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出版者:Editions du point d'exclamation

作者:Alexandre Tansman

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2009-06-26

价格:EUR 19.00

装帧:Broché

isbn号码:9782916347226

丛书系列:

图书标签:

• 爱乐@Stravinsky
• 古典音乐
• 现代音乐
• 作曲家
• 斯特拉文斯基
• 20世纪音乐
• 芭蕾舞剧
• 音乐史
• 音乐理论
• 俄罗斯音乐
• 音乐家传记

《伊戈尔·斯特拉文斯基：一位音乐巨匠的传奇人生与时代回响》 伊戈尔·斯特拉文斯基，一个名字本身就充满了力量与时代的印记。他不仅是20世纪最伟大的作曲家之一，更是一位横跨古典与现代、融合民族与国际、不断挑战音乐界限的先驱。他的音乐，时而狂野奔放，时而简约精炼，时而充满异域风情，时而回归巴洛克式的纯净。每一次的风格转变，都标志着他与时代对话的深入，以及他对音乐本质的深刻洞察。本书旨在带领读者走进斯特拉文斯基非凡的音乐世界，探寻他创作背后的灵感源泉、艺术演变以及他对整个20世纪音乐格局产生的深远影响。 第一章：早年岁月与俄罗斯情结——《火鸟》的浴火新生 1. 圣彼得堡的文化土壤： 斯特拉文斯基出生于1882年的俄罗斯帝国，一个充满艺术气息的时代。他的父亲费奥多尔·斯特拉文斯基是著名的歌剧演员，这为年幼的伊戈尔提供了接触音乐和戏剧的最初机会。尽管他的父母最初希望他学习法律，但音乐的召唤却无法阻挡。本书将细致描绘这个时期的圣彼得堡，剖析其深厚的文化底蕴如何塑造了斯特拉文斯基早期对俄罗斯民间音乐和古典传统的理解。 2. 里姆斯基-科萨科夫的指引： 遇见伟大的作曲家尼古拉·里姆斯基-科萨科夫，是斯特拉文斯基音乐道路上的一个关键转折点。在他的指导下，斯特拉文斯基系统地学习了作曲理论和配器技巧。本书将深入探讨里姆斯基-科萨科夫对斯特拉文斯基早期的影响，包括对色彩斑斓的管弦乐法、以及对俄罗斯神话故事的兴趣。 3. 《火鸟》的诞生与轰动： 1910年，《火鸟》在巴黎的首次演出，如同一道耀眼的光芒，瞬间点燃了整个音乐界。这部芭蕾舞剧改编自俄罗斯民间传说，以其令人惊叹的管弦乐色彩、富有感染力的旋律和充满活力的节奏，赢得了评论界和观众的一致赞誉。本书将详细分析《火鸟》的音乐结构、主题发展以及它所蕴含的俄罗斯民族元素，解释为何这部作品能够成为斯特拉文斯基走向国际舞台的敲门砖，并奠定了他作为一位杰出管弦乐大师的声誉。我们将审视其对传统芭蕾音乐的革新，以及它如何预示着一个新时代的到来。 第二章：野性的呼唤——《春之祭》的革命与争议 1. 《春之祭》的时代背景： 在《火鸟》的成功之后，斯特拉文斯基并没有满足于现状，而是继续在艺术上寻求突破。他与编舞家瓦斯拉夫·尼金斯基和舞台设计师尼古拉·罗里克再度合作，共同构思了《春之祭》。本书将探讨1910年代初期欧洲艺术界的氛围，例如野兽派绘画、立体主义的兴起，以及对原始、非理性力量的探索，这些都为《春之祭》的诞生提供了文化土壤。 2. 前所未有的音乐语言： 《春之祭》以其刺耳的和声、不规则的节奏、强烈的打击乐运用以及对传统旋律和调性的颠覆，在1913年首次公演时引发了巨大的骚动，甚至出现了观众之间的肢体冲突。本书将深入剖析《春之祭》的音乐构成，例如它如何使用多调性、不协和音程、以及具有强迫性的节奏模式来营造出一种原始、崇拜、甚至野蛮的气氛。我们将分析其对“俄罗斯异教”的想象，以及它如何通过音乐来表达一种被压抑的生命力和自然的原始冲动。 3. 争议与遗产： 尽管首演充满争议，《春之祭》很快被认为是20世纪音乐史上最重要的作品之一。本书将回顾《春之祭》在首演后的几十年里所经历的评价转变，以及它如何逐渐被视为一部革命性的杰作。我们将探讨它对后世作曲家，特别是对节奏、和声以及音乐结构的处理方式所产生的深远影响，以及它在芭蕾舞和现代音乐领域中的地位。 第三章：战火中的创作与风格的转变——从“俄罗斯时期”到“新古典主义” 1. 第一次世界大战的影响： 第一次世界大战的爆发，迫使斯特拉文斯基离开了战乱的俄罗斯，移居瑞士。战争的残酷和欧洲社会动荡，深刻影响了他的创作。本书将分析战争对斯特拉文斯基生活和创作心态的影响，以及它如何促使他开始反思之前过于丰富、狂野的音乐风格。 