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出版者:

作者:孟圆 编

出品人:

页数:220

译者:

出版时间:2009-8

价格:27.92元

装帧:

isbn号码:9787509710036

丛书系列:

图书标签:

• 音乐教学
• 视唱练耳
• 音乐基础
• 音乐技能
• 音乐理论
• 声乐
• 合唱
• 音乐教育
• 考级
• 乐理

深入理解与实践：现代声乐技巧与表演艺术 本书旨在提供一套全面、系统且与时俱进的声乐学习与表演指导，聚焦于科学的发声原理、多元化的演唱风格探索以及舞台实践中的专业素养培养。本书内容不涉及视唱练耳的任何理论或练习，而是完全专注于歌唱者从基础气息控制到高级舞台表现的完整路径。 --- 第一部分：人声的物理基础与科学发声 本部分将声乐训练建立在坚实的生理学和声学基础之上，摒弃传统上模糊的术语，采用清晰、可量化的描述来指导学习者建立正确的发声机制。 第一章：呼吸的工程学：气息的支撑与流动控制 本章深入剖析呼吸在声乐中的核心地位，将其视为驱动发声的“能源系统”。我们着重讨论呼吸的三个阶段——吸气、保持与呼气——在不同声乐强度和音区转换中的精确控制。 胸腔与腹腔的协同作用： 详细解析膈肌、肋间肌群在支撑中的角色，强调“横膈膜呼吸”的真正含义，即如何在保持胸腔扩张的同时，实现稳定、均匀的气流输出。 气压与流速的平衡艺术： 探讨歌唱时声带振动所需的气流速度与声带闭合所需的声门下压力的精确匹配。通过一系列基于物理反馈的练习（例如，使用测压设备或简单的气流可视化工具），使学习者能够感知并调整气流的“密度”与“速度”。 气息的“储存”与“分配”： 讲解如何通过调整支撑肌肉的张力来延长气息的持续时间，以及在长乐句中进行“微调”气息分配的技巧，避免在中途出现气息不稳或“耗尽”现象。 第二章：声带的动力学：音高、音质与共鸣的调控 本章聚焦于发声器官的核心——声带，解析其在不同音高和音色要求下的运动模式。 声带的闭合模式： 区分“胸声”、“头声”和“混声”的声带振动形态。不再仅仅描述声音的感觉，而是详细解释声带边缘的厚度变化、张力变化及其对泛音结构的影响。 基频的精准控制： 讲解如何通过喉部肌肉（环甲肌、甲状杓肌）的精细协作，实现对音高的精确控制，并探讨如何避免过度紧张导致的喉位僵硬。 共鸣腔的结构与优化： 将人声视为一个复杂的声学共鸣系统。详细分析口腔、咽腔、鼻腔和头腔在放大和美化音色中的作用。重点介绍如何通过调整舌位、软腭高度和下颌放松度，来最大化共鸣效率，实现“焦点集中”的声音。 --- 第二部分：风格的解构与演唱技巧的精进 本部分从科学发声的基础上出发，将理论应用于具体的演唱实践中，涵盖古典美声到现代流行音乐（不包括严格意义上的视唱练耳应用）的跨度。 第三章：音域的平滑过渡与声区整合 解决歌唱者普遍面临的“换声区”问题，目标是实现全音域声音的统一性和连贯性。 混合声区的构建（The Mix Voice）： 深入分析“混声”的声学原理，即如何在保持胸腔共鸣厚度的同时，有效激活头腔共鸣和更轻薄的声带质量。提供一系列渐进式的练习，用于消除从低音到高音之间的明显断裂感。 高音的轻松抵达： 摒弃“挤压”或“喊叫”的传统误区。讲解如何利用气流的稳定性和喉部的自然放松状态，让高音自然“浮现”，而非强行“推送”。 低音的深度与投射： 探讨如何保持低音的清晰度与穿透力，避免声音松散或沉闷。强调下沉的喉位与适当的腹部“锁定”感。 第四章：音色塑造与情感表达的张力 本章关注如何超越“唱准”和“唱稳”，实现有感染力的艺术表达。 音色的动态变化（Timbre Variation）： 学习如何有意识地改变音色，以适应不同的文本情绪和音乐风格。例如，如何从明亮的“聚焦音色”切换到温暖的“包围音色”，并保持音高的稳定。 颤音（Vibrato）的自然生成与控制： 将颤音视为健康发声的副产品，而非刻意制造的效果。分析颤音的周期与幅度，并提供恢复自然、均匀颤音的方法，以及如何控制颤音的出现时机和速度。 文本与音乐的融合： 探讨发音（咬字）在不同语言（如意大利语、德语、英语、中文）中的声学要求，确保清晰度不以牺牲声乐质量为代价。深入讲解如何通过声音的色彩和动态来诠释歌词的内在含义。 --- 第三部分：舞台实践与专业素养构建 本部分将训练的焦点转向实际演出环境，培养歌唱者的职业习惯和舞台心理素质。 第五章：舞台适应性与麦克风技术 现代声乐表演环境日益复杂，本章提供了在不同拾音和扩音条件下保持最佳状态的策略。 声学环境的快速适应： 讲解如何在空旷的音乐厅、录音棚或小型的扩音场地中，实时调整气息力度和共鸣腔体，以达到平衡的听觉效果。 麦克风技术基础（针对流行与舞台剧）： 如果涉及非古典曲目，本章将详细讲解麦克风的拾音模式（心形、超心形等），以及歌手应如何定位，以最大化音质，同时避免喷麦和反馈。 监听系统的优化： 学习如何与音响师有效沟通，确保舞台上获得的监听信号是准确且有助于演唱的。 第六章：心理韧性与舞台呈现 强大的心理素质是卓越表演的基石。 消除舞台焦虑（Stage Fright）： 提供基于认知行为学和生理放松技术的实用方法，帮助歌唱者将肾上腺素转化为表演的能量，而不是阻碍。 形象塑造与肢体语言： 探讨非语言沟通在舞台上的重要性。如何利用身体姿态、眼神交流和面部表情来增强音乐叙事，确保身体的放松与声音的开放性不受限制。 排练的效率与自我评估： 建立一套高效的日常练习流程，强调结构化练习的重要性。教授如何进行客观的自我录音分析，识别并解决技术上的盲点，从而加速专业技能的进步。 --- 总结： 本书旨在为严肃的声乐学习者、表演者以及音乐教育者提供一本以科学为导向、以实践为核心的参考书。它避开了音乐理论与基础技能训练（如视唱练耳），而专注于构建一个坚固、灵活且富有表现力的人声机器，并将其成功地推向舞台。

