迷途症叶永青艺术之旅 pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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出版者:香港艺术中心

作者:叶永青

出品人:

页数:256

译者:

出版时间:2008-04

价格:0

装帧:

isbn号码:9789627287544

丛书系列:

图书标签:

艺术
叶永青
文化
叶永青
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具体描述

在线阅读地址 http://www.artwe.com/magazine.php?id=195

叶永青认为，艺术是与生命相似的痛苦和甘美混合在一起的东西，同时也是证明生活充满问题的一种方式。艺术家既是历史变迁、社会剧情、日常史诗的旁观者也是偶而参与的演员。既是"社会人",亦是"艺术人"。它的旁白和含蓄的批判往往引导着观众的思路，它是不生效的艺术家、语言者和社会行为的批判家。

《山海之间：中国古代山水画的意境与流变》图书简介本书以中国古代山水画为核心研究对象，深入剖析了自魏晋南北朝至清代的数千年间，山水画艺术如何从最初的描摹自然，逐步发展成为承载哲学思想、文人情怀与审美理想的独立画科。全书结构严谨，脉络清晰，力求在宏大的历史叙事中，捕捉那些决定山水画审美范式的关键转折点与核心艺术观念。第一部分：源起与雏形——混沌中的精神萌芽（魏晋南北朝至唐初）本部分追溯山水画的滥觞，探讨其如何在“气韵生动”的早期美学原则下，从人物画的背景元素中脱离出来，成为独立的艺术门类。重点分析了魏晋时期玄学思想对早期山水画“寄情山水”理念的渗透，以及顾恺之、陆探微等早期画家的实践对后世的影响。特别关注了荆浩、关仝等五代北方画派的崛起。这一时期的山水画，以其雄伟、崇高（Sublime）的特点，标志着中国山水画第一次确立了独立的主体意识。我们详细考察了荆浩的《匡庐图》等作品中，如何运用“大斧劈皴”等技法，来表现北方山脉的磅礴气势与冷峻精神，这种“可游、可居、可观”的理想山水，奠定了后世山水画的“可入性”基础。第二部分：格局的奠定——“南北两宗”的理论与实践（五代至北宋）北宋是中国山水画的黄金时代，其核心在于“范式”的确立与理论的成熟。本书将此阶段划分为注重“理”的“全景式”山水与注重“意”的“意境式”山水。李成的“寒林率意”，董源、巨然的“披麻皴”与江南烟雨气象的描摹，构成了“江南山水”的典范。董源的画作，被视为奠定后世文人山水画笔墨语言的基石，其温润的笔触与平远的布局，体现了对生命本真状态的关怀。与此同时，以范宽、郭熙为代表的北方山水，则将山水描绘推向了极致的“具象化”与“纪念碑性”。范宽的《溪山行旅图》被视为“师法自然”的巅峰，书中细致分析了其“高远、深远、平远”的理论构建，以及如何通过密集的点苔与厚重的石法，营造出令人敬畏的自然力量感。郭熙的《早春图》则展示了宋人对时间与光影的敏感捕捉，其“可行、可望、可游、可居”的理论，将观者的参与感提升到了新的高度。第三部分：文人的转向——山水画的内在化与笔墨的自觉（南宋至元代）南宋时期，随着国家政权的南迁和士大夫阶层的边缘化，山水画的重心从对自然景物的描摹，转向了对画家内心世界的抒发，即“抒写胸臆”。 “院体画”的精细化仍是重要支流，但真正的革命发生在文人画内部。赵孟頫提出的“书画同源”理论，彻底改变了山水画的审美取向，将笔墨的“用笔”提升到与“造型”同等重要的地位。元四家（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）的艺术实践，是本书浓墨重彩的部分。倪瓒：探讨其“一折不画”的极简主义美学，如何通过稀疏的笔墨和荒寒的意象，表达对世俗的疏离与高洁的操守。黄公望：分析其“皴法”的融合与“墨戏”的特征，特别是《富春山居图》中对生活场景的诗意转化。王蒙：侧重研究其繁密而富有层次感的“万点”山水，体现了“在有法中出新意”的复杂心境。元代山水画的成就，在于其彻底摆脱了对客观物象的依附，确立了以笔墨语言本身为载体的纯粹艺术表达。第四部分：墨法的演变与地域风格的分化（明清）明代山水画呈现出“复古”与“创新”并存的复杂局面。以“浙派”为代表的早期探索，仍继承北宋的雄大风格，但很快被以“吴门画派”为核心的文人复古浪潮所覆盖。沈周、文徵明等吴门画家，主要继承元四家，尤其对董源、倪瓒的笔法进行消化吸收，强调雅致、平和的文人趣味。唐寅、仇英则在不同的方向上拓展了山水画的表现力，前者融入浪漫与洒脱，后者则以精工复古，维持了院体画的精致。晚明时期，董其昌的“南北宗论”对后世影响深远，他确立了以文人画为“正统”的审美标准，强调“淡墨为上”，对传统进行了理论上的梳理和定型。清代山水画则进入了风格大集成与个体性张扬的阶段。 “四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）：系统性地总结了元明以来的笔墨传统，形成了“集大成”的官方审美范式，注重“以古为师”，将笔墨的规律性推向极致。 “四僧”（弘仁、髡残、八大山人、石涛）：本书着重分析了他们的“异端”精神。八大山人的“孤、拙、丑”笔法，以及石涛“我自成一家”的创造性颠覆，展现了在时代剧变下，画家如何通过极端的个人化笔墨，对抗僵化的传统，为近代山水画的变革埋下伏笔。石涛的“搜尽奇峰打草稿”，标志着中国山水画进入了高度主观的自我审视阶段。结语：流变中的永恒主题全书最终总结，中国山水画并非是对自然景观的简单复制，而是历代士大夫在特定历史语境下，对“天人合一”哲学、对个体生命价值、对审美理想的一种视觉化“述说”。从初唐的浑厚到元代的空灵，再到清代的结构性总结，山水画的艺术生命力始终根植于其不断自我更新的笔墨语言与日益深化的精神内涵之中。本书旨在为读者提供一条清晰的脉络，理解山水画如何成为中华文明精神图谱中最具包容性和哲学深度的艺术形式。

