具体描述
《浮世绘艺术与明清版画的渊源研究》内容简介：日本美术在近代以前可以说是大半源自中国，然而日本美术史上引以为豪号称“世界艺苑一绝”的浮世绘艺术，被认为是日本江户时代独创的绘画艺术，是日本对世界美术的莫大的贡献。著者对此提出质疑，就两者之间（浮世绘艺术与明清版画）的关系进行研究与剖析,揭开其浮世绘版画艺术形成的神秘面纱。 作者充分利用日本贵重的第一手文献资料以及近年来世界各地所收藏的我国古版画的实物，跨学科多角度全方位地剖析浮世绘艺术与明清版画的渊源关系。解开一个多世纪以来关于我国明清版画与日本浮世绘版画渊源之间所存在的谜团，唤醒中日学术界重新认识、重新评价在日本江户时代浮世绘版画的形成与发展过程中我国明清版画艺术所给予的巨大影响。让世人重新理解中国古代木刻版画对人类文化的进步与艺术的发展所作出的重大的贡献。
作者简介
高云龙，1963年生于浙江玉环，文学（艺术学）博士。现为云南师范大学艺术学院副教授，硕士生导师，书法艺术研究所所长。海外留学归国人员。先后在日本武藏野美术大学和早稻田大学学习艺术学课程。致力于中外艺术史、艺术学理论、民族民间艺术及造型工艺的研究、教学与创作。近五年来，主持省部级项目四项，在《艺术百家》、《装饰》、《艺术评论》、《民族艺术》、《“国立”台湾艺术大学书画艺术学刊》、《美术与设计》等期刊发表学术论文20余篇，另有11件创作作品收藏于日本远山纪念馆。
目录信息
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读后感
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用户评价
全书的引证资料之广博，令人叹服，但令人称奇的是，作者巧妙地将那些晦涩的、来自不同语种的文献融入叙事之中，使其读起来丝毫没有学者堆砌资料的生硬感。我特别注意到其中穿插的一些关于海外贸易和文化交流的史料片段，它们暗示着，浮世绘和明清版画虽然各自发展出地域特色，但其背后的商业驱动力——例如对“异域情调”的需求，以及印刷品作为大众传播媒介的兴起——有着惊人的一致性。这种对经济基础的关注，为艺术创作披上了一层更具现实色彩的外衣。它不像以往的艺术史研究那样，将艺术高悬于社会之上，而是将其牢牢地根植于那个时代市民阶层的消费能力和文化品味之中。这种“接地气”的叙事，让原本感觉遥不可及的古代艺术忽然变得亲切起来，仿佛能触摸到那个时代人们购买一幅版画时的期待与满足。
评分这本书的文字功力着实令人称道，它避开了那种僵硬的、教科书式的陈述，而是以一种近乎散文的笔触，描绘了古代印刷技术演进背后的工匠精神。我印象最深的是关于“墨色层次”的段落，作者没有用枯燥的化学分析来解释，而是用了大量生动的比喻，来形容雕版师傅如何在不同的压力和药水中调和出那种仿佛水墨晕开的层次感。书中对传统木刻刀法的细致描述，简直让人仿佛能听见刀刃划过木料时的“簌簌”声，那不仅仅是技术，更是一种近乎于禅定的仪式。虽然没有直接讨论浮世绘的“肉笔画”风格如何影响了某位明代画师，但它花了大量篇幅去解析雕刻者如何理解线条的“弹性”与“韧性”，这种对“媒介本身”的深度挖掘，反过来也解释了为何无论是东瀛的春画还是江南的年画，其视觉冲击力都能如此强烈——因为载体本身就承载了创作者的全部心血。阅读时，我感觉自己更像是在一个老旧的印刷作坊里，而不是在冰冷的图书馆里翻阅学术专著，这种沉浸感是极其罕见的。
