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出版者:Hal Leonard Corporation

作者:Mike Tomaro

出品人:

页数:536

译者:

出版时间:2009-10-1

价格:USD 49.99

装帧:Paperback

isbn号码:9781423452744

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
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《现代爵士乐编排技巧》 这本书不是一本关于“乐器爵士乐编排”（Instrumental Jazz Arranging）的书。 《现代爵士乐编排技巧》 是一本深入探索当代爵士乐编排艺术的著作，旨在为有一定音乐基础的编曲者、作曲家、以及对爵士乐编排充满热情的音乐爱好者提供一套系统性的指导。本书不局限于传统爵士乐的框架，而是将目光投向了爵士乐在二十一世纪的多元化发展，涵盖了从经典大乐队的现代演绎到小型爵士乐团的精妙织体，以及融合现代流行、放克、拉丁等元素的前沿编排理念。 本书分为三个主要部分： 第一部分：编排的理论基石与现代视角 理解爵士乐的呼吸：节奏、律动与即兴的互动： 本章将从爵士乐的核心——节奏和律动出发，解析不同风格（如摇摆、波萨诺瓦、放克、非洲节奏等）的律动模式，以及它们如何在编排中构建起音乐的骨架。我们将探讨即兴演奏者如何在编排的框架内进行自由发挥，以及编曲者如何通过巧妙的节奏安排来引导和激发即兴。 色彩的画布：和声的现代发展与运用： 摆脱基础的和弦进行，本书将深入探讨爵士乐中色彩和声的演变，包括扩展和弦（如9th, 11th, 13th）、变化和弦（altered chords）、转位（inversions）、以及不同调式的应用。我们将分析当代爵士大师们如何运用和声来营造氛围、推动情绪，以及如何在复杂的和声环境中保持旋律的清晰与张力。 旋律的线条与形状：构建引人入胜的旋律段落： 旋律是音乐的灵魂。本章将解析爵士乐旋律创作的原则，包括乐句的构成、动机的发展、以及与和声的完美契合。我们将探讨如何通过旋律的起伏、节奏的运用以及调性中心的转换来创造出令人难忘的主题旋律（melodies）和即兴段落（solos）。 织体的艺术：声部的对话与层次的构建： 编排的精髓在于声部的处理。本书将系统讲解不同乐器组合（如弦乐、铜管、木管、节奏组）的特性，以及如何在编排中有效地运用对位（counterpoint）、模仿（imitation）、呼应（call and response）等技法。我们将分析如何构建清晰的声部层次，让音乐既饱满又不失通透。 第二部分：特定乐团编制的编排实践 大乐队的现代革新：从咆哮到细腻： 本章将重新审视传统大乐队（Big Band）的编排模式，并重点探讨当代大乐队编排的创新之处。我们将分析如何在保留大乐队宏伟气势的同时，融入更具现代感的和声、节奏和织体，以及如何为不同的乐器组（萨克斯、铜管、节奏组）设计更具挑战性和表现力的段落。 小型爵士乐团的智慧：四重奏、五重奏及以上： 小型乐团的编排更考验编曲者的精巧构思。本书将聚焦于四重奏、五重奏等经典小型爵士乐团的编排策略，探讨如何通过乐器间的互动、节奏组的精确配合、以及声部间的巧妙对话来创造出丰富而富有表现力的音乐。我们将分析如何为独奏者提供最佳的伴奏环境，以及如何通过编排来塑造乐团独特的音色。 非传统乐器组合的探索：跨界与融合： 随着爵士乐的不断发展，非传统乐器组合的编排也日益普遍。本章将探讨如何为包含电声乐器、民族乐器、甚至电子音乐元素的乐团进行编排，分析不同音色和演奏技巧的融合之道，以及如何在保持爵士乐精神的同时，拓展编排的可能性。 第三部分：编排的进阶技巧与创作流程 从动机到整体：音乐结构的构建与发展： 好的编排不仅仅是音符的堆砌，更是音乐结构的精妙设计。本章将深入讲解如何从一个核心动机出发，通过变奏（variation）、发展（development）、对比（contrast）等手法，构建出具有逻辑性和吸引力的整体音乐结构。 为独奏者铺设舞台：伴奏与支持的艺术： 编排的重要职责之一是为即兴演奏者提供一个既能自由发挥又能得到有力支持的音乐环境。本书将详细讲解如何设计富有启发性的伴奏（accompaniment），如何运用节奏和和声来烘托独奏，以及如何在不同阶段进行有效的声部编排。 音色与动态的雕琢：营造丰富的音乐表情： 音色（timbre）和动态（dynamics）是赋予音乐生命力的重要元素。本章将指导读者如何根据乐器特性选择最佳的音色组合，如何运用细腻的动态变化来表达音乐情绪，以及如何通过乐器法的运用（如弱音器、敲击、滑音等）来丰富音乐的色彩。 改编与原创：编排的实战演练： 本书将提供一系列实际的编排练习，包括对经典爵士乐作品的改编，以及从零开始创作原创爵士乐作品的流程指导。我们将一步步解析从初期构思、素材收集、乐器分配到最终定稿的整个创作过程。 《现代爵士乐编排技巧》致力于成为每一位爵士乐编曲者案头的宝贵工具书，帮助您突破现有认知，掌握最前沿的爵士乐编排理念与实践，创作出更具原创性、感染力和时代感的爵士乐作品。本书将带领您深入爵士乐编排的迷人世界，激发您无尽的创作灵感。

