菊乃井―風花雪月

菊乃井―風花雪月 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:講談社インターナショナル
作者:村田 吉弘
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:2006-11
价格:JPY 57.75
装帧:大型本
isbn号码:9784770040381
丛书系列:
图书标签:
  • 飲食
  • 日本
  • 论文
  • 菊乃井
  • 风花雪月
  • 日本漫画
  • 少女成长
  • 四季主题
  • 浪漫剧情
  • 校园生活
  • 情感共鸣
  • 唯美画风
  • 青春梦想
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具体描述

内容(「BOOK」データベースより)

本書は、京都の祇園円山、高台寺隣にある料亭「菊乃井」で実際に出されている懐石料理を紹介するものである。収録されている写真はいずれも、四季折々、一年間にわたってその本店で撮影された。器は、魯山人の逸品から、ベネチアの工房に特注したオリジナルのものまで、すべて同店で使われているものである。各料理に添えられた文章からは、懐石料理の本分と、それに対する村田吉弘氏の進取の気象に富んだ解釈が読み取れる。また巻末には、今まで門外不出だったこれらの料理のレシピが公開されている。

内容(「MARC」データベースより)

京都の祇園円山にある料亭「菊乃井」で1年間にわたって実際に出されている懐石料理を撮影。懐石料理の本分と、それに対する村田吉弘氏の進取の気象に富んだ解釈が読み取れる文章を添える。門外不出だったレシピも収録。

