具体描述
张同标所著的《中国美术史》系统介绍了中国美术的发展流变，把中国美术史看做是由历代美术作品、美术现象所体现的中华民族的审美意识、审美理想、审美趣味在不同历史时期的演变发展史；分吋期、分阶段对历史上的美术现象、美术流派的发生和发展进行具体到位的论述和阐释。本书以论带史，史论结合，尚变求新；在尊重历史的基础上把握评述的公正性，并针对某些问题谈及作者的感受与历史争鸣。
作者简介
目录信息
中国绘画史年表
第一章：远古至秦汉绘画——叙事的画语
第二章：魏晋南北朝绘画——艺术的自觉
第三章：唐宋人物画——从盛世气象至禅逸墨戏
第四章：唐宋花鸟画——徐黄体异
第五章：唐宋山水画——从真境到诗意
第六章：宋元梅竹画——诗意的比兴
第七章：元代山水画——书画同源
第八章：明代前中期绘画——浙派与吴派
第九章：晚明清初绘画(上)——南宗抉微
第十章：晚明清初绘画(下)——心性的实践
第十一章：清代中后期绘画——世俗与高怀
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读后感
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用户评价
这本书，我拿到手里的时候，第一感觉就是它的厚重。封面设计简洁大气，虽然没有太多花哨的图案，但那种历史的沉淀感扑面而来。打开目录，我几乎就能预见到一场穿越时空的视觉盛宴。从史前时期的岩画、陶器纹饰，到青铜时代的礼器、玉器，再到秦汉的雕塑、壁画，以及魏晋南北朝的佛教艺术，隋唐的繁盛景象，宋元的文人画，明清的世俗化潮流，直至近现代的西学东渐和本土创新，几乎将中国美术发展的脉络梳理得一清二楚。作者在每个时期都选取了极具代表性的作品进行深入剖析，不仅仅是罗列作品的名字和年代，更重要的是对作品的创作背景、艺术风格、工艺技巧以及其所蕴含的文化意义进行了细致的解读。我特别喜欢书中对唐代绘画的描绘，那种恢弘的气势，人物的神采，色彩的浓烈，都仿佛跃然纸上，让人不禁惊叹于那个时代的辉煌。还有宋代的山水画，那种“可行、可望、可游、可居”的意境，通过作者的文字，我仿佛能身临其境，感受到文人画家们寄情山水的超然。这本书不仅仅是一部艺术史的普及读<bos>，更是一扇了解中国传统文化和民族精神的窗户。
评分这本书最大的优点之一在于其广泛的视野和深入的分析。作者并没有仅仅局限于宫廷艺术或文人艺术，而是将目光投向了各个阶层、各个地域的艺术创作。无论是皇家园林的宏伟，还是民间建筑的朴实，无论是士大夫的书法，还是市井的年画，甚至是少数民族的服饰和雕塑，书中都有所涉猎。我印象特别深刻的是关于中国建筑艺术的章节，从先秦时期的夯土建筑，到秦汉的宫殿、陵墓，再到唐宋的木结构建筑，以及明清的皇家宫殿、园林和民居，书中都进行了详细的介绍，包括建筑的结构、材料、装饰，以及其背后的礼制、哲学思想和文化内涵。特别是对苏州园林的描述，作者不仅分析了其叠山理水、建筑布局的精巧，更重要的是解读了园林中蕴含的“天人合一”的哲学观念和文人寄情山水的雅趣。书中对中国工艺美术的介绍也让我大开眼界，如玉器、漆器、青铜器、珐琅器等，这些精美的工艺品，不仅展现了中国古代工匠的高超技艺，也反映了不同时期人们的生活方式和审美情趣。
评分我一直对中国传统工艺美术很感兴趣，而这本书在这方面的内容让我非常满意。它不仅仅是介绍了玉器、青铜器、漆器等我们熟知的工艺门类，还对一些相对小众的工艺，如牙雕、木雕、竹编、刺绣等，也进行了深入的介绍。在介绍这些工艺时，作者不仅说明了其制作工艺的复杂和精湛，还着重强调了它们在不同历史时期所体现出的时代特征和审美趣味。例如，在描述唐代的三彩陶器时，书中不仅介绍了其色彩的鲜艳、造型的生动，还分析了唐三彩在墓葬文化中的意义，以及其对外来文化交流的体现。在介绍宋代的瓷器时，书中对五大名窑的特点进行了细致的区分，并分析了不同窑口瓷器所代表的文人品味和时代特色。特别是对青花瓷的介绍，从元代初创，到明清的繁盛，书中都进行了详细的梳理，展现了青花瓷从一种技术创新到一种文化符号的演变过程。这本书让我看到了中国古代工艺美术的博大精深和辉煌成就。
