具体描述
A Conductor's Guide to the Choral-Orchestral Works of the Classical Period, Part I: Haydn and Mozart is the fourth volume in Jonathan Green's innovative study of the vast body of choral-orchestral repertoire. A treasure-trove for conductors of choir and orchestras, in this volume all of the masses, oratorios, cantatas, litanies, vespers, and minor sacred works of Haydn and Mozart are carefully examined. For each work, the author has compiled the text source, duration, date of composition, date and place of premiere, location of manuscript materials, commercially available editions, a selected discography, a bibliography, and a brief history of the work. Most importantly, the performance concerns for the choir, orchestra, and soloists of each work are evaluated and described. This will prove to be an invaluable programming aid for conductors and a touchstone for anyone embarking on research into this music.
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用户评价
这本所谓的“指挥指南”读起来简直让人摸不着头脑，尤其是对于那些像我一样，对古典时期合唱与管弦乐作品抱有深切热情，却又渴望获得实际操作技巧的音乐家来说。我原本期待能从中找到一些关于巴赫晚期或莫扎特安魂曲中复杂声部平衡的深度剖析，或者至少是对那个时代特定乐队配置和音响效果的细致探讨。然而，书中大量篇幅似乎都花在了对作曲家生平的泛泛而谈，以及一些听起来非常宏大但缺乏具体指导的哲学思考上。例如，关于“如何捕捉海顿弥撒曲中的神圣精神”这一章节，作者只是反复强调“倾听与敬畏”，却从未提及在实际排练中，如何解决铜管乐器在弱奏时被弦乐掩盖的常见难题，或者如何有效地引导木管声部在清晰度与圆润度之间取得平衡。这就像一个厨师指南，告诉你食物应该美味，却不告诉你具体的烹饪步骤和火候控制。对于一个需要面对真实乐谱、真实乐团和真实时间压力的指挥者而言，这种“意境式”的教学法显得极其不负责任和不接地气，简直是浪费纸张。
评分从装帧和排版来看，这本书也透露出一种廉价和仓促的感觉。纸张的质量粗糙，印刷的清晰度时好时坏，尤其是一些试图展现复杂分声部记谱的插图，简直模糊到让人看不清究竟是弱音记号还是表情术语。更别提它的“学术”引用部分，几乎可以忽略不计。任何一本真正有价值的音乐学或指挥学著作，都会提供详尽的参考文献列表，以便读者追溯其论点的来源或深入研究特定主题。但此书在这方面近乎一片空白，这让人不禁怀疑，作者的许多“深刻见解”究竟是基于扎实的音乐史料和演奏实践，还是仅仅是他个人的、未经充分验证的主观臆断。作为一个严肃的音乐学习者，我需要的是可验证的信息和严谨的论证链条，而不是一本充满了个人独白，却缺乏学术根基的“指南”。这本书在专业领域的严肃性上，远远没有达到一个合格的水准线。
评分这本书的语言风格，用一个词来形容就是“故作高深”。作者似乎非常热衷于使用晦涩难懂的德语或意大利语音乐术语，但往往没有提供清晰的解释或在语境中加以说明，仿佛读者都拥有多年留德深造的背景知识。很多句子读起来非常冗长和拗口，充满了修饰语，但核心信息却被层层包裹，难以提炼。举个例子，当谈及乐团在慢速乐章中如何“渗透”合唱时，他使用了大量关于光线折射和空间几何的比喻，这让我非常困惑——我需要知道的是如何通过调整敲击钹的力度或弦乐弓法的细微变化来控制音量和音色，而不是听一堂关于现象学的课程。对于一个需要快速理解并转化为行动指令的指挥者来说，这种文学性过强的叙述方式是巨大的障碍。它与其说是“指南”，不如说是一份用高度艺术化语言撰写的、关于指挥家内心状态的冥想录。
评分我必须坦率地说，这本书的结构安排混乱得令人发指。翻阅目录时，我本以为会看到按时期、体裁（如清唱剧、弥撒曲、受难曲）或甚至按作曲家清晰划分的章节，以便于查阅和针对性学习。结果呢？它似乎是按照作者随性的思考流向组织内容的，章节之间的过渡生硬且逻辑跳跃极大。前一页还在讨论赋格的对位法，后一页可能就突然转到了十九世纪初期的歌剧声乐技巧，与古典时期合唱作品的核心议题关联性微乎其微。更令人沮丧的是，书中引用的乐谱范例少得可怜，而且那些零星出现的记谱符号也常常含糊不清，完全无法作为可靠的参考。我尝试用它来指导我对《创世纪》或其他早期清唱剧的准备工作，但最终还是不得不抛开它，转而依赖我珍藏多年的旧版指挥法教科书和历年音乐节的内部讲义。这本书更像是一本散文集，而非一本严肃的、面向实践的专业工具书，对于寻求解决实际排练问题的同行来说，它提供的帮助几乎为零。
评分最让我感到被欺骗的是，这本书的标题承诺了针对“古典时期”作品的指导，但内容中对贝多芬之后甚至浪漫主义早期作品的讨论，却占据了相当大的比例，这完全偏离了主题。如果它想成为一本通论，那就应该明确标示出来，而不是用“Classical Period”来吸引那些专注于莫扎特、海顿、早期贝多芬的专业人士。当我翻到关于配器法的部分时，发现它对古典时期清晰、透明的配器原则讨论甚少，反而花费了大量篇幅来分析早期瓦格纳式的管弦乐织体对合唱的“挑战”。这就像你买了一本关于基础会计学的教材，结果发现里面大部分篇幅都在讲解复杂的金融衍生品定价。这种错位感不仅浪费了我的时间，更动摇了我对作者专业判断的信任。购买此书的初衷——即深化对特定历史时期演奏实践的理解——完全没有得到满足，我感觉自己被一个过于宽泛且定位模糊的出版物误导了。
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