作者简介

叶永青(1958- )出生于昆明，1982年毕业于四川美术学院绘画系，现任四川美术学院教授。曾在北京、上海、新加坡、英国伦敦、德国慕尼黑、德国奥格斯堡、美国西雅图等地举办个展。参与重要联展：1989年中国现代艺术大展；1991年中国当代艺术文献资料展；1992年“92中国油画艺术展”、广州“首届九十年代艺术双年展”；1993年香港、澳大利亚“后89中国新艺术展”；1994年北京“中国艺评家年度提名展”；1996年德国“中国！”、北京“首届学术邀请展”、“首届上海美术双年展”；2000年北京“20世纪中国油画大展”；2002 年广州“中国艺术三年展”；2003年北京“开放时代”展。作品被中国美术馆等艺术机构收藏。

Ye Yongqing(1958- )

Born in KunMing， Yunna Province， China. Graduated in 1982 from the Oil painting department， Sichuan academy of Fine arts， ChongQing， China. Currently： Lives in Kunming， China； professor at the Sichuan a cademy of Fine arts， ChongQing， China. Solo Exhibitions： in 1989， Yeyongqing， French Embassy in China， BeiJing， China. In 1990， YeYongqing， Shuang Hexuan Gallery， Seattle， USA. In 1995， Live in the history， China Art studio， Augsberg， Germany. In 1999， China in Scholar’s Eyes， Soobin Art Gallery， Singapore； Ye Yongqing， Kailin Sax Gallery， Munich， Germany. In 2000， Ye Yongqing， China contemporary， London， UK. In 2001， Ye Yongqing， shanghART， Shanghai， China. Group Exhibitions： in 1989 China Avant- garde， National Art Museum， Beijing. In 1990， French Modern Fine Art Fair， Grand Palace Fine Arts Museum， France； I Don’t Want to Play Cards with Cezanne，Asia-Pacific Museum， Pasadena， California， USA. In 1992， The 1st Biennale of Art in the 90’s Guangzhou， Exhibition Center of the Center Hotel， Guangzhou， China. In 1993， China’s New Art， Post-1989，International Touring Exhibition； Mao goes pop， Museum of Contemporary Art， Sydney， Australia. In 1994， The Annual Exhibition of Works of the Artists Nominated by Art Critics， National Art Museum， Beijing， China. In 1995， Feel of Skin， Antony Art Center， France； Avantguardes Artisiques Xineses， Santa Monica Art Center， Spain. In 1996， China！ Touring Show in Germany， Austria， Poland， Denmark； Sharing the Dreams Jamaica Art Center， New York， USA. In 1997， Quotation Marks： Chinese Contemporary Art， Singapore Art Museum； Red and Grey： Eight Avant-garde Chinese Artists， Soobin Art Gallery， Singapore； Between Two Places， October gallery， London， UK. In 1998， China’s New Art Exhibition， Observatoire 4ed Montreal， Canada. In 1999， 1999 Chinese Art， LIMN Gallery， San Francisco， USA； Gate of the Century： 1979-1999 The Exhibition of Chinese Art， Chengdu. In 2000， China•Art in the Twentieth Century， Touring Show in Beijing and Shanghai； Tale of Two Cities， Asia Contemporary Art， London， UK. In 2001， Towards a New Image： Twenty Years of Contemporary Chinese Painting National Art Museum，Beijing Sichuan Art Museum， Chengdu Guangdong Art Museum， Guangzhou， China； China Art， Red Building Art Center， London， UK； The 1st Chengdu Biennale， Chengdu Modern Art Museum， Chengdu， China. In 2002， China Contemporary Art Exhibition， Duisburg Museum， Germany； China and Korea Contemporary Art Exhibition， Seoul， Korea； Behind The Reality， Dimen Center Arts， Taipei. In 2003， New Painting 2003， Yibo Gallery， Shanghai， China； The 1st Guangzhou Contemporary Art Triennial，Guangzhou， China.

