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出版者:Fayard

作者:André Boucourechliev

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1982-09-02

价格:EUR 27.50

装帧:Relié

isbn号码:9782213011424

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《伊戈尔·斯特拉文斯基：一位音乐巨匠的肖像》 这是一本深度探索伊戈尔·斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）非凡音乐生涯的著作，旨在呈现这位二十世纪最重要、最具影响力的作曲家之一的丰富遗产。本书并非仅仅罗列其作品目录或传记式的时间线，而是试图挖掘斯特拉文斯基音乐创作背后的深层驱动力、思想演变以及他对世界音乐语汇带来的革命性变革。通过对斯特拉文斯基各个创作阶段的深入剖析，以及对其作品与时代背景、个人经历之间错综复杂关系的审视，本书将为读者呈现一个立体、饱满且富有洞察力的作曲家形象。 引言：二十世纪的音乐巨擘 二十世纪的音乐图景，因伊戈尔·斯特拉文斯基的出现而彻底改写。他以其惊人的创造力、不断革新的精神以及横跨不同风格的音乐语言，成为定义一个时代的音乐代名词。从充满原始野性的《春之祭》到古典主义风格的《普罗米修斯》，再到十二音技法的运用，斯特拉文斯基的音乐之旅如同一次又一次的爆炸，冲击并重塑了人们对音乐的认知。本书将以宏观的视角，勾勒出斯特拉文斯基在音乐史上的核心地位，并引导读者踏上一段深入其音乐思想与创作实践的旅程。 第一部分：巴黎的野性召唤——俄罗斯时期与早期的创新 斯特拉文斯基的音乐生涯始于他对俄罗斯民族音乐的热情拥抱，以及与传奇艺术赞助人谢尔盖·佳吉列夫（Sergei Diaghilev）的合作。在巴黎，他创作了三部芭蕾音乐——《火鸟》、《彼得鲁什卡》和《春之祭》——奠定了其在音乐史上的不朽地位。 《火鸟》（The Firebird, 1910）： 这部作品展现了斯特拉文斯基早期的浪漫主义倾向，同时融入了俄罗斯民间音乐的色彩和管弦乐法的创新。书中将分析其旋律、和声与配器的独特性，以及如何通过音乐来描绘童话般的意境，同时也会探讨其如何预示着未来更具突破性的音乐探索。 《彼得鲁什卡》（Petrushka, 1911）： 斯特拉文斯基在此作品中，进一步深化了对民间音乐素材的运用，并大胆地实验多调性（polytonality）的和声，创造出一种生动、戏剧化的音乐织体。本书将聚焦于《彼得鲁什卡》中对不同角色的音乐刻画，以及其音乐结构如何反映出市集的热闹与人物的悲剧命运。 《春之祭》（The Rite of Spring, 1913）： 这部作品的诞生，无疑是音乐史上最具争议和最富革命性的事件之一。其粗犷、原始的节奏，不和谐的和声，以及对传统旋律与形式的颠覆，在首演时引发了巨大的骚动。《春之祭》的问世，标志着西方音乐进入了一个全新的时代。本书将深入分析其打破常规的节拍、对打击乐的偏爱、以及如何用音乐描绘异教仪式般的场景，并探讨其对后世音乐产生的影响。 这一时期，斯特拉文斯基在音乐语言上的大胆尝试，特别是对节奏的极致运用和对不协和音的驾驭，为他赢得了“音乐的野兽派”之称。本书将梳理其在这一时期的主要作品，分析其音乐语言的特点，并探讨这些作品如何打破音乐的传统束缚。 第二部分：流亡的足迹与风格的蜕变——新古典主义时期 第一次世界大战的爆发，迫使斯特拉文斯基离开俄国，开始了漫长的流亡生涯。在瑞士、法国，以及后来的美国，他的音乐风格也经历了显著的转变。新古典主义（Neoclassicism）成为他这一时期的主要音乐语汇。 从《士兵的故事》（L'histoire du soldat, 1918）看新古典主义的萌芽： 这部为小乐团、朗诵和舞者而作的作品，以其简朴的配器和对民间曲调的运用，预示了其向新古典主义的转向。本书将分析其音乐形式的精炼，以及如何通过有限的乐器创造出丰富的表现力。 《俄狄浦斯王》（Oedipus Rex, 1927）： 这部歌剧-清唱剧被认为是斯特拉文斯基新古典主义风格的代表作。他借鉴了古代希腊悲剧的结构，并运用严谨的对位手法和清晰的旋律线条，创造出一种庄严、宏伟的音乐。本书将深入探讨其对古希腊戏剧音乐的致敬，以及其音乐如何营造出一种悲剧的宿命感。 《普罗米修斯》（Prometheus, 1947）： 虽然创作于新古典主义后期，但这部芭蕾音乐依然展现了斯特拉文斯基对古典形式的运用，并加入了更为现代的和声与节奏元素。本书将分析其如何将古典主义的理性与现代的活力相结合。 在这一时期，斯特拉文斯基从对原始野性的探索，转向对音乐形式的秩序、清晰和平衡的追求。他从巴赫、莫扎特等古典作曲家的作品中汲取灵感，但并未简单地模仿，而是将古典主义的原则与自己的音乐思想相结合，创造出一种独特的、具有现代感的古典主义。本书将详细解析新古典主义时期的代表作品，探讨其音乐的逻辑性、结构性以及对传统音乐元素的创造性转化。 第三部分：十二音技法与晚年的探索 步入晚年，斯特拉文斯基再次展现了他惊人的艺术生命力，并对十二音技法（twelve-tone technique）产生了兴趣。尽管他并非十二音技法的创始人，但他的运用方式独树一帜，为这一技法注入了新的生命力。 《圣诗》（Symphony of Psalms, 1930）： 这部合唱作品被认为是斯特拉文斯基新古典主义和宗教音乐创作的一个高峰。其严谨的复调织体和深邃的宗教情感，展现了作曲家在音乐精神层面的探索。 《感恩赞》（Threni, 1958）： 这是斯特拉文斯基首次完全运用十二音技法的作品。本书将分析其如何将十二音技法的抽象性与他一贯的音乐表现力相结合，以及这种新的创作手法对其音乐语汇带来的影响。 《纪念艾略特》（Requiem Canticles, 1966）： 这是斯特拉文斯基晚年创作的最后一部重要作品，充满了对生命与死亡的哲学思考。本书将审视其音乐中的内省与宁静，以及如何用极简的音乐语言表达深刻的情感。 晚年的斯特拉文斯基，在音乐的探索上从未止步。他拥抱新的技法，并将其融入自己独特的音乐世界。本书将探讨他如何从早期的新古典主义转向更为严谨的序列音乐，并分析其晚期作品中展现出的精神深度与艺术成熟度。 第四部分：音乐之外的斯特拉文斯基 除了音乐创作，斯特拉文斯基在其他领域也留下了深刻的印记。他对音乐理论、指挥以及他对音乐与戏剧、舞蹈等其他艺术形式关系的思考，同样值得深入研究。 《音乐诗学》（Poetics of Music）： 这是斯特拉文斯基于1939-1940年在哈佛大学的讲座集，其中他阐述了自己的音乐哲学和创作理念。本书将摘录并解读其核心观点，例如他对“秩序”与“自由”的看法，以及他对音乐作为一种“构成”艺术的理解。 指挥家斯特拉文斯基： 斯特拉文斯基也曾活跃于指挥台，他录制了大量自己的作品，为后世留下了宝贵的诠释。本书将评价其指挥风格，以及他对演绎自己作品的独特见解。 音乐与其他艺术的对话： 斯特拉文斯基与许多重要的艺术家合作过，包括画家、作家、舞蹈家等。本书将探讨他如何通过音乐与这些艺术家进行跨界对话，以及他对音乐在戏剧、歌剧、芭蕾等领域扮演角色的理解。 结论：永恒的回响 伊戈尔·斯特拉文斯基并非一位停滞不前的作曲家，而是一位不断挑战自我、探索未知音乐疆域的艺术家。他的音乐，既有原始的生命力，又有理性的结构；既有对传统的反思，又有对未来的预见。本书旨在通过对其音乐创作、思想演变以及人生经历的全面梳理，呈现这位音乐巨匠丰富而复杂的艺术形象。他的音乐，至今仍在世界各地奏响，持续地激发着人们的思考与情感，证明着他作为二十世纪音乐史上无可争议的领军人物的地位。本书希望能够为读者提供一个深入理解斯特拉文斯基音乐及其在世界音乐史上的重要意义的视角。

