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出版者:广西师范大学出版社

作者:罗兰特・潘罗斯

出品人:

页数:428

译者:周国珍

出版时间:2002-11

价格:29.80

装帧:平装

isbn号码:9787563337248

丛书系列:

图书标签:

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现代艺术的永恒探索：马蒂斯与色彩的革命 图书简介 本书深入剖析了亨利·马蒂斯——这位与毕加索并驾齐驱的二十世纪艺术巨擘——的非凡一生及其对现代艺术，特别是对色彩运用和形式简化的颠覆性贡献。这绝非一部简单的传记，而是一次对马蒂斯创作哲学的细致考察，旨在揭示他是如何通过对色彩的纯粹解放，构建起一座通往视觉愉悦与精神和谐的艺术殿堂。 马蒂斯（Henri Matisse, 1869–1954）的艺术历程，是一部与学院派美学持续抗争，并最终以“野兽派”（Fauvism）的旗手身份震撼巴黎画坛的史诗。本书的第一部分，聚焦于马蒂斯早年的学徒生涯及其在传统艺术教育中的挣扎。我们将详细梳理他如何从模仿印象派和后印象派入手，逐步探索到自己独特的语言。不同于许多同时代艺术家对心理深度或社会批判的迷恋，马蒂斯从一开始就表现出对艺术本质的纯粹追求——即“一种能让疲惫的头脑得到休息的艺术”。书中将详述他对梵高、高更作品的痴迷，以及这种早期影响如何孕育了他对色彩作为独立表达媒介的信念。 本书的核心部分，将集中笔墨于1905年“秋季沙龙”的“野兽派”展览。我们将细致描摹那次展览如何点燃了艺术界的轩然大波。马蒂斯及其同辈人，如德兰（Derain）、莫迪格里安尼（Modigliani）等，以他们未经稀释、直接从颜料管中挤出的纯粹色块，彻底颠覆了传统艺术对“写实”的定义。马蒂斯的作品如《戴帽子的女人》、《绿线人像》等，不再依赖光影或透视来营造体积感，而是依靠色彩本身的情感张力与装饰性来构建画面。本书不仅分析了这些作品的技法特点，更深入探讨了马蒂斯如何利用红、蓝、黄等原色来表达光线、空间和情感，而非仅仅描摹它们。 随后，我们将转入马蒂斯创作的“东方主义”和“室内画”阶段。马蒂斯对摩洛哥、北非的旅行经历，为他的调色板注入了异域的炽热与异国的神秘感。他迷恋于伊斯兰艺术中重复的图案、平面化的处理和对光线的强力捕捉。在《奢华、宁静与愉悦》（Luxe, Calme et Volupté）等代表作中，我们能清晰地看到他如何将点彩派的结构性与自己对色彩情感的追求相结合，创造出一种既装饰性又充满内在律动的视觉体验。 本书特别辟出一章，深入研究马蒂斯对“装饰性”的坚守。在现代艺术普遍追求立体感和雕塑感的背景下，马蒂斯反其道而行之，他视画面为一块“装饰的平面”，强调二维空间的张力。他认为装饰并非低俗或肤浅，而是与音乐、建筑一样，是引导感官的必要手段。书中将通过分析他的多幅大幅室内静物画和裸女画，展示他如何通过简化轮廓、拉伸比例和运用大面积纯色，使画面达到一种近乎冥想的宁静状态。这种对装饰性的回归，在当时被视为一种激进的宣言：艺术可以提供休憩和美，而非仅仅是批判。 在他艺术生涯的晚期，随着健康状况的恶化，马蒂斯找到了全新的表达方式——剪纸艺术（Papiers Découpés）。本书详尽记录了这一转折。他不再直接使用画笔，而是用剪刀和彩色纸张“绘画”。这种近乎孩童般直率的创作方式，实则达到了其艺术哲学的巅峰：用最少的元素，实现最大的表达效率。从巨大的壁画《蓝色裸女I-IV》到著名的“罗斯柴尔德礼拜堂装饰”，我们将展示剪纸如何将他早年对线条和色彩的追求，凝练为一种纯粹的、具有雕塑感的二维符号。 本书的结语将探讨马蒂斯对后世艺术家的深远影响，特别是对抽象表现主义（如马克·罗斯科）和后来的极简主义艺术家的启示。马蒂斯证明了，艺术的自由不在于描绘世界，而在于创造一个由色彩和形状构筑的、独立于现实的、永恒的世界。 通过丰富的画作分析、翔实的文献资料和对同时代艺术家的对比，本书旨在让读者全面理解亨利·马蒂斯——这位将“色彩的革命”奉为终身事业的艺术大师，是如何用他标志性的温暖、欢快与和谐，为二十世纪的艺术注入了不可磨灭的阳光。

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天哪，最近我终于啃完了那本《毕加索：生平与创作》！说实话，刚拿到书的时候，我还有点犹豫，毕竟毕加索的名字如雷贯耳，但总觉得他的艺术风格有点遥不可及，像是另一个时空的语言。但这本书真的把我拉近了他，它不像是一本枯燥的学术著作，更像是一位老朋友在娓娓道来，分享着他跌宕起伏的一生。 我特别喜欢作者在描述毕加索早期生活时那种细腻的笔触。从他出生在西班牙马拉加，到他作为一个神童展露惊人天赋，再到他为了艺术梦想在巴黎闯荡，每一步都写得那么生动。我仿佛能看到那个年轻的毕加索，眼神里闪烁着对艺术的狂热，在简陋的画室里，用尽一切办法去捕捉脑海中的色彩和线条。书里穿插着许多他早期的画作，尤其是那些蓝时期和粉红时期的作品，每一幅都像一首忧伤而美丽的诗。作者没有生硬地解释这些画作的含义，而是通过描述他当时的生活境遇和情感状态，让我们自己去体会画面的情绪。我记得有一次，我读到他为了一个心仪的女子而创作的那些温柔的肖像时，忍不住感叹，原来艺术家的激情，有时候是如此纯粹而炽烈。这本书最成功的地方在于，它让我不再觉得毕加索只是一个符号，而是一个有血有肉、有爱有恨的鲜活个体。

