Stravinsky au piano pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Actes Sud

作者:Michel Butor

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1999-06-04

价格:EUR 8.84

装帧:Broché

isbn号码:9782742706440

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《斯特拉文斯基的钢琴世界：一部音乐史诗的键盘叙事》 《斯特拉文斯基的钢琴世界》并非一本简单的曲目集，它是一次对伊戈尔·斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）创作生涯中，钢琴作为核心表达媒介的深度探索。本书旨在为读者呈现斯特拉文斯基那些以键盘乐器为载体、为世界音乐版图留下深刻印记的杰作。它不仅是对于作曲家个人音乐语汇演变的梳理，更是对20世纪音乐史一次独特视角的审视。 斯特拉文斯基，这位二十世纪音乐巨匠，其作品以其大胆的革新、鲜明的节奏和令人耳目一新的和声而闻名。然而，在众多辉煌的管弦乐和歌剧作品之外，他对于钢琴这一乐器的驾驭与运用，同样展现出非凡的创造力与影响力。钢琴，在他手中，不再仅仅是伴奏或炫技的工具，而是独立思考、构建复杂音乐结构的强大媒介。本书将深入挖掘斯特拉文斯基钢琴作品的内在逻辑与外在表现，力求还原这位音乐魔法师在键盘上构建的丰富而多变的音乐宇宙。 全书结构上，我们将以斯特拉文斯基创作生涯的不同阶段为线索，结合其代表性的钢琴作品，层层剥开其音乐思想的演进。《斯特拉文斯基的钢琴世界》将从作曲家早期，即“俄罗斯时期”的创作开始，探讨其作品中涌动的原始生命力与民族色彩。在这个阶段，斯特拉文斯基的钢琴音乐往往与他的芭蕾舞剧紧密相连，例如《火鸟》和《彼得鲁什卡》的钢琴改编版本，虽然不是为钢琴独奏而作，但它们展现了斯特拉文斯基如何将庞大的乐队织体转化为键盘上的力量与色彩。我们将分析这些改编作品如何忠实地保留原作的精神，同时又在钢琴的局限性与可能性之间找到完美的平衡。本书将详细分析这些作品中独特的和声色彩、不寻常的节奏型，以及它们如何预示着作曲家未来更加激进的探索。 接着，本书将重点聚焦于斯特拉文斯基的“新古典主义时期”。这是他音乐创作中最具辨识度和影响力的时期之一。在这个阶段，斯特拉文斯基在继承古典主义结构与形式的同时，注入了他标志性的现代节奏和和声。他创作了一系列重要的钢琴作品，如《钢琴奏鸣曲》、《小品三首》以及为双钢琴创作的作品。这些作品充分体现了斯特拉文斯基对清晰的音响、简洁的线条和理性的结构的追求，同时又毫不妥协地展现了他对传统音乐语汇的颠覆。我们将深入剖析《钢琴奏鸣曲》中对巴洛克和古典时期奏鸣曲形式的借鉴与重塑，理解其如何在严谨的结构中注入现代的张力。对于《小品三首》，我们将探讨它们如何通过极简的材料构建出令人惊叹的音乐效果，以及其在节奏处理上的独特创新。此外，对于双钢琴作品，例如《马语者》（The Rite of Spring for two pianos），我们将分析斯特拉文斯基如何利用两个键盘的互动，再现原初作品的宏伟气势与原始能量，以及其在演奏技法上的挑战与要求。 进入“十二音时期”及之后，斯特拉文斯基的音乐语言发生了更为剧烈的变化。尽管他从未完全拥抱 Schoenberg 的十二音体系，但他在此阶段的作品中，也开始探索更为复杂的序列技术和更为抽象的音乐思维。本书将关注这一时期的钢琴作品，如《小奏鸣曲》以及一些零散的钢琴小品，分析它们在音高组织、节奏模式和整体结构上的新特征。我们将探讨这些作品如何体现了斯特拉文斯基在晚年对音乐材料的精炼与提炼，以及他在传统与革新之间不断求索的精神。 除了对具体作品的细致分析，《斯特拉文斯基的钢琴世界》还将从多个维度来审视作曲家与钢琴的关系。我们会探讨斯特拉文斯基的钢琴创作在音乐史上的地位，以及它们对后世作曲家的影响。例如，他对于节奏的运用，如何突破了传统的限制，成为20世纪音乐节奏创新的典范；他对和声的实验，如何在传统的框架内引入不协和音程与色彩，为现代和声学的发展提供了新的思路。 本书还将深入研究斯特拉文斯基的创作过程，通过对他创作手稿、信件以及其他文献的解读，力求展现作曲家在构思与创作钢琴作品时的思维方式与技法选择。我们会关注他在处理钢琴音响时所表现出的独到之处，例如他对音色的偏好、对键盘触键的精妙指示，以及他对钢琴这一乐器在表现力上的不断挖掘。 此外，《斯特拉文斯基的钢琴世界》也关注作品的演奏与诠释。我们并非仅仅陈述作品的结构与和声，更重要的是，将引导读者去感受这些作品在不同演奏家手中的生命力。书中将涉及对一些著名斯特拉文斯基钢琴作品录音的评价与比较，分析不同演奏家如何理解与呈现作曲家的音乐意图，以及他们各自的艺术贡献。这将帮助读者在聆听时，获得更深层次的理解与共鸣。 本书的读者对象包括音乐专业人士、音乐史研究者，以及所有对20世纪音乐，尤其是斯特拉文斯基的音乐抱有浓厚兴趣的听众和爱好者。我们希望通过详实的研究、清晰的论述和生动的语言，为读者呈现一个全面而深入的斯特拉文斯基钢琴世界。 《斯特拉文斯基的钢琴世界》不仅仅是一部音乐理论书籍，它更是一次邀请，邀请读者一同踏上一次充满发现与启迪的音乐之旅。在这个旅程中，我们将一同穿越20世纪音乐的激荡年代，聆听伊戈尔·斯特拉文斯基这位伟大的作曲家，如何用钢琴这一看似古老的乐器，奏响了那个时代最前卫、最震撼人心的音乐史诗。从他早期作品中奔腾不息的生命力，到新古典主义时期严谨而创新的结构，再到晚年对音乐材料的精炼与提纯，斯特拉文斯基的钢琴作品始终闪耀着他独特的光芒，挑战着听众的想象，也塑造着现代音乐的面貌。本书将致力于揭示这背后的深刻含义，让读者能够更全面地理解和欣赏这位音乐巨匠在键盘上所创造的辉煌成就。