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这本书的装帧设计简直是视觉上的享受，那种厚重的纸张质感，配上封面那张略显沧桑的肖像照，立刻就抓住了我的眼球。初次翻开，扑面而来的是一种强烈的历史厚度感，仿佛能透过油墨闻到二十世纪初欧洲艺术圈特有的那种紧张而又充满创造力的气息。作者在叙事上采用了非常古典的、近乎百科全书式的详尽铺陈，每一个章节的标题都像是一个精心打磨的乐章名称，预示着即将展开的宏大叙事。我特别欣赏他对早期巴黎乐评界的细致描摹，那种文字的密度极高，需要我反复咀嚼才能完全消化其中蕴含的文化背景和人际关系的微妙张力。比如他对某个特定首演之夜的描述，不仅仅是记录了演出的过程，更深入挖掘了观众席上不同派系音乐家的微妙反应，那种如临其境的现场感，简直让人手心冒汗。这本书的排版也十分考究，字体选择既保持了阅读的舒适度，又散发出一种庄重的学术气息，让人在阅读时油然而生一种对所讨论主题的敬畏感。整体来看，它不仅仅是一本传记，更像是一部详实的文化史诗，每一个细节都浸润着那个时代艺术家的心血与挣扎，非常适合那些追求深度和广度的历史爱好者。