评分这本书的语言风格非常吸引人，既有学术的严谨，又不失文学的韵味。作者在描述艺术作品时，善于运用生动形象的比喻和细腻的笔触，将抽象的艺术概念具象化，让即使是初次接触艺术史的读者也能轻松理解。比如，在形容宋代山水画的“皴法”时，作者可能会用“如飞白走势，又似枯藤缠绕”这样的词语，将笔墨的运用和自然景物的形态巧妙地结合起来。书中对不同时期绘画风格的区分也做得非常到位，例如，唐代绘画的“饱满”“华丽”，宋代绘画的“简洁”“意境”，元代绘画的“率意”“抒情”，明清绘画的“工致”“多样”等等，这些关键词的运用，能够帮助读者快速把握不同时代的艺术特征。我尤其欣赏作者对中国传统绘画“写意”精神的解读，这种不拘泥于形似，更注重传达物象的神韵和作者的情感的艺术追求，通过作者的文字，我感受到了中国艺术家们独特的审美情趣和哲学思考。读这本书，就像是在听一位资深的艺术导览员娓娓道来，既增长了知识，又享受了美的熏陶。
评分这本书的叙事方式非常引人入胜，作者仿佛是一位经验丰富的向导，带领读者一步步探索中国艺术的宝库。他不仅仅是陈述事实，更善于讲述艺术背后的故事，挖掘艺术品与人物、事件之间的联系，让整个艺术史变得鲜活而富有生命力。例如，在讲述明清时期绘画时，书中会穿插介绍那些富有传奇色彩的画家，如明四家（沈周、文徵明、唐寅、仇英），以及“扬州八怪”等，通过对他们生平经历、创作理念的介绍，以及他们作品的解读，让读者能够更深入地理解那个时期艺术的特点和发展。书中还对中国古代绘画的“题跋”、“印章”等元素进行了探讨，这些虽然是附属内容，但却蕴含着丰富的文化信息，也构成了艺术品完整的一部分。作者在分析作品时，常常会跳出单纯的艺术评论，融入对历史、哲学、文学的理解，使得对艺术的解读更加深刻和多元。这种多角度的审视，让我对中国艺术有了更全面的认识。
评分我曾尝试阅读过一些其他的中国美术史书籍，但很多都过于学术化，读起来有些枯燥。而这本书则不同，它在保持学术性的同时，文笔非常流畅，阅读体验极佳。作者似乎很懂得如何抓住读者的兴趣点，比如在讲述某个时期艺术风格的转变时，常常会引入一些历史事件或社会思潮，将艺术的发展与时代的变迁紧密联系起来。例如，在谈到魏晋南北朝时期，除了介绍那个时期士人阶层的风流和玄学的影响，还深入探讨了佛教传入对中国艺术带来的巨大冲击，从建筑、雕塑到绘画，佛教艺术是如何在中国这片土地上生根发芽，并逐渐与本土文化融合，形成了独具特色的中国佛教艺术。书中对元代绘画的描绘也十分精彩，尤其是对文人画的推崇，如赵孟頫、黄公望等人的作品，作者不仅仅分析了他们的笔墨技巧，更重要的是解读了他们“逸笔草草”背后所蕴含的文人情怀和隐逸思想，以及他们对中国绘画“尚意”传统的继承与发展。这本书让我感觉，艺术史的学习不仅仅是记住一些事实和风格，更是去理解艺术背后的人文精神和历史传承。
评分这本书的体例编排非常清晰，逻辑性很强。作者按照时间顺序，将中国美术的发展历程划分为几个大的阶段，然后在每个阶段内，又细致地划分出不同的艺术门类，如绘画、书法、雕塑、建筑、工艺美术等。这种结构使得读者能够清晰地看到中国美术史的整体发展脉络，而不至于被某个时期的某个艺术门类所困扰。在介绍每一件代表性作品时，作者都会提供作品的详细信息，包括作者、年代、材质、尺寸、收藏地点等，并配以精美的图片，使得读者在阅读文字的同时，也能直观地欣赏到艺术品的风采。我对书中关于中国陶瓷艺术的介绍特别感兴趣，从新石器时代的粗陶，到商周的原始青瓷，再到汉代的绿釉陶，唐代的唐三彩，宋代的五大名窑（汝、官、哥、钧、定），元代的青花瓷，明清的景德镇瓷器，每一种都有详尽的介绍，不仅包含了其工艺制作的精妙之处，还展现了它们在不同历史时期所扮演的角色，比如作为礼器、作为生活用具、作为商品贸易的重要载体等等。这种全面的梳理，让我对中国陶瓷的博大精深有了全新的认识。
