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出版者:上海古籍出版社

作者:谢稚柳

出品人:

页数:240

译者:谢小佩

出版时间:2011-12

价格:78.00元

装帧:平装

isbn号码:9787532558339

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
• 徽墨生香
• work
• W222
• 谢稚柳
• 书画
• 上海
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• 绘画技法
• 艺术
• 文化
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• 传统艺术
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《水墨画》：笔尖下的天地，心中的山河 自古以来，中国书画便是东方艺术的瑰宝，而水墨画，更是其中最能体现东方哲学与审美意境的艺术形式。它以墨为骨，以水为魂，寥寥数笔，便勾勒出万千气象，尽显笔墨的韵味与生命的张力。本书《水墨画》，并非旨在成为一本枯燥的技法大全，亦非陈列博物馆般的画作集锦。它所追求的，是带领读者走进水墨画那邈远而深邃的精神世界，去感受那“墨分五色”的玄妙，去领略那“笔走龙蛇”的灵动，去体悟那“气韵生动”的画外之意。 本书的编纂，旨在以一种全新的视角，拨开笼罩在水墨画上的重重迷雾，让其艺术魅力以一种更为鲜活、更具生命力的方式呈现在读者面前。我们不局限于对传统笔墨技巧的罗列，而是更侧重于挖掘水墨画背后所蕴含的文化基因、哲学思想以及艺术家们在创作过程中所经历的心灵轨迹。因此，本书的阅读体验，将是一场别开生面的文化探险，一次触及灵魂深处的艺术对话。 第一篇：墨之溯源——从混沌初开到笔墨生花 在本书的第一篇，我们将一同追溯水墨画那悠远而神秘的起源。从远古时期先民们在岩壁上留下的朴拙印记，到周秦汉唐时期青铜器、画像石上的图案装饰，再到魏晋南北朝时期士大夫们对笔墨抽象表现的初步探索，水墨的种子早已在中华大地的土壤中悄然萌发。我们将深入探究，墨，这一最基础的绘画媒介，是如何从最初的矿物质颜料，演变为承载着无限可能性的艺术语言。 这一篇将详细阐述水墨画在不同历史时期的发展脉络。我们会看到，山水画的崛起并非一蹴而就，而是与当时社会思潮、哲学观念（如道家的“天人合一”）以及文人阶层的兴起紧密相连。唐代吴道子“白描”的神韵，宋代山水画的精妙绝伦（如范宽的“稳重雄浑”，郭熙的“华滋厚重”），元代文人画的写意风骨（如赵孟頫的“古意”），明清时期泼墨写意的奔放（如徐渭的“狂放不羁”），以及近现代水墨画的创新与变革，每一个时代都留下了独具特色的笔墨印记。 我们也将探讨，为何水墨画能够超越单纯的形似，而达到“以形写神”的境界。这其中，笔墨的“技法”固然重要，但更深层的原因在于艺术家对物象精神的捕捉，以及对生命情感的注入。本书不会简单罗列“皴法”、“勾勒”、“点染”等名词，而是会以生动的图例和深入浅出的文字，去解释这些技法背后所蕴含的对自然形态的理解和对艺术表现的追求。例如，当我们看到一幅描绘山峦的画作时，我们将不仅仅是看到层层叠叠的墨迹，更能感受到那山峦的巍峨、沉静，以及在时光流转中，它所经历的风雨沧桑。 第二篇：意之飞扬——笔墨之外的诗意与哲学 如果说第一篇是为读者奠定了理解水墨画的“形”的基础，那么第二篇则将引领读者深入水墨画的“意”境。水墨画的魅力，远不止于笔墨的物质形态，更在于它所传达出的那份难以言喻的诗意与哲学。 我们将重点探讨“气韵生动”这一中国画的灵魂。“气韵”二字，既指艺术家创作时所贯注的生命活力，也指画面所呈现出的生动意趣。如何让静态的画面“活”起来，如何让墨迹之间产生“呼吸感”，如何让画面充满“韵味”，这都是水墨画艺术家的不懈追求。