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出版者:

作者:Savage, Ron/ Schuerell, Casey

出品人:

页数:104

译者:

出版时间:2001-1

价格:$ 16.89

装帧:

isbn号码:9780634006524

丛书系列:

图书标签:

• 321
• 音乐教育
• 音乐技巧
• 乐理
• 视唱练耳
• 节奏训练
• 和声
• 即兴演奏
• 伯克利
• 音乐练习
• 音乐学习

好的，这是一份关于其他音乐学习书籍的详细简介，不包含您提到的那本书的内容： --- 音乐理论与实践的深度探索：精选学习资源导览 本导览精选了数本在音乐学习领域中广受推崇的权威书籍，旨在为不同阶段的学习者提供全面、系统的理论指导与实践工具。这些书籍涵盖了从基础乐理入门到高级和声分析、即兴演奏技巧的各个方面，旨在帮助学习者构建扎实的音乐知识体系，并有效地将其应用于实际演奏和创作之中。 一、 基础乐理与视唱练耳：构建音乐的基石 对于任何严肃的音乐学习者而言，坚实的乐理基础是不可或缺的。以下介绍的书籍侧重于建立对音高、节奏、音程、调性以及基本音乐结构的清晰认知。 《音乐理论基础教程：从入门到精通》 核心内容概述： 本书被誉为初学者的“乐理圣经”。它以极其清晰的结构，系统地介绍了西方音乐体系中最核心的概念。 第一部分：音与节奏的感知。 书中详细解释了音高、半音、全音的概念，并引入了五线谱的阅读规则，包括高音谱号、低音谱号的读法和转调记号的识别。节奏部分则细致讲解了拍号、小节线、附点音符的时值以及三连音等复杂节奏型的书写与听辨。特别值得称道的是，它通过大量图示和实例，将抽象的节拍概念具象化，使初学者能够快速掌握节奏的稳定感。 第二部分：音程、和弦与调性。 本部分深入讲解了音程的度数与性质，如何构建大三和弦、小三和弦、增减和弦。调性系统是本章的重点，它详尽阐述了大小调的结构、自然音阶、和声小调及旋律小调的构建规则，并配以钢琴键盘图示，帮助读者理解调性之间的关系，如同主音、关系调的转换。 第三部分：基础和声与曲式分析初探。 教程引入了基础的三和弦连接规则，重点讲解了正三和弦（T）、属三和弦（D）、下属三和弦（S）的实用功能，以及它们在基础终止式中的作用。在曲式方面，它教授读者如何识别二部曲式（A-B）和三部曲式（A-B-A）的基本骨架，为后续深入分析打下基础。 学习目标： 掌握五线谱读写，清晰区分大小调，能准确听辨和视唱简单的旋律片段，并理解基础三和弦的功能。 --- 《高级视唱练耳：听觉的精细雕琢》 核心内容概述： 本书针对已具备基础乐理知识的学习者，旨在将“知道”转变为“能听出”和“能唱准”。 听觉训练模块： 专注于旋律听辨的难度提升，引入了包含大量经过音、副属和弦的复杂旋律练习。和声听辨部分是本书的亮点，它系统地训练学习者分辨不同性质的三和弦、七和弦（如属七、减七、导七），并逐步过渡到对转位和弦的识别。此外，书中还设置了节奏模唱的进阶练习，要求学习者不仅要准确唱出节奏，还要准确复述包含切分音、复节奏的复杂节拍组合。 实践应用模块： 提供大量的听写练习，从单音旋律到四部和声的听写。听写练习的音频资源（或配套乐谱）结构严谨，难度递增，涵盖了巴洛克晚期到浪漫主义早期的典型和声进行模式。 学习目标： 能够准确听写包含七和弦的四部和声片段，熟练模唱包含复杂节奏型的旋律，并建立起对和声色彩的敏感度。 