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我必须承认，这本书在某些章节的处理上显得异常晦涩，这主要源于作者对于二十世纪早期欧洲知识分子圈层的背景知识有着极高的预设要求。当我读到涉及他与“六人团”成员在钢琴即兴演奏中的互动时，如果我对那个时期的巴黎乐坛没有一个基本的了解，很容易就会迷失在那些人名和抽象的理论辩论中。然而，正是这种“不妥协”的态度，使得这本书保持了其应有的学术纯度。它没有为了取悦大众而简化复杂的历史语境。在谈到斯特拉文斯基如何将巴赫的对位法思维运用到自己的钢琴复调织体构建中时，书中对“节奏的非对称性”的分析，简直是教科书级别的示范。作者用了大量的篇幅来解释，在斯特拉文斯基看来，钢琴不仅仅是旋律和和声的载体，更是一个精确的“时间分割器”。这种对乐器功能边界的重新定义，让我对钢琴这个古老的乐器产生了全新的敬畏感。它展现了斯特拉文斯基是如何“驯服”钢琴，让它为自己服务，而不是被其传统的浪漫主义惯性所奴役的过程。

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这本书的文字风格，对我来说，像是一场精神上的马拉松。它绝不迎合那些寻求轻松阅读体验的听众。作者的语言充满了学者的严谨性，但又时不时地迸发出知识分子特有的尖刻与洞察力。在讨论斯特拉文斯基对拉赫玛尼诺夫或德彪西的看法时，那种近乎残酷的批判性分析，读来令人拍案叫绝。他毫不留情地揭示了斯特拉文斯基在钢琴演奏中那种近乎功利主义的美学观——音乐不是为了感动人，而是为了构建一种完美的听觉机器。更让我感到震撼的是，书中对那些“未曾录制”的演奏片段的“重建性”描述。作者凭借对乐谱和时代背景的深刻理解，大胆地推测了斯特拉文斯基在某些特定作品（比如他自己改编的《彼得鲁什卡》片段）上的实际演奏面貌。这种结合了历史考据学和想象力的写作手法，虽然需要读者投入极大的专注力去跟随其逻辑链条，但一旦跟上，那种“原来如此”的豁然开朗感是极其强烈的。这是一本需要被“解构”而不是“被动接受”的书，需要反复咀嚼才能体会其中深意。

