葛飾北斎「冨嶽三十六景」 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:青幻舎

作者:葛飾北斎

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2011-5

价格:1,260

装帧:A6判

isbn号码:9784861523038

丛书系列:

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浮世绘大师的时代变迁：歌川派的兴衰与江户的风景 本书将带领读者深入探索江户时代中后期浮世绘艺术的蓬勃发展与复杂图景，聚焦于歌川派这一影响力最为深远的画派，而非葛饰北斋或其代表作《富岳三十六景》。我们将避开对富士山特定系列的研究，转而审视这一时期其他重要主题、艺术家的风格演变，以及浮世绘如何作为一种大众传媒形式，映照出江户社会的风俗人情与审美变迁。 一、 歌川派的宏大叙事：从历史传说到市民生活 歌川派，以创始人歌川丰春为滥觞，经历丰国、丰宣、丰满乃至晚期的国贞、国芳等数代大师的传承与创新，构成了江户浮世绘最核心的力量。本书将着重分析歌川派内部的代际差异及其对不同题材的偏好。 1. 役者绘的黄金时代：舞台前后的众生相 在北斋专注于风景画创作的同时，歌川派的丰国一门则将目光牢牢锁定在剧场艺术上。役者绘（演员肖像画）是歌川派最成熟、市场最广的领域。本书将详细梳理从初代丰国开始，如何将静态的肖像提升到捕捉演员“见得”（特定姿态与表情）的瞬间艺术。我们将分析这些画作如何不仅是演员的宣传品，更是研究江户时代时尚、妆容与表演风格的珍贵史料。 风格的演变： 初代丰国早期作品的典雅与后期丰国（歌川丰国二世）作品的华丽对比，展示了江户市民审美从相对内敛到追求夸张与视觉冲击的转变。 幕后与台前： 探讨役者绘如何反映了当时歌舞伎的社会地位——从底层娱乐向上层艺术演进的过程，以及不同流派演员之间的竞争如何通过画作得以体现。 2. 武者绘的浪漫主义：英雄的诞生与道德教化 歌川国芳，作为歌川派中极具个性的重要人物，其武者绘（武士战斗画）风格独特，充满了动感和超乎寻常的想象力。本书将详细考察国芳如何突破传统武者绘的写实框架，引入民间故事、神怪传说甚至西方透视法，创造出极具戏剧张力的画面。 水浒传与忠臣藏： 深入分析国芳对中国古典名著《水浒传》人物的本土化演绎，以及对“忠臣藏”题材的再创作。这些作品不仅是视觉奇观，更是对江户社会所推崇的“义”与“勇”的集体意识的强化。 异化与想象力： 专门开辟章节探讨国芳作品中对妖魔鬼怪、超自然现象的描绘，这与同时期北斋相对写实的自然观察形成了鲜明的对比，体现了浮世绘艺术内部的风格张力。 二、 细绘町人风俗：美人画的细腻与世相的流变 美人画作为浮世绘的三大支柱之一，在歌川派内部同样占据重要地位。与喜多川歌麿所代表的早期美人画的“幽雅之美”不同，歌川派后期（特别是国贞和国周）的美人画，更贴近彼时江户町人的审美趣味。 1. 时尚手册与闺房情趣 本书将聚焦于歌川国贞（三代丰国）对美人画的商业化处理。他的作品大量描绘了当代的时尚装束、发型、扇子、烟具等日常用品，充当了当时的“时尚杂志”。 服饰的细节研究： 通过分析国贞和国周的作品，可以清晰地追踪江户时代后期和幕末时期和服图案、色彩搭配的流行趋势。 “艶絵”的界限： 探讨美人画如何微妙地游走在风雅与情色之间，以及这些作品在私人收藏和公开展示中的不同定位。 2. 组合画与“合式”的兴起 歌川派擅长创作“组合画”（由多块版画拼接而成的巨幅画面）和“合式”（将不同主题或人物组合在一块画面上），这种创作手法极大地提升了画面的信息密度和视觉冲击力，迎合了市民对“物尽其用”的消费心理。我们将分析这种构图方式如何区别于北斋和广重的构图策略。 三、 政治暗喻与社会边缘：浮世绘的批判力量 江户末期，社会矛盾日益尖锐，幕府的统治摇摇欲坠。浮世绘作为最早的大众传播媒介，不可避免地承载了时代的忧虑与反抗情绪。 1. 魁夷与风刺画的运用 本书将深入探讨歌川派中极具政治敏感性的领域——魁夷（诙谐画或讽刺画）。在官方对言论的严格管制下，艺术家们巧妙地利用谐音、典故、甚至将政治人物“伪装”成歌舞伎角色或历史人物进行批判。 幕末的政治气候： 分析特定的政治事件（如黑船来航、幕府更迭的传闻）是如何被隐晦地反映在歌川派的版画中。 2. 异域文化的影响与“黑船”的冲击 虽然北斋和广重对西方透视法有借鉴，但歌川派在描绘外国事物时，展现出更直接的好奇与模仿。我们将研究歌川派如何描绘荷兰或中国传来的新奇物品，以及对“黑船”事件初期民间反应的视觉记录，这些记录充满了未经美化的不安与惊奇。 四、 歌川派的技术革新与制作流程 本书的最后部分将从技术层面探讨歌川派对浮世绘制作的贡献。歌川派大师们对雕刻师和印刷师的掌控力极强，推动了多色印刷技术（锦绘）的成熟与普及。 色彩的运用： 探讨歌川派如何大量使用化学颜料（如普鲁士蓝）来营造更丰富、更持久的色彩效果，这与早期植物颜料的使用形成了鲜明对比。 画师、雕师、绘本师的协作模式： 剖析歌川派成熟的商业运作模式，这种模式保证了作品的高产量和高质量，使其在市场中占据绝对主导地位，最终塑造了江户市民的集体视觉记忆。 本书旨在提供一个聚焦于歌川派及其时代影响力的全面视角，通过对役者绘、武者绘、美人画等核心题材的深入剖析，展示浮世绘艺术在江户市民生活中所扮演的复杂角色，从而勾勒出与葛饰北斋的风景主题并行不悖，却同样辉煌的艺术史篇章。

