具体描述
"The Goldenberg book" has been used for generations for orchestral mallet players to develop their skills. As well as studies and etudes, this book includes excerpts of major orchestral repertoire for keyboard percussion instruments. This edition, edited by Tony Cirone, includes phrasings that were inherent in the music but not specifically written out. Stickings were also addressed; the original stickings are in upper case letters, and the added stickings are in lower case. This book is the primary source for keyboard percussion players to learn technique and orchestral repertoire.
好的，这是一本关于“二十世纪欧洲艺术音乐中的结构主义与非线性叙事”的图书简介。 《音符的迷宫：二十世纪欧洲艺术音乐中的结构主义与非线性叙事》 作者： [此处留空，或填写虚构作者名，例如：伊利亚·文森特] 出版社： [此处留空，或填写虚构出版社名，例如：维度音乐学出版社] 出版年份： [此处留空，或填写虚构年份，例如：2023年] ISBN： [此处留空，或填写虚构ISBN] 页数： 约550页 --- 内容概要 本书深入剖析了二十世纪欧洲艺术音乐中，结构主义美学与非线性叙事策略的复杂交织。它并非对某个特定作曲家或流派的简单回顾，而是聚焦于一种深层的、跨越风格的本体论转向：音乐如何从传统的线性、因果驱动的时间观，转变为一种基于空间化、碎片化和多重可能性的结构构建。 自勋伯格的无调性探索至后来的序列主义、偶然音乐以及后极简主义的某些倾向，欧洲的严肃音乐作曲家们持续挑战着听觉经验的传统边界。本书的核心论点在于，这些挑战并非孤立的技术创新，而是对哲学、语言学乃至科学领域中新兴结构主义思想的直接回应。 我们将探讨的核心议题包括：时间感知的重构、音乐材料的“去功能化”、以及“意义生成”的内在机制。本书旨在揭示，在这些看似高度理性的音乐结构背后，隐藏着对人类认知和时间体验的深刻反思。 第一部分：结构主义的奠基与音乐的“语言学”转向 (The Foundations) 本部分追溯了结构主义思想（尤其是在索绪尔、列维-斯特劳斯等思想家影响下）如何渗透到音乐领域。重点分析了二战后，尤其是在达姆施塔特夏季课程背景下，对全序列化（Total Serialism）的追求。 从动机到矩阵： 分析了韦伯恩（Webern）晚期作品中对音高、时值、力度和音色的系统性预置，以及这种系统性如何试图将音乐体验从“发展”导向“呈现”。 音组与空间化： 探讨了布列兹（Boulez）在《结构》系列中对纯粹结构的处理，以及他如何运用对数序列和斐波那契数列来组织音乐的宏观形态。在此，音乐的时间轴被转化为一个多维度的空间场域，听者必须在其中进行主动的“导航”。 反叙事性： 论述了结构主义美学如何拒绝传统的“戏剧性”或“发展性”叙事。音乐不再讲述一个故事，而是呈现一套自洽的、永恒不变的关系系统。我们审视了如何通过“等值”和“不变式”来消除传统意义上的高潮与解决。 第二部分：非线性叙事的策略与听觉的碎片化 (Strategies of Fragmentation) 如果说第一部分关注的是“如何建立结构”，那么第二部分则侧重于“结构如何被呈现以对抗线性感知”。本部分深入研究了那些故意破坏听者对时间连贯性预期的作曲手法。 偶然性与开放性： 考察了约翰·凯奇（John Cage）对“意图的放弃”所采取的路径，以及他的“概率音乐”如何将结构权力的核心从作曲家转移到环境与执行者。这并非结构松散，而是一种元结构的建立，即关于“如何发生”的结构，而非“发生什么”的结构。 分层与叠加（Stratification）： 重点分析了利盖蒂（Ligeti）的“微观多声部”技术。在这些作品中，大量的独立声部汇聚成宏大的、具有内在运动感的“音块”（Masses）。时间流逝感被稀释，取而代之的是对特定音响纹理的沉浸式体验。听者不再跟随旋律线，而是被包裹在声音的物质性之中。 回环与永恒的瞬间（The Eternal Present）： 深入分析了斯托克豪森（Stockhausen）在某些后期作品中对时间层级的划分和重叠（如“时间圈”的概念）。讨论了音乐如何试图模拟一种超越“过去-现在-未来”的顿悟时刻，通过不断的重复和细微的变异，使听觉焦点停滞于一个不断自我更新的“现在”。 第三部分：后结构主义的审视与意义的回归 (Post-Structural Reappraisal) 本书的最后部分将目光投向了20世纪后半叶，探讨了当结构主义的严密性被质疑后，作曲家们如何重新引入意义的维度，但这次的意义是内在的、自指的，而非外在的指涉。 循环与对立： 研究了欧洲作曲家对“回归”的复杂态度。这不再是古典主义的往复，而是一种对既有材料的解构性重组。例如，分析了如何通过在高度结构化的框架内引入“异质材料”（如采样的声音或大众媒体的引用），来制造一种结构内部的张力。 感官性与认知负荷： 讨论了高度复杂的结构主义音乐如何与听者的认知能力产生冲突。优秀的结构并不必然导致清晰的听觉体验。本章探讨了在结构严密性与听觉可接受性之间的微妙平衡点。 文本性与音乐本体论： 借鉴后结构主义的文本理论，将音乐结构视为一种“文本”，它不提供终极真理，而是提供解读的可能性集合。我们考察了某些后极简主义（如菲利普·格拉斯的早期作品）如何利用高度透明的结构，邀请听众参与到意义的“建构”而非“接受”过程中。 结论：结构之后的空间 本书总结道，二十世纪欧洲艺术音乐对结构主义的拥抱，本质上是一场深刻的本体论冒险：它试图证明，音乐的价值和美感可以完全来源于其内在的、抽象的、数学化的关系，而非依赖于传统的情感或模仿。这种冒险重塑了我们对音乐时间、听觉注意力和艺术意义的理解。它留下了一个持久的问题：当结构本身成为作品的全部内容时，听众的体验最终指向何方？ 目标读者： 音乐学、作曲学、哲学和艺术理论的专业学生、学者，以及对二十世纪前沿音乐实践有深入兴趣的专业演奏家和听众。本书假设读者具备一定的现代音乐理论基础知识，但力求在论证中提供清晰的语境支撑。
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