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出版者:

作者:Norman David

出品人:

页数:196

译者:

出版时间:

价格:461.00元

装帧:

isbn号码:9781880157602

丛书系列:

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• 作曲
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《爵士编排艺术：深度解析与实践指南》 内容简介： 这是一本深入探索爵士乐编排精髓的专业著作，旨在为音乐家、作曲家、编曲家以及所有热爱爵士乐的读者提供一套全面而系统的编排理论与实践框架。本书不拘泥于单一的流派或时代，而是广泛涉猎爵士乐发展史上的重要编排技巧，从早期的摇摆乐时期到现代的融合爵士，再到当代前卫爵士的创新手法，本书都将一一剖析。 核心内容： 和声的构建与运用： 本书将详细讲解爵士和声的复杂性，包括扩展和弦、替代和弦、离调、模进等概念。读者将学习如何分析现有爵士作品的和声结构，并掌握如何在创作中运用这些和声语言来丰富音乐的色彩和情感。从三和弦的起源，到七和弦、九和弦、十一和弦、十三和弦的层层叠加，再到各种转位、色彩和弦的应用，本書都將給出詳實的範例和練習。此外，本書還會深入探討和弦進行的邏輯與美學，介紹各種經典的爵士和弦進行模式，並指導讀者如何創造出既有傳統根基又不失新意的進行。 旋律的构思与发展： 爵士旋律的自由性与即兴性是其魅力所在。本书将分析不同爵士乐风格中旋律的特点，教授读者如何运用音阶（如蓝调音阶、减音阶、全音阶、调式音阶等）、琶音、切分音、装饰音等元素来创作富于表现力、动感十足的爵士旋律。本书还将探讨旋律与和声之间的互动关系，以及如何通过旋律线条来引导和声走向，创造出更具张力的音乐。 节奏与律动的精髓： 爵士乐的灵魂在于其独特的节奏感与律动。本书将深入剖析爵士乐中的各种节奏型，包括Swing律动、切分节奏、反拍节奏、附点节奏等，并指导读者如何理解和运用这些节奏元素来赋予音乐生命力。本书还会讲解不同乐器组合在节奏上的配合与对话，以及如何通过节奏的变化来制造出不同的音乐情绪和动力。 配器与音色设计： 针对爵士乐团的不同编制（如四重奏、五重奏、大乐队等），本书将详细讲解各类乐器的音域、音色特点、演奏技巧，以及如何进行有效的配器，使各声部之间形成和谐而富有层次感的整体。读者将学习如何为铜管乐器、木管乐器、节奏组（钢琴、贝斯、鼓）等设计合适的乐句，以及如何通过音色和音量的变化来突出音乐的重点和情感。 曲式结构与形式分析： 经典的爵士曲式（如AABA、ABAC等）以及现代爵士乐的结构创新，本书都将一一讲解。读者将学习如何分析爵士乐作品的整体结构，并掌握如何在创作中构建清晰、有逻辑的乐曲形态。本書也會探討即興段落與主旋律、主題變奏之間的關係，以及如何通過結構的設計來提升樂曲的戲劇性。 主题发展与变奏： 爵士乐编排的核心之一在于对主题的处理和发展。本书将介绍各种主题发展的手法，包括模进、移位、节奏变形、和声伴奏变化、对位等，以及如何通过这些手法来保持音乐的连贯性和新鲜感。 爵士乐风格研究与案例分析： 本书将精选一系列不同时期、不同风格的经典爵士乐作品，进行深入的编排分析。从Duke Ellington的复杂配器，到Miles Davis的极简主义，再到Herbie Hancock的融合风格，本书将通过具体的乐谱示例和演奏录音，揭示大师们的编排理念与实践。 创作实践与指导： 除了理论讲解，本书更注重实践。每章都配有大量的练习题、创作任务和实际的编排场景模拟，引导读者将所学知识融会贯通，并应用于自己的创作实践中。本书将提供从小型室内乐到大型乐队编排的循序渐进的指导。 适用读者： 本书适合所有对爵士乐编排感兴趣的音乐人士，包括： 爵士乐手、作曲家、编曲家 爵士乐专业学生及教师 对爵士乐和声、旋律、节奏有深入了解需求的音乐爱好者 希望提升自己音乐创作与改编能力的音乐人 本书特色： 系统性强： 从基础概念到高级技巧，循序渐进，构建完整的知识体系。 理论与实践并重： 理论讲解清晰易懂，配以大量案例分析与实践练习。 内容全面： 涵盖爵士乐编排的各个关键方面，深入浅出。 语言严谨： 使用专业音乐术语，保证学术性与准确性。 启发性高： 鼓励读者独立思考，发挥创造力，形成自己的编排风格。 《爵士编排艺术：深度解析与实践指南》将成为您在爵士乐编排领域探索与创作的宝贵指南，帮助您深入理解爵士乐的内在逻辑，并创作出独具匠心的爵士音乐作品。