《墨痕与流年:文人画派的兴衰与流变》 【图书简介】 本书并非关注 किसी 特定个案或流派的细枝末节,而是以宏大的历史视野,追溯自唐代以来,中国文人画思想的萌芽、发展、鼎盛直至近代转型的复杂脉络。它试图剖析“文人”这一身份如何与“画匠”的身份进行持续的张力博弈,以及这种内在冲突如何塑造了中国古典艺术的审美核心与文化担当。 本书的核心论点在于,文人画的魅力并非仅在于笔墨技巧的超凡脱俗,而在于其深植于儒释道三家哲学的“寄托”精神——即画家如何通过山水、花鸟等物象,表达对个体生命处境的关怀、对理想人格的追求,以及对朝代更迭的隐晦感叹。 第一章:魏晋风度与唐代萌芽——“士人”精神的初现 本章将从“士”的社会角色入手,探讨魏晋时期个体生命意识的觉醒,以及这种“清谈”之风如何渗透到早期山水画的雏形之中。我们将重点分析顾恺之“以形写神”的理论,并将其置于玄学思潮的背景下考察。 进入唐代,随着科举制度的成熟与士大夫阶层的固化,文人的精神世界开始寻求一种超越政治漩涡的表达出口。本书将详述王维“诗中有画,画中有诗”的理论建构,并对比其与李思训父子所代表的“院体画”在精神气质上的分野。王维的山水并非是对自然景物的简单摹写,而是“禅境”与“意境”的融合,是士人寻求内心澄明的物化体现。同时,本书将探讨“金陵画派”的兴起,分析他们如何在南方山水间寄寓怀古之思。 第二章:宋代士人的审美确立与“尚意”的深化 宋代被誉为中国古典艺术的黄金时代,尤其是北宋,文人画的理论体系和实践达到了一个前所未有的高度。本书将围绕“尚意不尚形似”的核心思想展开论述。 苏轼的理论贡献: 重点分析苏轼如何将绘画提升至关乎个人修养和道德实践的高度。他提出的“论画以形似,见与鄙夫不殊”的观点,彻底确立了文人画的批判性立场,即超越对客观物象的复制,追求“胸中之丘壑”。 米芾父子的“墨戏”: 考察米芾在实践中如何运用“刷笔”与“积墨法”,将书法用笔的自由精神引入绘画,使画面更趋向于一种即兴的、充满文人情趣的“游戏”(戏)。米氏父子对于水墨技法的探索,为后世的写意画奠定了技术基础。 徽宗时期的张力: 本章亦不会忽略宋徽宗的院体画,但会着重分析其精微写实与文人画所追求的“不似之似”之间的张力。即便在皇家对细节追求极致的背景下,我们依然能看到赵佶在题跋中流露出的文人式的自我辩解与审美坚持。 第三章:元代——文人画的完全胜利与地域性色彩 元代,由于蒙古人入主中原,士大夫阶层普遍选择“归隐”或“抗争”,这促使文人画获得了完全的主导权。绘画不再需要依附于宫廷或士绅阶层的定制,而成为文人自我慰藉和身份标识的最重要途径。 “元四家”的风格分野: 本章将详细剖析黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙四家的地域性与个人风格。 倪瓒的“孤简”: 倪瓒的山水,以其极简的构图和稀疏的笔墨,表达了对世俗的彻底疏离和对自身精神洁癖的维护,是“出世”态度的极致体现。 黄公望的“皴法革命”: 探讨其对披麻皴的精妙运用,如何使得画面达到一种浑厚而又松动的意境,体现了对自然的融洽理解。 “竹与梅”的符号学: 深入分析梅竹题材在元代如何成为士人“气节”的代名词,以及这些符号在不同画家笔下的微妙差别,它们是文人情感的“加密信息”。 第四章:明清的演变、再造与地域争鸣 明代文人画进入了一个理论与实践相互纠缠的阶段。一方面,董其昌倡导的“南北宗论”试图为数百年来的艺术史建立一套清晰的谱系,以巩固“文人画正统”的地位。本书将审视“南北宗”理论的历史合理性及其在实际批评中的局限性。 吴门画派的世俗化倾向: 考察沈周、文徵明等如何在保持文人画传统的同时,适应江南商业文化的兴起,使得其作品在艺术性和市场性之间找到了平衡点。 晚明“个性解放”与“奇崛”: 重点分析以徐渭为代表的“狂放派”。徐渭的泼墨写意,是对传统“雅致”文人画的一种颠覆性反叛,他将内心的痛苦与愤懑直接倾泻于笔端,预示了后世写意画更强烈的表现主义倾向。 清代“四王”的集大成与保守: 深入分析“四王”如何通过对前代名迹的系统性临摹,试图将文人画“定格”于既有的范式之中,达到一种高度形式化的“古典主义”。同时,我们将对比石涛和八大山人如何以“遗民”的身份,通过极端的笔墨语言(如“一笔画”与“造型的破碎化”)对僵化的传统进行猛烈冲击,为清末民初的艺术转型埋下了伏笔。 总结与展望: 本书最后将简要概述近代以来,西方透视学和现代艺术观念的冲击,如何迫使中国文人画在坚守精神内核的同时,不得不面对题材、媒介和表达方式的剧烈变革,从而探讨这一古老艺术传统在现代语境下的新生与挑战。全书旨在勾勒出一条清晰的、充满张力的精神与技法流变图谱。

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读后感

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说实话,这本书的阅读门槛不算低,它要求读者有一定的文化储备和对特定生活方式的想象力。如果你期待的是那种情节飞速推进、人物动机一目了然的小说,那么《菊乃井―風花雪月》可能会让你感到挫败。但如果能沉下心来,将其视为一卷关于“如何看待时间”的哲学散文诗集,那么它的回报将是丰厚的。它成功地营造了一种“此时此刻,即是永恒”的错觉。书中描绘的那些精致的日常,仿佛被时间凝固在了最完美的瞬间,让人在翻页时,都会产生一种不忍打破这份宁静的犹豫。它不是一本能让你一口气读完的书,而是一本你需要反复咀嚼,甚至要在不同的人生阶段重新拾起的作品。每一次重读,都会因为自身的经历变化,而带来全新的领悟,这才是真正具有生命力的文学作品的标志。它不仅记录了美,更教会了我们如何去感知和珍惜那些稍纵即逝的美。