2. “俄罗斯时期”的终结与“新古典主义”的萌芽： 在《春之祭》之后，斯特拉文斯基的作品风格开始发生显著变化。他逐渐告别了早期那种色彩浓烈、节奏复杂的“俄罗斯时期”风格，转而走向一种更为简洁、清晰、结构感强的“新古典主义”。本书将详细梳理这一时期的代表作品，例如《士兵的故事》、《管乐器交响曲》等，分析其音乐特点，例如对巴洛克和古典时期音乐形式的借鉴，对清晰的对位、简洁的配器和均衡的结构的追求。 3. 新古典主义的核心理念： 新古典主义并非简单的复古，而是斯特拉文斯基在经历了战乱和风格探索后，对音乐本质的一种重新认识。本书将探讨新古典主义时期斯特拉文斯基所秉持的艺术理念，例如他对“秩序”、“清晰”、“客观性”的强调，以及他对音乐作为一种纯粹形式的追求。我们将分析他如何在保持音乐现代性的同时，从历史中汲取灵感，创造出一种既有古典韵味又不失时代感的音乐。 第四章：流亡与美国的岁月——多样化的音乐探索 1. 移居法国与美国： 两次世界大战期间，斯特拉文斯基辗转于法国和美国之间，最终于1939年定居美国。这些地点的变迁，也为他的音乐带来了新的元素和灵感。本书将描绘他在法国和美国的生活经历，以及这些经历如何影响了他的音乐创作。 2. 风格的进一步演变： 在美国时期，斯特拉文斯基的音乐风格继续展现出惊人的多样性。他继续探索新古典主义，同时也在尝试更加严谨的十二音技法，甚至与爵士乐等流行音乐形式进行对话。本书将详细分析这一时期的重要作品，例如《D大调交响曲》、《小提琴协奏曲》、《圣乐弥撒》等，剖析其音乐的特点，例如旋律的精炼、节奏的灵活、以及对不同音乐元素的融合。 3. 与爵士乐的交织： 斯特拉文斯基对爵士乐表现出浓厚的兴趣，并创作了《爵士组曲》。本书将探讨他与爵士乐的渊源，以及他如何将爵士乐的某些元素巧妙地融入到自己的古典音乐创作中，这种跨界的尝试在当时是极具前瞻性的。 第五章：晚期探索与十二音技法的挑战 1. 对十二音技法的接受： 斯特拉文斯基在创作生涯的晚期，开始接触并尝试运用勋伯格及其追随者发展出的十二音技法。这一转变，对于一直以独立风格著称的斯特拉文斯基而言，无疑是一个巨大的挑战。本书将深入分析他为何会在晚年接受十二音技法，以及他如何将其融入到自己的音乐语汇之中。 2. 晚期作品的特征： 晚期作品，如《哀歌》（Canticum Sacrum）、《圣咏协奏曲》、《移魂记》（Movements）等，展现出一种高度的结构性、严谨的对位以及独特的音响效果。本书将详细解析这些作品的音乐特征，例如对十二音序列的运用、复杂的节奏安排以及对音色的精细控制。我们将探讨他如何在这套严谨的体系中，依然保持着自己鲜明的音乐个性和创造力。 3. 大师的谢幕： 1971年，伊戈尔·斯特拉文斯基在生命的最后时刻，依旧保持着旺盛的创作力。本书将回顾他晚年艺术生涯的最后阶段，以及他对音乐的持续探索和创新精神。 第六章：斯特拉文斯基的音乐遗产与20世纪音乐的里程碑 1. 跨越风格的创新者： 斯特拉文斯基的一生，就是一部不断创新、不断突破的音乐史。他从俄罗斯民族音乐中汲取灵感，创造出具有划时代意义的芭蕾舞剧；他大胆革新音乐语言，挑战传统观念；他吸收融合不同文化元素，展现出音乐的无限可能性。本书将总结斯特拉文斯基音乐创作的几个关键特征，例如他对节奏的独特处理、对音色的敏锐感知、以及他对音乐形式的深刻理解。 2. 对后世的影响： 斯特拉文斯基的音乐对20世纪乃至21世纪的音乐创作产生了难以估量的影响。他的作品不仅被无数的指挥家和演奏家所演绎，更激励了一代又一代的作曲家去探索新的音乐疆域。本书将梳理斯特拉文斯基对不同音乐流派和作曲家所产生的具体影响，例如他对序列音乐、极简主义音乐的影响，以及他如何成为现代作曲家们学习的典范。 3. 音乐史上的地位： 伊戈尔·斯特拉文斯基无疑是20世纪音乐史上的一位巨人。他的音乐作品，如同璀璨的星辰，永远闪耀在音乐史的长河中。本书将从宏观的角度，审视斯特拉文斯基在20世纪音乐发展史上的地位，分析他如何引领了音乐的革命，以及他的音乐将如何继续激励和启发未来的世代。我们将探讨他的音乐如何跨越语言和文化的障碍，触动人类内心最深处的情感，并成为人类文明宝贵的艺术财富。 结语： 伊戈尔·斯特拉文斯基的故事，是一个关于天才、关于勇气、关于不断超越自我的故事。他的音乐，如同他的生命一样，充满了张力、变化与无限可能。通过本书的深入解读，我们希望能让读者更深刻地理解这位音乐巨匠的艺术成就，以及他的音乐所蕴含的永恒魅力。他不仅是一位作曲家，更是一位思想家、一位艺术家，他的音乐是对人类情感、理智与想象力的极致探索，也是对20世纪波澜壮阔历史的回响。