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说实话，这本书的学术严谨性带来的一个“副作用”是，它在某些章节的专业术语密度非常高，对于一个非科班出身的爱好者来说，可能需要反复查阅前后文，甚至需要配合其他的乐理书籍才能完全消化吸收。它似乎假设读者已经对基础的和声学和对位法有了一定的认知，因此在解释某些进阶概念时，跳跃性略大，缺少那种手把手的引导。不过，换个角度看，这正是它价值所在——它志不在于成为一个“傻瓜式教程”，而是立志于成为一个“进阶的参考库”。我注意到书中对“模态爵士”（Modal Jazz）编配思想的探讨似乎颇具深度，这块内容在很多市面上的教材中往往一带而过，被简化成了对特定音阶的运用。我非常好奇这本书是如何处理调式与旋律线条的“空间流动性”在这个特定编曲流派中的体现的。如果作者能够在这里提供清晰的图示和音频示例的对应分析（虽然是文字描述的书籍，但通过文字的描绘也能感受到那种意图），那么这本书在讨论现代编曲趋势方面的贡献将是巨大的。

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这本书的阅读体验，与其说是在学习一门手艺，不如说是在进行一次深入的“考古发掘”。作者的笔触带着一种历史的厚重感，他似乎不愿意割裂爵士乐编曲的历史脉络，而是将其视为一个不断演进的有机体。我感觉书中对早期摇摆乐（Swing Era）时期的大乐队编配策略，与后来的爵士三重奏或四重奏的小编制音乐在思维上的差异，有着非常细致的对比和剖析。这种对比分析非常精妙，它提醒读者，编曲从来不是一套放之四海而皆准的公式，而是对特定时代听众审美、乐器技术极限以及乐队成员个性化声音的综合回应。我特别留意了作者是如何引入对特定音乐家（比如Gil Evans或者Thad Jones）的案例研究的，通过对他们标志性作品的分解，作者似乎试图反向推导出他们是如何看待和重构音乐材料的。这种基于案例的解析方式，比单纯的理论推导更加生动和具有说服力，让读者仿佛能亲手触摸到那些经典的乐谱结构，理解那些经过时间考验的编配选择背后的深层考量。

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这本厚厚的书摆在我的书架上已经有一段时间了，虽然我还没有完全啃完，但初步的翻阅已经让我对它的整体架构和作者的写作风格有了个大概的印象。首先要说的是，这本书的装帧设计非常考究，封面采用了一种略带纹理的哑光纸张，字体选择了一种复古的衬线体，营造出一种深沉而专业的氛围，这很符合爵士乐那种既有严谨结构又充满即兴灵性的特质。内页的纸张质量也相当不错，墨色清晰，排版疏密有致，即便长时间阅读也不会感到视觉疲劳。我特别欣赏作者在内容组织上的严谨性，虽然我还没深入到那些复杂的技术细节，但从目录和章节标题的设置来看，它似乎采取了一种从宏观理论到微观实践的递进式讲解路线，这对于初学者来说无疑是个福音。这种结构安排使得学习路径非常清晰，不会让人在浩如烟海的知识面前感到迷失方向。而且，从作者引用的参考文献和注释的丰富程度来看，这本书显然是建立在扎实的音乐学研究基础之上的，绝非泛泛而谈的入门手册，而是意图深入挖掘其内核的严肃学术作品，这让我对后续的深入阅读充满了期待。

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坦白说，我拿起这本书最初的动机，是希望找到一套能够系统梳理二十世纪中叶以来，尤其是比波普（Bebop）和冷爵士（Cool Jazz）时期，那些标志性编曲手法精髓的指南。这本书的篇幅之宏大，让人不由自主地联想到那些百科全书式的权威著作。它似乎不满足于仅仅介绍和弦替换或声部进行这些基础技巧，而是试图去剖析那些真正让大师作品“听起来是那个味道”的深层逻辑——比如如何在高密度的和声背景下，巧妙地运用空白和呼吸感来塑造旋律的张力，或者在固定和弦进行中，如何通过对乐器音色和音区安排的微妙调整，实现不同层次的对话与冲突。我注意到书中似乎花了大篇幅来讨论“空间感”和“织体密度”的控制，这恰恰是我个人在尝试即兴或写小品时最感到捉襟见肘的部分。如果这本书真的能把这些听觉上的感受，转化为可以被量化和学习的原则，那么它就不仅仅是一本教材，更像是一本音乐哲学的探讨集。我对它在处理不同乐器组（比如铜管组、木管组，以及人声与乐队的搭配）时的独特策略非常感兴趣，期待它能揭示出那些隐藏在出色录音背后的编曲“魔法”。

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最让我感到惊喜的是，这本书似乎在讨论“即兴与编排”之间的辩证关系时，没有陷入传统的二元对立。很多关于编曲的书籍倾向于将“结构”和“自由”视为对立面，但从我目前阅读的章节来看，作者似乎更强调前者是如何为后者提供一个更具张力的基础平台的。也就是说，一个精心构建的编曲框架，反而能激发即兴演奏者更具创意的发挥，因为它设定了明确的对话场景和边界。我推测，书中很可能有一部分内容是关于如何为特定独奏乐器“铺设舞台”的艺术，比如如何设计一段伴奏织体，使其在烘托独奏者情绪的同时，又能巧妙地为接下来的高潮部分积蓄能量。这种对音乐“叙事弧光”的关注，而非仅仅停留在静态的和声或节奏层面，让我感到非常耳目一新。我渴望读到作者如何用音乐语言来描绘情绪的起伏、故事的转折，以及乐队内部声部之间如何进行“非语言的交流”，这才是爵士乐编曲中最迷人、也最难捕捉的部分。

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