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我是一个自学成才的钢琴手，更擅长即兴演奏，但当我的乐队想尝试更复杂、更具“管弦乐”质感的Arrangement时，我发现自己完全无从下手。这本书对我而言，就像是架起了一座通往专业编曲世界的桥梁。它并没有要求你必须是作曲系科班出身，而是从最实用的角度切入——如何让你的四重奏听起来像是一个八重奏？书中详细探讨了“声部折叠”和“音区错位”的技术，这些技巧极大地拓宽了我对乐器组合潜能的认识。比如，它提供了一套系统的方法来处理如何让低音提琴和低音萨克斯的音区不发生冲突，从而保持低频的清晰度。这种关注细节的程度，远超我之前接触过的任何“入门级”的指南。读完关于打击乐器配器的那一章后，我立刻回去重写了我们乐队新歌的鼓点和伴奏，效果立竿见影，同事们都惊讶于我们音乐的“厚度”增加了不少。

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这本书的封面设计很有品味，那种深邃的蓝色调和优雅的字体排版，一下子就抓住了我的眼球。我是一个爵士乐的忠实听众，但对于背后的编曲理论知之甚少，所以当我看到这本书的标题时，就立刻被它“乐器编排”的主题吸引了。我原本以为它会是一本枯燥的教材，充斥着密密麻麻的五线谱和复杂的和声分析，但翻开第一页后，我的担忧就完全放下了。作者的叙述方式非常平易近人，他似乎非常擅长将复杂的概念拆解成易于理解的小块。例如，书中对“色彩”的运用描写得尤其生动，他不仅仅是告诉我们如何用萨克斯风和长号来制造不同的层次感，更是用一种近乎诗意的语言描述了不同乐器在特定和弦进行中如何“交织”和“对话”。读到关于如何为小型乐队进行配器的章节时，我仿佛能听到作者在耳边细细讲解，那种亲切感是很多技术手册所不具备的。这本书成功地在理论的深度和实践的可操作性之间找到了一个完美的平衡点，让一个业余爱好者也能从中受益良多，体会到编曲的乐趣。

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这本书的结构安排非常巧妙，它不像教科书那样线性推进，而是更像是一系列针对特定问题的“大师班讲座”。我尤其喜欢它在探讨不同历史时期编曲风格时所采用的对比手法。比如，它会将早期的摇摆乐如何使用“号角组的齐奏”与后来的冷爵士如何运用“疏朗的独奏对答”进行并置分析。这种对比不是为了褒贬，而是为了凸显不同时代对“音乐叙事”的不同理解。通过这种方式，我不仅学会了“怎么做”，更理解了“为什么这么做”。作者的分析充满了对音乐史的深刻洞察力，他总能精准地指出某一技术变革背后的社会或艺术动机。这本书迫使我跳出自己惯常听歌的舒适区，去关注那些隐藏在旋律之下的结构逻辑。它不是简单地教授技巧，它更是在培养一种对爵士乐“整体生态”的敬畏和理解。阅读它，就像是得到了一把钥匙，能打开通往理解爵士乐精髓的另一扇大门。

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我对这本书的排版和印刷质量非常满意。作为一个对视觉体验有要求的人，书籍的物理呈现常常影响我阅读的欲望。这本书的纸张选择偏向哑光，这使得在灯光下阅读时，谱例和文字都不会产生刺眼的反射，对长时间的钻研非常友好。更重要的是，那些关于对位法和声部引导的图示，绘制得极其清晰。我曾经为了弄懂某个复杂的转调手法，对照着好几本书籍，但总是因为图表不够直观而感到困惑。这本书在这方面做得极为出色，它使用不同的颜色和粗细的线条来区分主旋律、低音声部和和声支撑，使得原本抽象的音乐结构一目了然。这不仅仅是一本“看”的书，更是一本需要“动手操作”的书籍，每一个图例都引导着你去拿起你的乐器，亲身去感受文字所描述的声学效果。这种高标准的制作工艺，让这本书物超所值。

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说实话，我购买这本书的初衷是希望能找到一些关于如何“创新”爵士乐编曲的独到见解。市面上很多编曲书都停留在对经典标准的模仿和解构上，这让我感到有些审美疲劳。然而，这本书的视角非常独特。它并没有过多纠缠于历史的细节，而是把重点放在了“思维模式”的培养上。我特别欣赏其中关于“空间感”和“留白”的论述。作者强调，最精彩的编曲往往不是将所有声部填满，而是懂得在哪里“停止”——这种对停顿和寂静的强调，在强调密集的器乐演奏的爵士乐领域，显得尤为宝贵和深刻。书中举的例子大多是比较现代的、带有后波普色彩的片段，这为我的创作打开了全新的思路。我开始尝试在我的练习中，刻意地减少一些声部的密度，去倾听那些被我忽略的、由稀疏音符构成的微妙张力。这本书更像是一面镜子，它照见的不是如何复制别人的声音，而是如何发掘自己内心深处对音乐“呼吸”的理解。

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