业革命带来的社会变革与浪漫主义音乐的奔放情感相互映照，都让我茅塞顿开。阅读过程中，我仿佛置身于当时的社会现场，去理解为什么维也纳会在某个时期成为音乐的中心，为什么某些音乐形式会在特定时期兴起。作者在处理不同音乐时期时，采用了非常独特的视角，既有宏观的把握，又有微观的细节。他没有简单地将音乐史划分成几个僵化的阶段，而是强调了不同时期之间的传承与演变，以及音乐风格的融合与碰撞。例如，他对中世纪音乐中神圣与世俗元素的交织，对文艺复兴时期人文主义思潮对音乐的影响，都进行了令人耳目一新的解读。这本书让我意识到，音乐从来不是独立存在的，它是时代的镜子，是人类心灵的写照。

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说实话，我拿到这本书的时候，并没有抱太大的期望，毕竟音乐史对我来说一直是个比较遥远的概念。但读了不到三分之一，我就被深深吸引住了。作者的笔触非常细腻，他没有用枯燥的语言去描述音乐，而是用一种非常富有画面感和感染力的方式，将音乐的历史展现出来。仿佛我亲眼看到了古希腊剧场里的歌唱，听到了中世纪修道院里的圣歌，感受到了文艺复兴时期宫廷里的宴乐，甚至能想象出巴赫在教堂里演奏管风琴时的神圣场景。作者在分析每个时期的音乐风格时，都非常到位，他不仅点出了音乐的特点，更重要的是解释了这些特点是如何在当时的社会文化背景下形成的。我最喜欢的是他对音乐家们个人经历的叙述，这些生动的故事，让我对那些伟大的音乐家们有了更立体、更鲜活的认识。原来，他们并非只是高高在上的艺术家，他们也有着普通人的喜怒哀乐，他们的音乐创作，也深深地受到生活经历的影响。这本书让我觉得，学习音乐史，不仅仅是学习音乐，更是学习人类的历史，学习人类的情感，学习人类的创造力。它让我对音乐多了一种全新的感受方式，也让我对生活有了更多的思考。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，就像一场精心策划的音乐鉴赏会，只不过这场鉴赏会横跨了数个世纪。作者的叙述方式非常灵活，时而如同一位经验丰富的音乐评论家，对作品进行深度剖析，揭示其精妙之处；时而又像一位风趣幽默的向导，带领我们走进作曲家的内心世界，了解他们的创作灵感与心路历程。我特别欣赏作者在处理一些复杂的音乐理论时，所采取的“化繁为简”的策略。他不会生硬地抛出专业术语，而是通过生动的比喻和类比，将抽象的概念变得具体可感。例如，在讲解复调音乐时，他用“不同声音线的对话”来比喻，让初学者也能迅速抓住核心。而且，书中对不同时期代表性作品的选取也十分到位，既有广为人知的名曲，也有一些相对冷门但同样充满魅力的作品，让人耳目一新。作者在描述音乐时，不仅仅停留在音高、节奏、和声这些技术层面，更着重于音乐所传达的情感、意境和哲学思考。我常常在阅读时，不自觉地打开一些音乐来对照，那种“书音合一”的体验，让我的音乐欣赏能力得到了极大的提升。

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蛮全面的 但名字音译的不好 然后真的很多错别字

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蛮全面的 但名字音译的不好 然后真的很多错别字

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讲得比较粗疏，只作了一个大致的梳理，内容远远不够。

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从写作风格上就可以看出来是合著。作为通史，从民族乐派开始，浪漫后期的就是音乐分析吧？概述倒是写得不错，苏俄差评。

评分☆☆☆☆☆

主要参考来源是顾连理夫妇翻译的格劳特《西方音乐史》。我就纳了亲闷了，难道就没有人想到好好地总结一下出本书么，这本书里的内容显然不能原封不动地用于考试