我们将通过分析具体的画作，去解读艺术家是如何通过对线条的弹性、墨色的浓淡、留白的运用，来营造出画面的生命力与情感张力。 本书还将深入挖掘水墨画与中国传统哲学思想之间的深层联系。道家的“无为而无不为”，禅宗的“顿悟”，儒家的“中庸之道”，这些哲学观念如何潜移默化地影响着水墨画的创作理念？例如，老子“道可道，非常道”的思想，在水墨画中体现为对“意境”的追求，对“言有尽而意无穷”的向往。留白，在中国画中绝非“空白”，而是“虚实相生”的哲学体现，是给观者想象的空间，是留给心灵的呼吸之地。 我们还将讨论水墨画的“写意”精神。写意画并非随意涂抹，而是在高度概括和提炼的基础上，捕捉物象的本质神韵。一棵竹子，不一定需要描绘每一片竹叶，但寥寥数笔，便能勾勒出其挺拔、坚韧、虚心向上的君子之风。一朵梅花，在寒风中傲然绽放，其风骨与神韵，通过墨的浓淡、枯湿，以及笔的转折、顿挫，得以淋漓尽致地展现。这种“不似之似”的境界，正是水墨画独有的魅力所在。 此外，本书还会探讨水墨画的“诗画结合”。自古以来，诗、书、画在中国艺术中便是密不可分的整体。诗歌的意境，常常能为水墨画提供灵感；而水墨画的画面，也常常能激起观者诗意的联想。我们将通过分析一些著名的诗画作品，来展现这种跨媒介的艺术融合，以及它们如何共同构建起一个东方艺术特有的审美世界。 第三篇：乾坤在握——现代视角下的水墨新语 随着时代的发展，水墨画也从未停下探索与创新的脚步。本书的第三篇，将目光投向现代水墨画的发展，探讨在新的时代背景下，水墨画如何焕发出新的生机与活力。 我们将审视近现代水墨画家们如何在中西方艺术的碰撞与融合中，不断拓展水墨画的表现力。从齐白石的“衰年变法”，到徐悲鸿对素描的引入，再到林风眠、吴冠中等对东西方绘画语言的探索，水墨画在传承中不断创新，吸收新的元素，尝试新的题材和表现手法。 本书还会关注当代水墨画的多元化发展。如今的水墨画，早已不再局限于传统的山水人物题材。城市景观、抽象表现、装置艺术的融入，以及对新媒介、新技术的运用，都为水墨画注入了新的活力。我们将探讨，在这些创新尝试中，水墨画的核心精神——笔墨的韵味、意境的营造、精神的传达——是否依然得到保留和传承。 同时，本书也并非一味鼓吹创新，而是更注重在创新中寻求平衡，在传承中寻求突破。我们将讨论，在拥抱现代性的同时，如何更好地守护水墨画的传统精髓，让这份古老的艺术形式在当代社会焕发更持久的光彩。我们也会探讨，在当下信息爆炸的时代，水墨画如何依然能够提供一种宁静、深沉、富有哲思的艺术体验，满足人们对精神世界的渴望。 结语：墨韵悠长，心归山河 《水墨画》一书，希望通过以上三个篇章的深入探讨，能够为读者打开一扇通往水墨画艺术世界的大门。我们所展现的，不仅仅是笔墨的技法，更是笔墨背后所蕴含的生命哲思、文化底蕴和审美情趣。我们希望，在阅读本书的过程中，读者能够： 理解水墨画的东方哲学： 认识到水墨画并非简单的绘画形式，而是中国传统哲学思想与审美观念的生动载体。 欣赏笔墨的韵味： 领略“墨分五色”的玄妙，理解线条的弹性与力度，以及留白所蕴含的无限可能。 体会“写意”的境界： 懂得水墨画如何通过高度概括和提炼，捕捉物象的神韵，传递艺术家的情感与思想。 感受艺术的诗意： 在墨迹与留白之间，找到属于自己的诗意与宁静，让心灵在画中得到慰藉与升华。 拥抱水墨的现代生命力： 认识到水墨画并非陈旧的艺术，而是在不断创新中焕发勃勃生机的现代艺术。 最终，我们希望通过《水墨画》这本书，能够引导读者重新审视我们的传统文化，在快节奏的现代生活中，寻回那份属于东方人独有的艺术品味与精神寄托。当您合上本书，也许会开始尝试用毛笔蘸墨，在纸上留下属于自己的笔迹；也许会走进画展，用一颗更懂得欣赏的心，去品味水墨画那“千岩竞秀，万壑争流”的壮丽，去感受那“闲看庭前花开花落，漫随天外云卷云舒”的超然。 水墨画，它是一门艺术，更是一种生活态度，一种精神追求。愿本书，能成为您探索这片墨色天地，品味无尽山河的忠实伴侣。