评分令人略感意外的是，作者对“装饰性”和“叙事性”在两种版画体系中的平衡处理，进行了相当深入的辨析。我原本以为会看到大量关于人物服饰、建筑细节的图例对比，但该书的重点似乎更偏向于“空间处理”的差异。例如，浮世绘中那种扁平化、舞台布景式的空间感，与明清小说插图中追求的、略带透视感的“入画”体验，被放在了同一个维度下进行考察。这种考察并非为了断定优劣，而是为了揭示它们背后的社会功能差异：前者服务于瞬间的感官愉悦与身份识别，后者则需要支撑起一段冗长的小说情节。书中通过对“留白”的运用方式进行比较，揭示了文化对“空”的理解是何等不同，这使得原本看似相似的版画艺术，在精神内核上展现出巨大的张力。这种细腻入微的结构分析，使得整本书的格局拔高了，它不再是简单的艺术史梳理，更像是一部关于“视觉信息处理”的比较研究，让我对平面图像的解读能力也得到了锻炼。
评分这本书给我最大的启发在于它对“色彩心理学”的间接探讨。虽然它没有直接使用现代心理学的术语，但对植物染料和矿物颜料在不同光线下所呈现出的“情绪价值”的描述，非常具有感染力。浮世绘中那种强烈的、近乎刺目的对立色使用，与明清时期如故宫藏品中那种内敛的、偏重于赭石与青绿的沉稳色调，形成了一种有趣的对照。这种对照不仅仅是视觉上的，更像是两种社会心态的映射：一种是对快速变化的都市生活的迷恋和张扬，另一种是对家族传承与文人士大夫式隐逸生活的向往。作者通过对版画印刷中“套色”技术的描述，实际上在探讨如何用有限的色彩工具，去表达无限复杂的人类情感与社会景观。这使得阅读过程充满了对“视觉符号学”的探索欲，每一次翻页，都像是在解开一个关于颜色与情绪的古代密码。
评分这部著作的视角实在令人耳目一新，它似乎并未直接探究我们熟知的浮世绘和明清版画的直接血脉联系，反倒将焦点投向了两种艺术形式在更深层次上的文化土壤和审美范式的共振。我最初期待的是图版对比和技法解析，但作者的笔触却带着一种哲学思辨的意味，探讨了江户时代市民阶层对“物哀”和“幽玄”的细腻捕捉，与彼时江南文人画对“雅”与“逸”的追求之间，是否存在着一种跨越地理界限的“时代精神”的投射。特别是书中对“瞬间性”捕捉的论述，浮世绘如何定格了花魁的一颦一笑、歌舞伎的高潮瞬间，以及明清风俗画中对市井百态的白描，这种对“在场感”的强调，构建了一个非常有趣的对话空间，让人开始思考，艺术的“风俗化”与“通俗化”背后，是否隐藏着社会结构变迁共同驱动的审美需求。如果说以往的研究侧重于谁影响了谁，那么这本书则像是在绘制一张复杂的文化气候图，描绘出亚洲东部在特定历史时期，人们感知世界和表达情感的共通方式。它提供了一种宏观的、非线性的阅读路径，让读者跳出传统的艺术史叙事框架，去感受那种微妙的、流动的时代气息。
评分海村未藏，已推荐购买。在读秀浏览绪论，估计挺扎实。唯英文文献可能征引不足，综述仅提到高罗佩已有汉译本之著作。未读全书，不敢定论。部分用词略奇怪，比如说某套版画是“贵重”的资料，或我国版画需要得到“公正”的待遇，等等，无伤大雅。然而，在研究中建立一个“我国”与“别国”的叙事框架，令我稍有如鲠在喉之感。
评分海村未藏，已推荐购买。在读秀浏览绪论，估计挺扎实。唯英文文献可能征引不足，综述仅提到高罗佩已有汉译本之著作。未读全书，不敢定论。部分用词略奇怪，比如说某套版画是“贵重”的资料，或我国版画需要得到“公正”的待遇，等等，无伤大雅。然而，在研究中建立一个“我国”与“别国”的叙事框架，令我稍有如鲠在喉之感。
评分讲得比较系统。。。
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