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这本书的后记和附录部分同样精彩，它们提供了一种独特的“回望”视角。作者在收尾时，并没有急于对一生做出盖棺定论，而是将焦点转移到了“遗产”与“误读”之上。他深入探讨了后世评论家如何有意无意地“重塑”了这位艺术家的形象，以及在不同国家和政治环境下，其作品被赋予的截然不同的社会意义。这种对“接受史”的探讨，让整部作品的格局瞬间拔高，从个体传记升华到了文化符号的生命周期研究。我个人非常欣赏这种自我批判式的反思，它让整本书的论述摆脱了“粉丝向”的局限，具有了更广阔的学术视野。此外，书中附带的那个关于时间线和关键事件对照表做得极其精细，对于梳理复杂的人脉网络和创作时间点非常有帮助。这本书读起来需要投入大量的时间和精力，但它给予读者的回报，绝不仅仅是知识的积累，更是一种思维方式的重塑，是对艺术本质更深层次的体悟。

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读完第一部分，我最大的感受是作者在挖掘人物内心世界的深度上达到了令人咋舌的程度。这本书的叙事视角非常灵活，时而跳出既定的时间线，穿插着大量的私人信件和日记摘录，这些一手资料的运用，使得人物形象一下子立体了起来，不再是教科书上那个刻板的“现代主义巨匠”。我尤其对其中关于早期创作瓶颈的心理侧写印象深刻。作者没有简单地将困难归咎于外界的压力，而是细致地剖析了艺术理念与现实执行之间的巨大鸿沟，那种内心的自我怀疑和对既有传统的颠覆所带来的巨大精神内耗，被描绘得淋漓尽致。文字的节奏感把握得极佳，当描述到灵感迸发时的狂喜时，句子会变得短促而富有冲击力；而在描绘长时间的沉寂与反思时，语言又变得悠长而富有哲思。这种叙事上的张弛有度，使得阅读过程本身就成了一种情绪的过山车，让人欲罢不能。这本书真正做到了“知人论世”，它不是在赞美一个神话，而是在还原一个有血有肉、充满矛盾的伟大灵魂。

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这本书的文献价值是无可置疑的，它就像是一张巨大的知识网络，将十九世纪末到二十世纪中叶的欧洲艺术版图做了全景式的扫描。最让我称奇的是作者对于不同艺术门类之间相互渗透的考察。例如，他对建筑美学如何潜移默化地影响了某个时期管弦乐配器的选择，以及舞蹈对节奏结构的颠覆性作用，都有独到且富有洞察力的论述。这些跨学科的联系，极大地拓宽了我的认知边界。每一次阅读，都像是经历了一次高强度的知识输入，我不得不时常停下来，查阅那些被提及的次要人物或小众流派的背景资料，这使得阅读过程变得慢而充实。作者在引用资料时极为审慎，几乎每一项重要的论断后面都有翔实的注释支撑，这给读者一种极强的信赖感——你知道你所读到的内容是经过了严苛的学术检验的。对我这种习惯于深挖根源的读者来说，这本书简直是座宝库，它提供的不仅仅是结论，更是通往结论的完整路径。

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坦白说，这本书的阅读体验是极具挑战性的，它要求读者具备一定的音乐理论基础，否则某些关于结构分析和对位法的论述，读起来会稍显晦涩。但这恰恰是它的魅力所在——它毫不妥协地维护了其主题的复杂性和专业性。作者在分析后期作品时，那种穿透迷雾、直抵核心的分析能力，让人拍案叫绝。他似乎有一种魔力，能将那些原本听起来极其不和谐、充满棱角的音响组织，还原成清晰的、符合逻辑的内在必然性。我特别喜欢作者在解释“革命性”变革时所采用的辩证手法，他总能在看似决绝的断裂中，找到前人思想的微弱回响，从而证明了艺术史的连续性。文字风格上，它有着一种冷峻的、近乎科学的精确性，用词精准，避免了一切不必要的抒情或煽情，这使得论述的力量感倍增。读完后，我迫不及待地重新去聆听那些曾经让我感到困惑的录音，现在的一切都豁然开朗，仿佛被赋予了全新的耳朵。

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