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这次阅读体验真是超出了我的预期，完全颠覆了我之前对毕加索的刻板印象。我一直以为他就是那个画“怪脸”的艺术家，但这本书让我看到了他更丰富、更复杂的艺术面貌。作者在介绍他不同时期的创作风格时，真是花了大力气。从那个震撼人心的《亚维农的少女》，到后来解构主义的立体派，再到他后期充满生命力的陶瓷和雕塑，每一阶段都像是一个全新的探索。 我特别佩服作者对毕加索艺术演变的梳理，他不是简单地列举作品，而是深入分析了当时社会背景、毕加索个人经历以及他对其他艺术流派的影响。比如，在讲到立体派时，作者详细阐述了毕加索如何从非洲面具和塞尚的画作中汲取灵感，如何颠覆传统的视角，将物体拆解再重组，创造出前所未有的视觉语言。读到这里，我感觉自己也跟着他一起，打开了一扇通往全新视觉世界的大门。更让我惊喜的是，书里还花了很大篇幅介绍了他晚年的创作，那些色彩鲜艳、充满童趣的陶瓷和版画，完全展现了他对生活的热爱和不竭的创造力。这让我意识到，艺术家的生命力，真的可以跨越年龄，保持一种孩童般的好奇和热情。

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这本书的阅读体验，用“震撼”来形容一点也不为过。我之前对毕加索的了解，仅限于他那些耳熟能详的画作，总觉得他的艺术是高高在上、难以接近的。但《毕加索：生平与创作》这本书，让我感觉自己仿佛置身于他所处的那个时代，与他一同呼吸，一同感受。 作者在叙述他人生中的重要节点时，那种详实和细致，真的让人拍案叫绝。我特别喜欢关于他参与政治运动和战争的章节。毕加索并非生活在艺术的象牙塔里，他是一个有血有肉、有立场的人。特别是他创作《格尔尼卡》的过程，作者详细描述了当时西班牙内战的残酷，以及毕加索得知惨剧后的愤怒和悲痛。我仿佛能看到他如何在极短的时间内，将满腔的悲愤倾注于画布之上，用黑白灰的色彩，描绘出战争的恐怖和人性的扭曲。这本书让我明白了，艺术不仅是美的象征，它也可以是强有力的武器，可以承载历史的重量，可以为受苦的人发声。读到这里，我为毕加索作为艺术家的担当和勇气感到由衷的敬佩。

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自从读了《毕加索：生平与创作》这本书，我对艺术的看法简直是天翻地覆。我一直以为艺术就是画画，就是雕塑，就是那种摆在博物馆里的东西。但这本书让我看到了，艺术可以渗透到生活的每一个角落，而毕加索这个人，简直就是为艺术而生的。 作者在描述毕加索在不同艺术形式上的尝试时，真是让我大开眼界。他不仅仅是一个画家，他还是一个雕塑家、版画家、陶瓷艺术家，甚至还涉足戏剧设计。书中详细介绍了他在陶瓷创作上的创新，他如何将粗糙的陶土，通过巧妙的构思和上色，变成一件件充满生命力和趣味性的作品。我记得有一次，我读到他创作的那些动物造型的陶瓷时，忍不住笑了出来，那种纯粹的快乐，似乎也透过书页传递给了我。作者还强调了毕加索与同代艺术家的交往，以及他对后世艺术家的影响。这让我意识到，一个伟大的艺术家，不仅仅是自己创造，他也是一个时代的缩影，他连接着过去与未来，影响着无数后来者。这本书让我觉得，艺术是一场永无止境的冒险，而毕加索，就是这场冒险中最勇往直前的探险家。

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读完《毕加索：生平与创作》，我感觉自己像是经历了一场艺术的盛宴。这本书最吸引我的地方，在于它对毕加索创作过程的深入剖析，感觉自己窥探到了一个伟大灵魂的内心世界。作者并没有刻意去神化他，而是诚实地展现了他在艺术道路上的探索、挣扎，甚至是他的争议。 我印象最深刻的是关于他如何对待女性形象的描绘。书中详细分析了他不同时期对伴侣、缪斯的刻画，从早期温柔的依恋，到后来充满力量和解构感的变形，每一个转变都反映了他内心的情感波动和对女性理解的演变。作者引用了大量评论家和毕加索本人的访谈，让我们得以从不同角度理解那些充满戏剧性的画作。比如，在描绘他的情人朵拉·玛尔时，毕加索将她的形象拆解得支离破碎，又赋予她一种难以言喻的神秘感，这让我开始思考，艺术家是如何将现实中的人物转化为艺术符号的。这本书让我认识到，艺术创作并非灵光一闪，而是充满着无数次的尝试、否定和重塑。它让我更理解了那些看似抽象的作品背后，可能隐藏着怎样复杂的情感和哲学思考，这种深度解读，让我受益匪浅。

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毕加索笔下唯一没有经过变形的人物，是他的儿子

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中文翻译的水平够呛(盗版?)，但能从书中明白毕加索独到之处在于融合各种风格并创新，同时不受风格约束，采用最合适的方法去诠释与创作出自己的画面。

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奇葩