评分我发现这本书在图片的应用上做得非常出色。书中配有大量的、高质量的艺术品图片，而且图片的选取非常有代表性，能够很好地支持文字的论述。这些图片不仅仅是简单的插图，而是经过精心挑选的，很多都是高清的特写，让读者能够近距离地欣赏到艺术品的细节。比如，在介绍宋代书法时，书中配有王羲之《兰亭集序》、颜真卿《祭侄文稿》、苏轼《寒食帖》等经典作品的清晰图片，读者可以仔细辨认笔画的结构、墨色的浓淡、运笔的轻重，从而更好地理解作者所说的“骨法”“用笔”“结体”等概念。同样，在介绍古代绘画时，也配有大量的人物、山水、花鸟画的精美复制品，如顾恺之的《洛神赋图》、张择端的《清明上河图》、八大山人的花鸟画等等，这些图片让书本的阅读体验大大提升，仿佛真的置身于美术馆之中。对于我这样的读者来说，能够看到如此多精美的艺术品原貌，是一种极大的享受。
评分翻阅这本书，最让我印象深刻的是其详实的研究和严谨的论证。作者对于每一个艺术门类、每一个历史时期的梳理，都建立在扎实的文献研究和考古发现之上。比如，在谈到早期陶器艺术时，书中不仅介绍了彩陶和黑陶的工艺特点，还结合当时的社会生活、信仰习俗，分析了这些装饰纹样可能代表的意义，比如生殖崇拜、自然崇拜等，这使得枯燥的考古发现瞬间变得生动起来，充满了人文关怀。在描述汉代的画像石和画像砖时，作者没有止步于对其雕刻技艺的赞美，而是深入挖掘了其中所反映的社会生活场景、神话传说、历史故事，比如宴乐图、出行图、神仙故事等，这些画面如同史书的另一种载体，为我们展现了那个时代人们的生活百态和精神世界。书中还涉及了佛教造像艺术的演变，从早期受印度犍陀罗风格影响的佛像，到中后期逐渐中国化、世俗化的过程，比如龙门石窟、敦煌莫高窟的造像分析，都展现了艺术与宗教的融合与发展，以及外来文化在中国土壤上的变异与创新。这种对艺术作品的多维度解读，让我对中国古代艺术有了更深刻的认识。
评分看完这本书，我最大的感受就是中国艺术的连续性和创新性。它不仅仅是各个历史时期的简单叠加，而是在传承中不断发展，在融合中不断创新。作者在书中强调了中国艺术中“师承”的重要性，但同时也指出了艺术家们如何在继承前人的基础上，融入自己的思考和创造，形成独特的风格。例如，在谈到书法时，作者会分析从篆书、隶书、楷书、行书、草书的演变过程，以及历代书法大家的风格特点，如王羲之的飘逸，欧阳询的严谨，颜真卿的雄浑，柳公权的骨力，以及苏、黄、米的行书等等，这些都展现了中国书法艺术在传承中的创新。同样，在绘画领域，从唐代的写实到宋代的写意，从元代的文人画到明清的市民艺术，都体现了艺术风格的不断演变和创新。这本书让我明白了，真正的艺术是具有生命力的，它能够随着时代的变迁而发展，并不断焕发出新的光彩。这本书的价值在于，它不仅让我了解了中国艺术的过去，也让我对中国艺术的未来充满了期待。
评分开头的中国绘画史年表的想法不错，很多教材其实都应该配备这样的年表。问题是：基本的信息准确总该做到吧？王翚、吴历的1632年出生全变成了1362年，都不校对的嘛？类似这样的低级错误随处可见！
评分任课老师写的书
评分开头的中国绘画史年表的想法不错，很多教材其实都应该配备这样的年表。问题是：基本的信息准确总该做到吧？王翚、吴历的1632年出生全变成了1362年，都不校对的嘛？类似这样的低级错误随处可见！
评分开头的中国绘画史年表的想法不错，很多教材其实都应该配备这样的年表。问题是：基本的信息准确总该做到吧？王翚、吴历的1632年出生全变成了1362年，都不校对的嘛？类似这样的低级错误随处可见！
评分图书馆里随手翻到的，一本不错的入门读物。看完觉得中国画太伟大，尤爱山水画。1949以后的中国基本是没了自己文化的中国，学点文化也是先向西方看齐。很多人知道达芬奇卡拉瓦乔雷诺阿梵高毕加索，知道文艺复兴浪漫主义印象派立体派达达主义……但不知道顾恺之马远夏圭赵孟頫黄公望。记得大学公选课有西方艺术史，但没有中国美术史。中学历史书里无非写了几个人名和画名让你背下来，有个鸟用。国画同书法、诗歌、戏曲一样，蕴含了中国人（以前的中国）独有的审美情趣，也是中国文人士大夫风骨与品格的体现。在现在这个美国化的年代，为这些早已做到极致而被大部分现代人忽视的中国艺术叹惋。
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