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从装帧设计和印刷质量来看，这本书的呈现方式也极为考究，这无疑提升了整体的鉴赏体验。纸张的选择很关键，它既要能承载住深厚的墨色，又不能过于光滑以至于显得油腻。这里选用的材质，保留了一种适度的粗粝感和吸附性，使得版画原有的肌理感得以最大程度地保留下来，触感上非常温暖、自然。而且，装订方式也十分得体，每一页都可以平整地摊开，方便细致入微地研究构图和细节，完全没有现代书籍那种为了节省成本而牺牲阅读体验的做法。可以说，出版方对原作的尊重，体现在了每一个物理环节，让收藏和品鉴的过程本身，也成了一种仪式般的享受。

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坦白说，我一开始对这种单一主题的反复描绘有些审美疲劳的担忧，但事实证明我的顾虑是多余的。每一次回看，总能发现一些之前忽略的、极为微妙的构图变化。作者显然不是在机械地重复劳动，而是在不断地挑战自我，探索同一母题下所有可能性。这种探索精神，正是艺术进步的源泉。特别是那些处理水流和浪花的篇章，简直是动态美学的教科书。那种卷曲、飞溅、回旋的力量感，不是靠写实就能达到的，而是通过高度提炼和夸张的符号化处理实现的，带着一种近乎表现主义的张力。我甚至觉得，在某些瞬间，那些浪花仿佛真的能拍打到我的脸上，那种扑面而来的冲击力，让人不得不为之屏息。

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翻阅此书，给我的最直观感受是色彩的运用达到了出神入化的地步。虽然我们都知道日本传统版画的颜料有着其特定的局限性，但作者却能从这些有限的色域中，调配出千变万化的光影效果和季节更迭的氛围。比如描绘清晨薄雾时，那种近乎透明的灰蓝调，与正午烈日下那种饱和度极高的靛青形成了鲜明的对比，仅仅通过墨线的粗细和套印的精准度，就营造出了温度和湿度的差异。这完全超出了我对传统木版画的想象，感觉像是立体声的视觉体验。而且，即便是反复出现的题材，其情绪表达也绝不雷同。有的平静如镜，有的波涛汹涌，这种情绪的张力，使得即便是对版画艺术不甚了解的新手，也能被其强大的表现力所吸引，感到震撼。

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我花了好大力气才理解了其中蕴含的叙事性。这些画面，它们并非孤立的风景明信片，而是一路旅程的记录，是特定历史时期社会风貌的侧影。从繁忙的港口到幽静的山间小路，从热闹的集市到寂寥的渡口，每一个角落都藏着那个时代人们的生活片段和他们对世界的认知。那种对细节的执着令人赞叹，比如船只上的绳索纹理、屋顶瓦片的排列，乃至人物衣褶的褶皱，都处理得一丝不苟。这种严谨的态度，让我联想到工匠精神的极致体现，仿佛作者是将自己的生命力倾注在了每一次雕刻和拓印之中，试图用图像的方式，留下一个时代的精确“快照”。这比纯粹的文学描述更直接，也更具穿透力。

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这部画册，说实话，初次捧读时，我内心是带着一种对古典艺术的敬畏与探寻的。它不仅仅是纸张上的墨迹与色彩的堆砌，更像是一扇通往江户时代日本精神世界的窗口。那种对自然力量的敬畏感，以及其中蕴含的禅意，是现代印刷品难以完全复刻的。我尤其欣赏那些构图上的精妙处理，你看那如何用留白来衬托主体，如何通过前景、中景、远景的层次变化来引导观者的视线，仿佛每幅画的布局都经过了严谨的数学计算，却又流淌着浑然天成的诗意。尤其是那些描绘日常劳作的场景，渔夫、挑夫、旅人，他们融入在壮阔的山景之中，比例恰到好处，既不喧宾夺主，又赋予了这宏大的自然以人文的温度。这种对“大”与“小”之间辩证关系的把握，让我沉思了很久，体会到人与环境和谐共存的古老智慧。

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世博的时候，在城市展览馆看过原画，排了好长的队呢。

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印刷颜色感觉过深？

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2015.4

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2019-12-24@山形県立美術館