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我是一个习惯于快速获取信息的人，阅读时总喜欢有清晰的脉络和明确的结论，所以一开始对《水墨画》这种偏重意境的表达方式有些不适应。但坚持读下去后，我发现这本书的魅力恰恰在于它的“不可捕捉性”。作者似乎故意避开了给出标准答案，而是抛出了无数个引人深思的问题。比如，当笔尖触及宣纸的那一刻，究竟是画家在主宰媒介，还是媒介反过来塑造了画家的心境？书中穿插了大量的诗词歌赋，这些文字与图画的阐释相互交织，形成了一种多维度的阅读体验。读到描绘山水画中云雾缭绕的部分时，我的呼吸似乎都变得缓慢而悠长，仿佛真的能感受到那种湿润的空气。这本书的语言充满了画面感，即便是对非美术专业人士来说，理解起来也毫无障碍，它用最美的语言描绘了最朴素的东方哲学。它让我开始重新审视自己周围的世界，原来，最简单的黑白灰，可以蕴含如此丰富的世界观。

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坦白讲，这本书的阅读门槛比我想象的要低很多，但绝不是浅薄之作。它采取了一种非常亲近读者的对话式口吻，仿佛作者正坐在我对面，耐心而又充满激情地与我分享他毕生的体悟。我最欣赏的是它对“不完美之美”的推崇。在很多西方艺术理论中，人们追求极致的和谐与对称，但《水墨画》却将目光聚焦于那些偶然形成的笔触、那些墨点飞白带来的“意外之喜”。书中记录了许多画家如何拥抱这些失误，并将它们转化为作品的灵魂。这对我个人生活也有很大的启发，让我们学会接纳生活中的“瑕疵”和“不确定性”，从中发现独特的价值。这种充满人文关怀的视角，让这本书跳脱出了单纯的艺术鉴赏范畴，更像是一本关于如何与世界相处的指南。每读完一个小章节，我都会忍不住放下书，拿起笔，哪怕只是在废纸上涂抹几下，也想去捕捉那种瞬间的灵感和随性的表达。

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这本《水墨画》简直是一场视觉与心灵的洗礼，我几乎要将自己完全沉浸在作者构建的那个黑白世界里了。初翻开时，我带着一丝对传统艺术的敬畏，心想这大概会是一本讲解笔法、墨韵的工具书，但很快我就意识到自己错了。它更像是一部哲学的散文集，每一笔的干湿浓淡，都对应着人生的某种况味。作者对“留白”的阐释尤为精妙，他没有用那些晦涩难懂的理论去堆砌篇幅，而是通过一个个生动的例子，讲述了“无”是如何承载“有”的重量。我记得有一章讲到画一株寒梅，墨色层层叠加，最终却以一小块未染的宣纸收尾，那种寂寥中蕴含的生机与坚韧，读完后我久久不能平静。书中穿插的那些关于古代文人雅士的轶事，也为冰冷的技法增添了温度。比如那位隐居山林的画家，他画竹子，不是为了描摹竹子的形态，而是为了寄托对自由的向往。这种由技入道的层次感，使得这本书不仅仅是一本关于绘画的书，它更像是一面镜子，映照出我们内心深处对自然、对本真的渴望。我尤其欣赏作者那种克制的文笔，不张扬，却处处是力量，如同上好的徽墨，沉稳而内敛。

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这本书的深度着实让我有些“战栗”，它不是一本能快速浏览的书，而需要细嚼慢咽，反复品味。作者对材料学的探讨达到了令人咋舌的程度，他没有简单地罗列纸张、墨锭的种类，而是深入挖掘了它们各自的“脾性”——宣纸吸墨的极限，松烟墨与油烟墨在不同湿度下的化学反应，甚至是如何通过控制研墨的力度来预设最终的墨色层次。这些技术细节，被作者融入到对“天人合一”的探讨中，显得既科学又浪漫。尤其是关于“藏锋”与“出锋”的对比，不仅是笔法上的差异，更被赋予了性格上的解读，是内敛还是张扬，是蓄势待发还是尽情释放。阅读过程中，我感觉自己仿佛进行了一次对东方精神内核的深度挖掘之旅，它用最简单的工具，探讨了最宏大的命题。这本书的价值，在于它让你明白，真正的艺术，是将最精微的观察，融入最深沉的思考之中。

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说实话，我本来对这种偏向东方美学的书籍兴趣不大，抱着试试看的心态买了这本《水墨画》，没想到却被它叙事上的韵律感彻底征服了。它的结构安排非常巧妙，并非严格按照时间顺序或者题材分类，而是像一首自由爵士乐，在不同的主题间跳跃、回旋。最让我眼前一亮的是它对“时间感”的捕捉。作者探讨了如何用一根线条去表现一瞬的疾风，以及如何用大片的晕染来暗示岁月的流逝。这种抽象概念具象化的能力，简直令人叹为观止。书中对不同地域水墨风格的比较分析也十分到位，比如江南的细腻婉约与北方山水的雄浑大气之间的张力，作者分析得鞭辟入里，却丝毫没有学术论文的枯燥感。我仿佛跟随他的文字，走过了黄山云海，也漫步了苏州园林。阅读的过程，就像是在品一杯陈年的普洱茶，初尝时略带涩味，但随着深入，那股醇厚的香气便在舌尖散开，回味无穷。这本书的装帧设计也深得我心，那种哑光的纸张，触感温润，与书中的内容气质完美契合。

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越读越丧气。

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谢老的观点还是值得借鉴的（他对沈文和四王真是不客气），但搭售的英文翻译是咋回事？就因为她是谢家千金就浪费纸张？图版也很糟糕，都不要求文图对应了还找不到好图？搞成三分册也非常不方便阅读，怪不得卖不掉要让中图网处理。

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越读越丧气。

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谢老的观点还是值得借鉴的（他对沈文和四王真是不客气），但搭售的英文翻译是咋回事？就因为她是谢家千金就浪费纸张？图版也很糟糕，都不要求文图对应了还找不到好图？搞成三分册也非常不方便阅读，怪不得卖不掉要让中图网处理。