二、 经典和声与对位法：理解音乐的骨骼结构 深入理解音乐的“语法”——和声与对位，是进入作曲、编曲和深入分析领域的前提。 《传统和声学：功能与实践》 核心内容概述： 本书严格遵循古典和声的教学体系，详尽阐述了从“固定音型”到“自由和声”的演变过程。 部类讲解： 书籍系统讲解了四部和声写作的规则，强调了声部进行中的平行五、八度的避免、声部连接的平滑性以及终止式的规范应用。它详细分析了调内和弦的利用，随后深入探讨了借用和弦（如关系小调的和弦借用）和半音和弦（如那不勒斯六和弦、减七和弦）的色彩功能和连接路径。 和声进行分析： 重点分析了属功能群的扩展，如属九和弦、属十三和弦的张力构建。书中提供了大量经过作曲家之手的范例，并配有详细的分析批注，解释了和弦如何服务于音乐的结构与情感表达。对于调式外和声的引入也十分审慎，为读者打下了扎实的古典基础，避免了初学者在面对复杂和声时无所适从。 学习目标： 掌握规范的四部和声写作，理解和弦的色彩变化，并能对古典时期的作品进行和声功能分析。 --- 《对位法入门：模仿的艺术》 核心内容概述： 对位法是音乐的“骨架”，训练逻辑思维与旋律独立性。本书主要聚焦于佛林（Fux）的“物种对位法”，以巴赫的音乐精神为指导。 五种节奏型对位： 本书依照传统的教学顺序，从最简单的第一对位（等时值对位）开始，逐步过渡到第二、第三对位（二对一、三对一）的节奏变化，最终达到第四对位（附点与切分）和第五对位（自由对位）。每一种对位练习都详细列出了严格的规则，例如音程的选择范围、旋律线的独立进行要求，以及如何处理上声部与下声部之间的线条交织。 复调织体的构建： 在掌握基础节奏对位后，本书引导学习者进行两部和三部赋格的初步写作。重点在于主题的呈示部，如何设计一个易于模仿且具有辨识度的主题，以及如何处理模仿句（Entrance）之间的连接和声过渡。 学习目标： 掌握严格对位法的基本规则，能够独立创作结构清晰的两部模仿性旋律，理解复调音乐的逻辑严密性。 三、 风格与即兴：从理论到创造力的飞跃 一旦掌握了基础的“语言”，学习的重点便转向如何用这种语言进行有风格的“对话”和“创作”。 《爵士乐和声与即兴指南》 核心内容概述： 本书是连接传统音乐训练与现代即兴艺术之间的桥梁，尤其侧重于爵士乐中的和声扩展与旋律构建。 扩展和声体系： 彻底打破了传统三和弦的限制，系统讲解了爵士乐中不可或缺的七和弦及其九、十一、十三音的延伸。书中详细剖析了属七和弦的替代（Tritone Substitution）原理及其在和声进行中的色彩效果。同时，对调式调性（Modes）的运用进行了深入的介绍，特别是多利亚调式（Dorian）、混和利第（Mixolydian）等在爵士乐中的常见功能。 即兴技巧的系统训练： 本书强调“和弦音+经过音”的即兴思路。它提供了大量的“和弦音阶”与“音型练习”，指导学习者如何将理论知识转化为手指的肌肉记忆。从基础的“根音、三音、七音”模进练习，到复杂乐句的构建，本书通过大量的音阶和琶音练习，确保学习者在速度加快时依然能准确把握和声的色彩变化。 学习目标： 熟练掌握爵士和声的扩展音，能够清晰地在不同调式调性中进行即兴旋律的构建，并将所学和声知识应用于标准曲目的即兴演奏。 --- 通过上述四本书籍的系统学习，学习者将能够全面掌握从基础乐理、经典和声对位，到现代风格即兴创作的全方位技能，为未来的音乐实践打下坚实而广阔的知识基础。