目录信息

读后感

评分☆☆☆☆☆

用户评价

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版布局，可以说是现代平面设计美学的典范。每一页的留白都不是“空着”，而是精心计算过的视觉呼吸空间，让作品本身得以充分的“呼吸”和“被凝视”。我注意到，即便是并置两幅风格迥异的作品，设计师也能通过极简的分割线或统一的背景色块，建立起它们之间微妙的对话关系。这种对“静默之美”的把握，极大地提升了阅读的专注度。它尊重了观看行为本身，避免了信息过载带来的疲劳感，让读者能更沉浸、更专注地与每一幅画作进行一对一的交流。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对艺术史脉络非常感兴趣的读者，而这本书在梳理艺术家发展轨迹时，处理得非常巧妙。它没有采用生硬的年代划分，而是根据主题和风格的内在关联进行编排，使得整个阅读体验充满了一种探索的乐趣。比如，某一章节集中展示了艺术家在不同地域生活对创作的影响，那种地域风情如何被抽象化、内化为独特的视觉语言的过程，分析得鞭辟入里。这种非线性的叙事方式，反而更能凸显艺术家思想的流动性和创新性。对于想要系统了解其艺术生涯脉络的人来说，这本书提供了一个非常清晰且富有启发性的地图。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字部分虽然篇幅不算特别多，但选取的评论文章和艺术家的访谈片段，深度与广度都令人印象深刻。它不像有些艺术书籍那样堆砌术语，而是用一种非常平易近人却又不失深度的笔触，引导读者进入艺术家的内心世界。我尤其喜欢其中一段关于“时间与空间”的论述，它精准地捕捉到了艺术家在不同创作阶段对主题的侧重变化。阅读这些文字，我仿佛听到了艺术家在工作室里与自我对话的声音，那些关于坚持、探索和迷茫的片段，特别能引起处于创作瓶颈期的读者的共鸣。文字与图像的穿插安排得天衣无缝，相得益彰，共同构建了一个立体的艺术叙事。

评分☆☆☆☆☆

从一个纯粹的艺术爱好者角度来看，这本书最吸引我的地方在于它展现了一种难得的“诚实”。它没有刻意去神化艺术家，而是坦诚地记录了创作过程中的挣扎与突破。比如，某些初稿和最终定稿的对比展示，揭示了艺术决策的复杂性，让人明白杰作的诞生绝非偶然，而是无数次取舍和自我否定的结果。这种真实感，比任何华丽的赞美词都更有力量。它教会我如何带着批判性的眼光去看待艺术，去欣赏那些“不完美”中蕴含的巨大张力，这对于提升我自身的审美鉴赏能力，有着非常积极的作用。

评分☆☆☆☆☆

这本画册的装帧设计简直是艺术品级别的呈现，从纸张的选择到油墨的印刷质感，无不透露出对艺术的敬畏与用心。尤其是那些大幅面的作品复制品，色彩还原度极高，仿佛原作就在眼前呼吸。我个人特别欣赏它在细节处理上的考究，比如对光影层次的捕捉，即便是通过印刷品也能感受到那种微妙的笔触变化。每一次翻阅，都像是一场视觉的盛宴，让我对这位艺术家的创作过程有了更直观的理解。那些早期作品的留白处理，与后期色彩的浓烈形成了鲜明的对比，这种演进过程的设计师的功力令人赞叹。这本书不仅是作品集，更是一本精美的工艺品，值得收藏。

评分☆☆☆☆☆