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出版者:（香港）沐文堂美術出版社有限公司

作者:關善明

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2003年9月

价格:0

装帧:精裝本

isbn号码:9789889720612

丛书系列:

图书标签:

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好的，这是为您创作的一份关于一本名为《中国古代金饰》的书籍的简介，内容详尽，且不涉及该书本身的任何信息，旨在描述另一本完全不同的书籍。 --- 《敦煌莫高窟壁画中的飞天形象演变及其文化意涵研究》 内容提要 本书是对敦煌莫高窟，这座世界文化遗产宝库中，跨越千余年历史的飞天形象进行的一次系统、深入的艺术史与文化人类学考察。飞天，作为佛教艺术中连接天人、传递梵音的使者，其形象在敦煌不同历史时期的壁画中展现出了惊人的多样性与深刻的时代性变化。本书通过对大量高清壁画图像的细致比对、风格学分析和图像志研究，试图勾勒出自北凉至元代，飞天形象从初现、成熟、鼎盛到定型、乃至世俗化的完整演变脉络。 全书共分为七个主要章节，辅以翔实的图录和详尽的注释。 第一章：绪论——敦煌与飞天的文化地理 本章首先确立了敦煌石窟在古代丝绸之路上的战略地位，探讨了佛教艺术传入中国后，本土审美如何介入并重塑原有的印度及中亚艺术母题。重点分析了“飞天”这一形象的佛教原语境（如乾闼婆、紧那罗）与中国本土“仙人”观念的融合过程。同时，概述了敦煌壁画分期断代的基本学术框架，为后续的形象比对提供可靠的时间坐标。 第二章：早期探索（北凉至北魏）——本土化的开端 这一阶段的飞天形象尚处于汲取与模仿期。本章重点分析了北凉和北魏早期的壁画风格。飞天形象多呈印度犍陀罗风格的遗风，体态丰腴，衣带飘举，但已显露出中国画家对线条和动态美的初步尝试。我们详细考察了以“三世佛后飞天”为代表的早期风格，指出其在面部结构和肢体处理上，已开始向汉地审美趋近，特别是对飘带（“S”形曲线）的处理，为后世的“天衣飞扬”奠定了基础。 第三章：风格的成熟与转型（隋代）——气韵生动的“初唐前奏” 隋代是敦煌艺术风格发生质变的枢纽期。本章认为，隋代飞天艺术的成熟标志着中国化进程的决定性胜利。飞天的形象变得更加灵动、飘逸，身体的姿态摆脱了早期佛像的僵硬感，开始展现出强烈的“气”与“韵”。通过对比隋代“说法图”和“佛传故事图”中的飞天，我们辨析了隋代“丰肥、圆润、内敛”的审美特征，并指出其对初唐盛世风格的直接催生作用。 第四章：盛唐气象（唐代中期）——雍容华贵与动态美学的巅峰 盛唐，特别是唐代前期至中期的壁画，是敦煌飞天艺术的黄金时代。本章将重点分析“反尸罗”式、大动势的飞天造型。飞天的服饰变得更加华丽，配色更为浓艳，体态趋向于健康丰满的“唐代女性美”标准。本章详细考察了反弹琵琶、手持花幡的经典造型，结合唐代宫廷乐舞和服饰风尚，探讨了艺术如何反映了唐代强大的文化自信和开放包容的时代精神。我们甚至尝试对不同“供养飞天”的手势和供养品进行微观解读，以求还原当时的宗教礼仪场景。 第五章：风格的转变与世俗化（唐代晚期至五代） 安史之乱后，敦煌艺术风格开始出现内敛化和地域化的倾向。本章探讨了唐代晚期和五代时期飞天的特点。形象上，飞天的体态开始略显瘦削，飘带的处理趋于繁复和程式化，动态的张力减弱，而更注重细节的装饰性。五代时期，尤其在曹氏归义军统治下，飞天形象的脸谱化倾向加剧，但同时，部分壁画也反映了地方贵族审美趣味的介入，使得部分飞天形象带有浓厚的世俗化色彩。 第六章：异域的回响（宋、西夏、元代） 这一时期，敦煌艺术面临着新的政治格局和宗教流派的影响。宋代的飞天在造型上趋向于秀美和纤细；西夏时期的飞天则在色彩上倾向于冷峻和平面化，显示出强烈的地域色彩和对中原风格的借鉴与消化。元代的飞天形象则明显受到藏传佛教艺术（唐卡风格）的深刻影响，造型趋于严谨和程式化，但在细节处理上仍保留了敦煌艺术的传统。本章通过对比不同政权统治下的飞天异同，阐明了文化交流与政治变迁对艺术风格的塑造力。 第七章：飞天意象的文化解码与审美价值重估 本书的总结部分，将从更宏观的文化人类学视角出发，重新审视飞天这一母题的文化功能。飞天不仅仅是宗教的象征，更是古代中国社会对“美”、“自由”、“理想化人性”的投射。我们将探讨飞天形象在中国文学、诗歌、戏曲中的后续影响，并提出对敦煌壁画飞天形象审美价值的新见解，强调其作为中国古代艺术史中动态雕塑典范的地位。 附录： 敦煌飞天形象重要洞窟实例图录（按朝代分类） 敦煌飞天服饰与乐器研究参考表 主要参考文献及图版来源索引 本书资料翔实，图版丰富，论证严谨，适合敦煌学研究者、艺术史学者、佛教文化爱好者以及所有对中国古代审美变迁感兴趣的读者深入研读。它不仅是一部图录，更是一部穿越千年的“天空之舞”的风格演化史。