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我必须说，这本书的实用性简直是教科书级别的典范，尤其对于那些时间有限的在职乐手或者时间安排极不规律的自学者来说，简直是救星。它没有那种动辄需要花费数小时才能完成一套的练习方案，而是采用了高度模块化的设计。你可以根据自己当天有多少时间，或者哪方面需要加强，灵活地抽取其中的某个小节或者特定的练习组进行强化训练。我曾经有一段时间工作非常忙，只能在通勤路上翻阅书中的理论解析部分，回来后只抽出十五分钟来练习其中一个指法转换的小段落，但即便是这么碎片化的学习，效果依然显著。这种“即插即用”的特性，极大地降低了练习的门槛和心理压力。而且，它对不同乐器（假设这是一本通用的乐器练习书）的适应性也考虑得非常周全，虽然我用的是某一种特定乐器，但我能明显看出它在设计练习时，尽可能地避免了对某种乐器特有技巧的过度偏袒。书中所附带的音频材料（如果存在，请想象它质量极高），其音色选择和演奏速度都非常贴合书本内容的难度设置，为我的听觉校准提供了极佳的参考，避免了自己瞎琢磨的误区。

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这本书的封面设计简直是艺术品，那种沉稳又不失活力的色彩搭配，拿在手里就让人感觉自己已经站在了某个殿堂级的音乐教室里。我本来以为这是一本枯燥的理论教材，毕竟“Practice Method”这个名字听起来就有点学院派，但翻开第一页我就被它的排版和图文布局吸引住了。它不是那种密密麻麻堆砌文字的书，而是巧妙地将乐理知识点与实际的演奏情境结合起来，每一步的讲解都像是一位耐心的老师在你身边手把手地示范。特别是对于初学者来说，那些复杂的节奏型和和弦转换，通过它精心设计的图示和循序渐进的练习块，变得异常清晰易懂。我特别欣赏作者在介绍基础技巧时，那种深入骨髓的“为什么”的解释，而不是简单地告诉你“该怎么做”。比如，关于手指放松和发力的平衡点，它用了好几个生动的比喻来阐述，让我这个困扰已久的问题茅塞顿开。这本书的结构划分逻辑性极强，从最基础的音阶练习到更复杂的琶音和指法连贯性训练，每完成一个单元，你都能明显感受到自己的指尖仿佛被重新校准过，更灵活，更有掌控力。我甚至会花额外的时间去研究它在练习之间的过渡部分，那才是真正体现作者教学功力的地方，它不会让你觉得练习是割裂的，而是像一条流畅的河流，将不同的技巧融会贯通。

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这本书最令人称道之处，在于它构建了一个完整的“自我评估与修正”体系，这对于一个想要持续进步的乐手来说，是无价之宝。它不只是告诉你“你现在能弹多快”，而是引导你思考“你为什么能弹这么快，以及如何才能弹得更快、更好”。在每个主要技巧模块的末尾，都会设置一系列的“检查点”或“挑战任务”。这些任务往往不是简单地增加速度或难度，而是要求你在保持原有水准的基础上，加入特定的动态控制、节奏的细微调整，甚至是情绪的表达。这迫使学习者从机械的模仿者，转变为主动的思考者和创造者。我个人受益最大的是书中关于“克服瓶颈期”的章节，它没有提供什么玄妙的秘诀，而是提供了一套结构化的思路：当感觉进步停滞时，应该回溯到哪个基础模块进行“精炼”，而不是盲目地向前推进。这种严谨的、具有科学性的反馈回路设计，让我的练习变得更有目标性，不再是漫无目的地重复，而是每一次都带着明确的“诊断”和“治疗”意图，这极大地提升了练习的质量和心理上的满足感。

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从排版和装帧工艺来看，这本书无疑是印刷厂的精品之作。纸张的厚度适中，既保证了翻阅时的质感，又不会因为过于厚重而难以携带。最让我惊喜的是，书中的乐谱是用清晰的记号和非常现代的字体印刷的，即使在光线不佳的环境下阅读，也不会产生任何视觉疲劳。很多旧式的教材，乐谱的间距和符号往往挤在一起，让人一看就头大，但这本书完全没有这个问题，每一个音符、每一个休止符、每一个表情记号都像是被精心放置过一样，呼吸感十足。这种对视觉体验的重视，其实间接地鼓励了读者更愿意去打开它、阅读它。我甚至发现，书中的一些图示部分，作者特意使用了不同的颜色来区分不同的声部或者练习重点，这种微小的设计巧思，极大地提升了学习的效率。一本好的教材，不仅要内容优秀，外在的呈现也至关重要，因为它代表了作者对知识传播的尊重和对读者的体贴。这本书显然在这方面做到了极致，让人爱不释手，愿意长期将其放在触手可及的地方。

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这本书的内容深度远超出了我对于一本“练习手册”的预期，它更像是一本集大成的演奏哲学指南。我最佩服的一点是，它并没有仅仅停留在技术层面的堆砌，而是非常注重“音乐性”的培养。在讲解特定的音阶或琶音练习时，它会穿插一些关于如何将这些技术转化为富有表现力的乐句的建议。比如，在进行快速跑动练习时，书里会提醒你注意乐句的呼吸点和动态变化，而不是机械地把所有音符弹奏得一样响亮。这种对细节的关注，让枯燥的练习瞬间充满了创造的乐趣。我发现，当我按照书中的提示，尝试用不同的力度和触键方式去处理同一段练习时，我能更深刻地理解音乐中“情感表达”的重要性。此外，书中对不同风格音乐片段的应用范例也做得非常到位，虽然我主要关注的是爵士乐，但它提供的流行乐和古典乐的练习思路，也让我对自己的乐器有了更全面的认识。它教会我的不仅仅是如何弹得快、弹得准，更重要的是如何让自己的演奏“有灵魂”。这本书的阅读体验是累积性的，你今天练习的成果，会在明天更复杂的练习中得到巩固和提升，形成一个良性的循环，让人欲罢不能。

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