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与其他音乐家传记相比，这本书的独特之处在于其对“语言”本身的关注。作者显然对文学创作也有着深入的研究，他不止一次地将斯特拉文斯基的音乐语言比拟为某种特定的修辞手法或建筑风格。例如，他用“极简主义的优雅”来形容某个时期的管弦乐配器，这种跨领域的类比，极大地丰富了我的理解层次。他没有回避斯特拉文斯基与肖斯塔科维奇等同代作曲家的复杂关系，而是将其置于冷战背景下进行对比分析，这为理解二十世纪后半叶的音乐政治提供了一个绝佳的切入点。我特别喜欢作者在探讨斯特拉文斯基的“美国时期”时所流露出的那种略带批判的敬意——批判其在商业和文化适应上的妥协，但敬佩其在如此碎片化的环境中依然能维持高质量的创作产出。这本书成功地将一个音乐巨匠的个人历程，提升到了文化史和艺术哲学的高度，读起来让人不断地反思艺术家的社会责任与个体自由之间的永恒张力。

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说实话，这本书的阅读体验如同进行一场漫长而艰辛的攀登。它绝非那种可以轻松翻阅的消遣读物，更像是一份需要全神贯注、时常需要回溯查阅的学术地图集。作者在探讨斯特拉文斯基中期和晚期的创作转向时，那种对“新古典主义”的阐释，简直是教科书级别的。他花了大量的篇幅来解析作曲家如何从“野蛮的原始冲动”中抽离出来，转而投向对巴洛克和古典主义形式的回归与重塑。那些关于序列主义和十二音体系的讨论部分，如果不是对音乐理论有一定基础，初读起来确实会感到吃力，充满了诸如“音高材料的序列化处理”、“动机的碎片化重组”这类术语。但正是在这种看似晦涩的论述背后，我看到了作者试图传达的：斯特拉文斯基本人对“客观性”和“逻辑建构”的执着追求。他通过梳理作曲家在苏黎世和好莱坞的生活轨迹，将地缘政治的变化与音乐风格的内在驱动力紧密地联系起来，展示了一个艺术家如何在不断的迁徙和身份认同的危机中，保持其创作的内在一贯性，这种对“风格即命运”的深刻洞察，令人印象深刻。