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作为一个已经学习音乐一段时间的爱好者，我一直在寻找一本能够系统梳理和深化我对音乐理解的书籍。这本书的出现，可以说正好填补了我的这一需求。它在音乐理论的深度上做了很好的拓展，对于一些在基础教材中一带而过的内容，这本书进行了更为详尽的阐释和分析，例如对赋格的结构解析，对不同调式音阶的特点对比，都做得非常到位。我尤其喜欢其中关于音乐分析的部分，作者提出了很多有启发性的分析框架，让我能够更加结构化地去理解和解读一首作品。这本书不是那种“速成”的教材，它需要读者付出时间和精力去研读，去思考，但回报是丰厚的。读完之后，我感觉自己在音乐的理论和分析能力上都有了显著的提升，能够以更专业、更深入的眼光去面对各种音乐作品。

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这本书的装帧设计相当吸引人，封面色彩柔和，字体清晰，整体给人一种宁静而又充满探索的学术氛围。初次翻开，就被其中精美的插图所吸引，这些插图不仅装饰了页面，更重要的是，它们以一种直观、形象的方式呈现了书中一些抽象的概念，比如音程的形状、节奏的律动等。我尤其喜欢其中对不同时期音乐风格的视觉化解读，那些精心绘制的乐器图谱和作曲家肖像，让枯燥的音乐理论变得生动有趣。阅读的过程中，我感觉自己仿佛置身于一个音乐的博物馆，每一页都藏着一段历史，一首旋律。纸张的触感也很舒适，翻阅时有沙沙的细语，非常适合长时间的沉浸式阅读。包装也非常牢固，书页边缘都没有任何磕碰，看得出商家在细节上的用心。整体而言，这本书在视觉呈现和阅读体验上都做得非常出色，即使是对音乐不太了解的读者，也可能会被它的美学设计所吸引，进而引发对音乐的好奇心。

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我一直对音乐的感知和理解有着浓厚的兴趣，而这本书恰恰满足了我在这方面的探索欲。它提供了一种全新的视角来审视音乐，不仅仅是听旋律，更是去“听”结构、去“听”情绪、去“听”背后的逻辑。书中关于音乐的听觉训练部分，设计得非常细致，从最基础的音高辨别，到复杂的和弦性质识别，每一步都伴随着清晰的指导和有效的练习方法。我尝试了书中的一些听辨练习，发现自己的听觉能力确实在不断提升。过去只能模糊感知到的音乐细节，现在能够逐渐分辨得更加清楚，这让我感到非常惊喜。更重要的是，这本书让我认识到，音乐的魅力不仅仅在于其优美的旋律，更在于其内在的秩序和规律。这种理解让我对音乐的欣赏上升到了一个新的层次，也让我对未来的音乐学习充满了信心。

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这本书的内容深度和广度让我印象深刻。它不仅仅是简单地罗列一些音乐理论知识点，而是通过一种循序渐进、由浅入深的方式，将复杂的音乐概念层层剖析，直至清晰明了。我特别欣赏作者在解释一些核心音乐原理时所采用的比喻和类比，这些方法极大地降低了理解门槛，让我这个非科班出身的音乐爱好者也能轻松掌握。例如，书中对和声进行的阐述，用到了建筑学的结构来类比，一下子就让“根音”、“三音”、“五音”这些概念变得立体起来。而且，作者非常注重理论与实践的结合，书中的练习题设计得非常巧妙，既能巩固所学，又能激发我的思考。完成练习后，那种豁然开朗的感觉，是单纯阅读理论书籍无法比拟的。这不仅仅是一本“看”的书，更是一本“用”的书，它鼓励读者动手去尝试，去感受，去创造。

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这本书给我的感受是非常“实在”的。它没有花哨的辞藻，也没有空洞的理论，而是将大量的音乐实践经验和科学的研究方法融为一体，提供了一套非常实用且有效的学习路径。书中对于一些常见的音乐学习误区的纠正，以及针对不同学习者提出的个性化建议，都体现了作者深厚的教学功底和对音乐学习过程的深刻理解。我特别受益于书中关于如何提高学习效率和克服学习瓶颈的章节，这些内容不仅适用于音乐学习，甚至可以类比到其他领域的学习中。此外，作者还分享了许多自己学习和教学过程中的宝贵经验，这些“干货”对于我这样的自学者来说，简直是如获至宝。读这本书，就像是请教了一位经验丰富、耐心细致的音乐导师，让我少走了很多弯路，学习过程也变得更加有条理和高效。

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