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坦白讲,初接触这本书时,我对其结构感到有些困惑,它并不像传统的叙事作品那样有着清晰的“起承转合”。更像是一系列散落的、但主题高度统一的片段集合。我花了好一番功夫才适应了这种松散但又紧密相连的节奏。然而,一旦进入状态,那种自由流淌的文字便展现出惊人的魅力。作者仿佛是一位技艺高超的织工,将生活中的偶然瞥见、片刻的灵光一闪,甚至是一道不经意的眼神交流,都细心地串联起来。它不是在讲述“发生了什么”,而是在剖析“存在着什么”。阅读过程中,我时常会停下来,去回味某一个形容词或者一个比喻,它们出现的时机和位置总是恰到好处,如同插花艺术中那一枝决定全盘生机的点睛之笔。这种阅读体验,更像是跟随一位高明的导游,游走在作者的心灵地图之上,你不需要知道终点在哪里,只需要专注于脚下每一次踏足的土地所带来的独特触感。这对于习惯了强情节驱动的读者来说,可能需要一个适应期,但一旦跨越了那道门槛,收获将是巨大的精神满足感。

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这本书给我带来了一种奇特的“疏离感”和“亲密感”的交织体验。一方面,故事的背景和人物的心理活动,都笼罩着一层薄薄的、近乎古典的礼仪与距离感,让人感到这些场景仿佛发生在一个遥远的时空里,纯净而不可触碰。但另一方面,作者对人物内心深处那些细微的、难以名状的失落、渴望与自我和解的过程的刻画,又是如此的真实和具有穿透力。我发现自己能轻易地代入那些无声的对白和克制的肢体语言之中,理解那些未曾宣之于口的情感重量。这种既保持了艺术的距离美,又深入探究了人性的共通之处的平衡,着实令人叹服。它没有提供廉价的共鸣,而是提供了一个深刻反思自身情感架构的契机。与其说我在读一个故事,不如说我是在对照着书中的世界,重新审视自己内心那些被日常磨平棱角的感受。这本书的价值,在于它促使你向内观看,而不是向外追逐。

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从文学技法的角度来看,这本书的叙事声音极为独特,几乎可以称得上是“低语式”的表达。它极少使用高亢或激烈的词汇,而是将所有的情感能量,都内敛于句子结构和词语的选择之中。我感觉自己像是在深夜的庭院里,听着一个年长的、经历丰富的人,用近乎耳语的方式,讲述着那些关于“逝去之美”的秘密。这种风格对于某些读者来说,可能会被解读为“沉闷”,但我恰恰认为这是作者对“风花雪月”这一主题最忠实的诠释——真正的美,往往是安静的、需要主动去倾听的。书中的一些段落,尤其是关于食物的描写,已经超越了单纯的感官刺激,上升到了一种文化符号的层面,它们承载着传承、记忆和身份认同。这种将物质细节与抽象哲思完美融合的写法,体现了极高的文学素养,让人不得不思考,我们是如何将日常行为仪式化,并从中提炼出永恒价值的。

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这本名为《菊乃井―風花雪月》的书,与其说是描绘了一个具体的故事情节,不如说是一场沉浸式的感官盛宴。当我合上书页,脑海中浮现的不是跌宕起伏的桥段,而是一系列精致入微的画面和难以言喻的情感波动。作者对细节的捕捉达到了近乎偏执的程度,无论是京都古巷中初雪的声响,还是茶室里光影斑驳的微妙变化,都通过细腻的文字被完整地重现。初读时,我甚至需要放慢速度,如同品味一盏上好的清酒,生怕错过任何一丝若有似无的香气。它似乎更专注于捕捉“物哀”的美学内核,而非线性叙事。我尤其欣赏其中关于季节更迭的描绘,那种对时光流逝的温柔喟叹,让人在喧嚣的现代生活中找到了一个可以暂时躲避的,由文字构建的庇护所。它需要的不是快速阅读,而是静心去“感受”,去体会那种只存在于东方美学中的,克制而深远的情感韵味。这本书与其说是一个故事,不如说是一份献给所有对“美”有执着追求的人的邀请函,邀请我们进入一个由精致的感官体验编织而成的,近乎透明的世界。

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