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老实说，我一开始对这类“小众”的音乐研究抱持着一种审慎的怀疑态度，毕竟，对于一位跨越了几乎整个二十世纪音乐史的巨人，将重点放在其钢琴演奏上，似乎有种“只见树木不见森林”的危险。但这本书的叙事结构，却巧妙地避开了这种陷阱。它没有孤立地看待钢琴演奏，而是将其视为斯特拉文斯基思想体系的一个微观缩影。作者高明之处在于，他不断地将钢琴上的细节——比如他对踏板的极度克制、他对音色的非歌唱性处理——映射回他创作的各个阶段，从早期的俄罗斯风情到中期的“新古典主义”，再到后来的十二音尝试。这种宏观与微观的交织，让阅读过程如同在观看一部精密的、多层次的立体电影。尤其令人印象深刻的是，书中对斯特拉文斯基早期作为“钢琴手”的自我认知进行了深刻的剖析，揭示了他是如何利用钢琴这种乐器，来验证和打磨自己那些革命性的节奏和配器理念的。这为我们理解他的作曲过程提供了一个全新的、几乎是“内部视角”的入口。对于那些对音乐创作的幕后运作感兴趣的读者来说，这本书的价值简直无可估量，它远超了一般的演奏分析范畴。

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这本关于斯特拉文斯基钢琴演奏的著作，在我阅读的浩瀚书海中，无疑是一朵风格迥异的奇葩。它没有聚焦于作曲家那些耳熟能详的芭蕾舞剧的宏大叙事，也没有深入探讨他晚期序列主义的晦涩理论，反而将聚光灯精准地投射到了一个更为私密、也更具探究价值的领域——他本人的钢琴触键艺术。我原以为这会是一本枯燥的技术分析手册，充斥着复杂的指法图和速度标记，然而，它以一种近乎散文诗的笔触，描绘了斯特拉文斯基在键盘上留下的独特“声学指纹”。作者似乎拥有某种魔力，能够从模糊的历史录音和稀疏的文字记录中，重建出那种被时间磨损的演奏质感。书中的很多段落，尤其是描述他对和弦的“切割”方式和对节奏的“非人化”处理时，让我仿佛能听到那个冷峻、精确而又充满内在张力的声音——那是一种与浪漫主义传统截然对立的、如同建筑般坚固的钢琴表现。这使得我不得不重新审视那些被我们奉为经典的录音版本，意识到我们听到的“斯特拉文斯基式”钢琴，很大程度上是后世模仿者建立起来的刻板印象，而这本书，正在试图还原那个更真实、更具颠覆性的源头。它不仅仅是音乐史的补充，更像是对一种失落的演奏哲学的考古挖掘，读来令人心潮澎湃。

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阅读完毕后，我最大的感受是，这本书成功地将一个音乐家从“作曲家”的神坛上拉了下来，让他重新以“演奏者”的身份站在我们面前。这种拉近距离的过程，并非是通过描绘他的日常生活琐事来完成的，而是通过一种极其精微的、聚焦于他指尖的技艺来达成的。书中对斯特拉文斯基在演奏自己作品时的“距离感”的描述，尤其引人深思：他似乎总是站在作品的外部审视和掌控着每一个音符，而非沉浸其中。这与我们传统理解中钢琴家“情感的宣泄”形成了鲜明的对照。作者将这种演奏风格归结为一种对“客观性”的终极追求，一种对主观情感的刻意疏离。这种分析角度，让我开始重新审视古典音乐的诠释权问题——一个作曲家本人对作品的最终定义权，到底应该占据多大的分量？这本书没有给出简单的答案，但它以极其有力的方式，为我们提供了观察这一问题的全新透镜。它不是一本让你在放松状态下翻阅的书，它更像是一次深刻的学术对话，要求你全身心地投入其中，并愿意在结束时，对你所认为的“理所当然”产生质疑。

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