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这本书的装帧质量同样令人印象深刻，完全配得上其内容的珍贵性。厚实的铜版纸印刷，使得金器的光泽感和金属的质感被完美地捕捉和再现。装帧设计上，它采用了仿古函套的形式，当把这本书捧在手中时，确实有一种触摸历史的庄重感。我尤其欣赏的是，作者在讲述金饰的功用时，非常注重社会阶层和性别差异的对比。比如，对于女性头饰的描述，篇幅不小，详细分析了垂饰、步摇等部件在不同场合下的礼仪作用，这些细节展现了古代社会对女性美的规范与期待。相比于一些只关注帝王陵寝出土重器的书籍，此书对民间金饰、日常佩戴件的关注，更贴近普通人的生活层面。这种全景式的描绘，让金饰不再是高高在上的陪葬品，而是鲜活的“日常符号”。这种深入浅出的表达方式，使得即便是对考古学不甚了解的普通读者，也能津津有味地读下去。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本以为这类专业的书籍会枯燥乏味，充斥着晦涩难懂的术语，但《中國古代金飾》完全颠覆了我的预期。作者的文笔功力可见一斑，他不像是在撰写学术论文，更像是在进行一场娓娓道来的历史漫谈。阅读过程中，我惊喜地发现书中对金饰的材质、冶炼技术以及镶嵌工艺的探讨，竟然写得如此生动有趣。比如，关于鎏金工艺的介绍，书中详细描述了汞的提炼与使用过程，那种将“毒物”转化为“神光”的转化过程，充满了早期化学的魅力。而且，书中并没有将古代的匠人视为简单的工匠，而是将他们置于文化创造者的位置上，探讨了他们的社会地位和技艺传承。这种将技术史与文化史相结合的视角，极大地拓宽了我的认知边界。读完后，我不仅能区分出不同朝代金器的包浆差异，还能大致判断出某件器物上可能使用的鏨花工具的类型，成就感油然而生。

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我是一个非常注重实物考证的读者，很多关于古代艺术的书籍，要么图片失真，要么缺乏实物出处的明确标注，让人心存疑虑。《中國古代金飾》在这方面做得堪称典范。它详尽地列出了每一件重要器物的出土地点、馆藏机构以及相关的考古报告编号，这种严谨的态度，让我对书中所呈现的每一条论断都深信不疑。特别值得称赞的是，书中收录了不少近年来新发现的重要金器实例，这说明作者的研究紧跟学术前沿，没有停留在对经典文物的重复描述上。在分析几何纹饰的意义时，作者没有止步于简单的图案解读，而是引入了阴阳五行、宇宙观等哲学思想进行对照分析，使得那些看似简单的螺旋、蟠螭纹路，都承载了厚重的文化内涵。这本书的参考文献列表也十分详尽，为我后续的深入研究指明了方向，实属难得的工具书与学术专著的完美结合体。

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坦率地说，我通常阅读历史类书籍时，很容易因为叙述过于宏大而抓不住重点，但《中國古代金飾》的结构安排非常巧妙。作者似乎懂得如何引导读者的注意力，他将金饰的演变，巧妙地穿插在几个关键的历史转折点上进行集中阐述，使得阅读的节奏张弛有度。例如，对魏晋南北朝时期佛教造像中金饰元素的借鉴与融合的探讨，就写得极其精彩，分析了外来文化如何通过金饰这一媒介，潜移默化地融入本土审美体系。书中还涉及了金器铸造技术的地域差异，这对于研究古代的交通网络和技术传播路径提供了新的线索。读完此书，我感觉自己对古代“物”与“人”的关系有了全新的认识——那些闪耀的黄金，记录的不仅仅是财富的堆砌，更是不同时代中国人精神面貌和技术巅峰的凝结。这是一本值得反复研读，并在每一次翻阅时都能发现新亮点的杰作。

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这本《中國古代金飾》真是让人爱不释手，尤其对于我这种对古代工艺和审美有着浓厚兴趣的爱好者来说，简直是一部百科全书。翻开书的第一页，我就被那些精美绝伦的图片深深吸引住了。书中的排版设计非常考究，每一件金饰品，无论是造型的选取还是纹饰的刻画，都配有高清的特写镜头，让我仿佛能触摸到那冰凉的金属和工匠们留下的温度。作者对于不同历史时期金饰风格演变的梳理，逻辑清晰，叙述流畅，从商周的古朴厚重，到汉代的雄浑大气，再到唐宋的细腻婉约，每一种转变都解释得头头是道，让人不仅看到了“美”，更理解了“为什么会美成这样”。比如书中对战国时期金银器中狩猎、宴饮场景的描绘，那种动态感和生活气息，通过文字和图片的完美结合，扑面而来，让人对那个时代人们的精神世界有了更深一层的体悟。这本书的价值远不止于艺术鉴赏，它更像是一把钥匙，打开了通往古代社会生活、宗教信仰乃至权力象征的大门。

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图文并茂，详细精彩

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