The Blackwell Guide to Recorded Contemporary Music (Blackwell Guides Series) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:Blackwell Pub

作者:Brian Morton

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1996-06

价格:USD 29.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780631201380

丛书系列:

图书标签:

• 当代音乐
• 录音音乐
• 音乐史
• 音乐理论
• 流行音乐
• 实验音乐
• 电子音乐
• 音乐分析
• 文化研究
• 音乐指南

音乐考古学：流变中的声音景观 (A Musical Archaeology: Soundscapes in Flux) 一部深入探究二十世纪下半叶至二十一世纪初西方音乐文化演变、技术革新与社会语境交织的权威性著作。 本书并非一本记录特定曲目或流派发展史的指南，而是力图从更宏观、更具批判性的角度，解构自二战后至今，声音是如何被创造、传播、消费和理解的。它关注的是音乐生态系统的底层结构——即驱动当代音乐形态转变的动力学。 第一部分：录音技术的革命与审美断裂 (The Revolution of Recording Technology and Aesthetic Rupture) 本卷首先考察了战后电子技术对音乐本体论产生的颠覆性影响。我们不再将音乐视为一种纯粹的现场事件，而是将其视为一种可以被精确捕获、编辑、重构和无限复制的“物质”。 1. 从磁带到数字：介质的物质性与声音的去物质化 (From Tape to Digital: The Materiality of Medium and the Dematerialization of Sound) 本书详细分析了磁带录音（Musique Concrète）如何首次赋予声音创作者对时间、音高和音色的绝对控制权。我们审视了普雷斯顿·斯图尔特（Preston Sturges）在六十年代初对磁带剪辑的精细化处理，以及他对传统配器法的挑战。随后，视角转向数字采样的兴起。不同于模拟录音中对真实事件的忠实再现，数字采样宣告了一种“后真实性”声音的诞生。我们探讨了采样技术如何模糊了“原创性”的界限，并将音乐历史本身变成了可供调用的原材料库。这种技术的转变不仅影响了音乐的制作方式，更重塑了听众对“什么是音乐”的根本认知。 2. 录音棚作为乐器：声学空间的重塑 (The Studio as Instrument: Reshaping Acoustic Space) 传统音乐理论建立在特定空间（音乐厅）的声学特性之上。然而，随着多轨录音和混响单元的普及，录音棚本身成为了决定最终声音形态的首要“乐器”。本书深入分析了六十年代末期，例如在 Abbey Road 录音室中发生的现象。工程师和制作人（如乔治·马丁、鲁珀特·海恩）不再只是记录表演，他们是在构建一个在自然界中不可能存在的声场。我们研究了如何利用相位抵消、延迟线和人造混响来创造“深度感”，这种深度感与传统听觉空间是完全分离的。这种“人工现实”的构建，为后来的电子舞曲和氛围音乐铺平了道路，它们追求的不再是现场的临场感，而是沉浸式的、被精心设计的听觉环境。 第二部分：流派的碎片化与文化资本的转移 (Genre Fragmentation and the Shift in Cultural Capital) 二十世纪中叶的音乐世界仍旧被少数几个主流分类（古典、爵士、摇滚）所主导。然而，到了七十年代，技术的普及和青年文化的反叛，导致了前所未有的流派爆炸。 1. 亚文化的生成与编码 (The Genesis and Coding of Subcultures) 本书摒弃了将摇滚乐视为单一主线的叙事，而是将重点放在了那些主动通过音乐实践来构建社会边界的“微观文化”上。我们分析了朋克摇滚运动中对“低保真”（Lo-Fi）美学的推崇，这不是因为技术限制，而是一种有意识的文化拒绝——拒绝专业主义的精英化。同时，我们对比研究了七十年代末期，工业音乐（Industrial Music）如何系统性地将噪音、机器的轰鸣和反美的元素纳入其核心语汇，以批判资本主义的异化。这些亚文化不仅创造了新的音乐结构，更创造了新的身份认同系统，其“代码”需要特定的知识才能解码。 2. 极简主义、重复与“去叙事化” (Minimalism, Repetition, and the De-Narrativization) 在严肃音乐领域，本书探讨了极简主义（Minimalism）在六十年代的崛起，如何是对浪漫主义宏大叙事的彻底背离。拉蒙特·扬（La Monte Young）和史蒂夫·赖希（Steve Reich）对长时值、微小变化的执着，挑战了传统音乐对“发展”、“高潮”和“解决”的依赖。这种对重复的强调，与当时在迪斯科舞曲和早期电子乐中对“循环”的运用形成了有趣的平行关系。两者都试图将听众从线性的时间体验中解放出来，进入一种近乎冥想的、非目的性的聆听状态。 第三部分：全球化、数字分发与听众主体性的重塑 (Globalization, Digital Distribution, and the Reshaping of Listener Subjectivity) 进入九十年代及新千年，互联网和数字文件共享彻底改变了音乐的经济结构和传播路径，这一变化对“音乐文化”的定义产生了决定性的影响。 1. 版权、盗版与“零边际成本”的冲击 (Copyright, Piracy, and the Impact of Zero Marginal Cost) 本书深入剖析了 Napster 时代的文化和经济地震。当音乐的复制成本趋近于零时，音乐的“价值”从其物理载体（黑胶、CD）转移到了什么地方？我们分析了这如何迫使音乐产业重新定义“体验”和“稀缺性”。这不仅仅是一个经济问题，更是一个哲学问题：如果所有音乐都可以即时获取，那么“发现”的意义何在？ 2. 算法策展与品味的后人类干预 (Algorithmic Curation and the Posthuman Intervention in Taste) 最后一章聚焦于二十一世纪的流媒体时代。个性化推荐算法不再仅仅反映听众的偏好，它们开始积极地塑造和引导这些偏好。我们研究了“策展”行为的转移——从唱片骑师和评论家，转移到不可见的数学模型手中。这引发了关于“音乐品味是否仍然是个人自由选择的体现”的深刻讨论。算法的“偏见”如何悄然地巩固了某些风格的可见性，而将其他声音推向数字的边缘？本书主张，理解当代的音乐景观，必须首先理解我们被哪些无形的系统所监听和引导。 结论：声音的未来景观 本书总结认为，当代音乐的特征是其极度的异质性、历史的重新混用，以及对体验而非形式的关注。它不是在记录一个稳定、可被界定的“当代音乐”，而是在描绘一个持续处于动态张力中的、被技术与社会力量不断解构与重塑的声音场域。这是一部针对未来学家的历史记录，探讨声音如何成为我们时代最敏感的文化温度计。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