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这本厚重的著作，初翻时便被其开篇那种近乎于学术宣言的笔调所震撼。作者似乎并不满足于仅仅叙述一个音乐家的生平，而是试图将伊戈尔·斯特拉文斯基置于一个宏大的历史与美学坐标系中进行审视。他对早期作品，尤其是《火鸟》和《彼得鲁什卡》的分析，达到了令人难以置信的细致程度。他并没有停留在对乐谱的表面描述，而是深入挖掘了当时的巴黎乐坛生态、谢尔盖·佳吉列夫的“俄罗斯芭蕾舞团”所带来的文化冲击，以及民族主义思潮对音乐创作的隐性影响。阅读过程中，我多次停下来，仅仅是为了琢磨作者如何精准地捕捉到“原始主义”在斯特拉文斯基创作中的那种粗粝的生命力，以及他如何巧妙地运用对位法和节奏的错位来构建出那种既熟悉又陌生的听觉体验。作者的语言时而如同一把锋利的手术刀，解剖着音符的结构；时而又如同激情澎湃的评论家，为我们描绘出一幅幅充满戏剧张力的音乐画面。尤其令人称道的是，他对于《春之祭》首演引发的骚动，不仅仅是作为花边新闻来提及，而是将其视为现代主义艺术对既定审美体系的一次暴力革命的标志，这种深度的挖掘，让这本书的价值远超一般的传记范畴。

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我最初期待的是一个充满八卦和戏剧性的音乐家故事，毕竟斯特拉文斯基的私生活和公众形象总是充满争议。然而，这本书带给我的更多是一种智力上的挑战和审美上的拓宽。作者处理他对《奥尔菲斯》和后来的宗教音乐作品的分析时，语调陡然变得肃穆而内省。这里的关注点不再是节奏的爆炸性或和声的颠覆性，而是转向了对精神性、对信仰的表达，以及他对西方文化遗产的继承与解构。特别是在分析他晚年的作品时，作者展示了一种罕见的平衡感，既没有将他神化为不食人间烟火的纯粹精神追求者，也没有将他贬低为仅仅是模仿前人的工匠。他非常细腻地指出，即使是最为严谨的序列作品中，依然潜藏着斯特拉文斯基标志性的那种冷峻的幽默感和对形式美的近乎苛刻的偏爱。阅读这些章节时，我仿佛能听到一种超越了具体音符的，关于时间、秩序与永恒的对话，这使得全书的收尾显得既平静又充满回味。

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这本书的结构安排非常精巧，它不是严格按照时间线索推进，而是采取了一种螺旋上升的方式，将某些关键的音乐概念和个人特质在不同阶段反复重申和深化。例如，关于“疏离感”的讨论，在分析《阿波罗》时是关于形式的纯净，而在分析后期的歌剧时，则变成了对人类情感的疏离。这种叙事上的匠心，使得读者在阅读过程中仿佛在与一位极其睿智的向导同行，他不断地引导你回到核心议题，但每次都从一个全新的角度进行审视。作者对斯特拉文斯基的个人魅力和其作为“文化符号”的复杂性，也进行了深入的剖析，尤其是他与毕加索等艺术家的交往片段，描绘出那个时代知识分子圈层的活力与碰撞。总的来说，这本书要求读者投入时间、耐心和思考，但它所回报给读者的，不仅是关于一位作曲家的知识，更是一套理解现代艺术如何诞生、如何演变、如何不断自我革新的复杂心法。读完之后，我感觉自己看待音乐的耳朵，似乎被彻底地重新校准了一番。

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