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出版者:北京工艺美术

作者:林瀚|主编

出品人:

页数:118

译者:

出版时间:2011-1

价格:48.00元

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isbn号码:9787805268897

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跨越时空的对话：中国古代艺术的璀璨篇章 一卷入古，万象更新：品读中国古代工艺美术的深邃魅力 本书并非聚焦于单一的陶瓷门类，而是以广阔的视角，系统梳理了中国古代不同历史时期、不同地域、不同材质的工艺美术成就。我们旨在为读者构建一个全景式的艺术图谱，领略中华文明在器物层面所展现出的非凡创造力与审美情趣。 第一部分：青铜的雄浑与礼制——从夏商到秦汉的金属艺术 本部分深入探讨了中国青铜器发展史中，技术革新与社会功能的紧密关联。我们将从早期的二里头文化遗址出土的原始铜器开始，追溯至商代晚期，那些纹饰繁复、气势恢宏的饕餮纹鼎、斝和爵。重点分析了商周青铜器铸造技艺的巅峰，如失蜡法（范铸法）的精妙运用，以及铭文（金文）在记录历史、确立礼制中的关键作用。 随后，我们将目光投向春秋战国时期，这是一个技术飞跃与审美变迁的时代。书中细致描绘了错金银工艺的成熟，探讨了青铜器纹饰从狞厉威严向写实、生活化转变的文化动因。楚文化青铜器的浪漫主义风格，与中原地区严谨的礼器体系形成鲜明对比，展现了区域文化的独立发展脉络。 秦汉时期的青铜器，在经历了战乱后的统一与稳定中，呈现出厚重、简练的新风貌。本部分还会涉及汉代画像镜的精美工艺，探讨其作为生活用品、艺术载体以及信仰符号的多重属性。通过对这些金属遗存的解读，读者可以清晰地洞察古代社会结构、宗教信仰及工匠精神的变迁轨迹。 第二部分：玉石的温润与永恒——礼玉、瑞玉与赏玩之道的演变 玉器在中国文化中占据着至高无上的地位。本书第三辑将玉器的历史脉络划分为史前文明的萌芽期、礼玉制度的鼎盛期，以及文人审美兴起的阶段。 我们从红山文化和良渚文化的琮、璧、钺等史前玉器入手，分析其抽象的几何造型所蕴含的宇宙观和原始宗教信仰。进入夏商周，玉器成为“君子比德于玉”的道德载体。书中会详尽对比不同时期璧、瑗、环的形制差异，并探讨玉器在丧葬礼仪中扮演的角色。 魏晋南北朝至唐宋，随着佛教的兴盛与士人阶层的崛起，玉器的审美重心逐渐从祭祀转向了世俗化和生活化。唐代新疆和田玉的输入，极大地丰富了玉雕的材质与主题。宋代文人对“古玉”的推崇，催生了新的仿古风尚和高超的仿制技术。书中将专门辟章节探讨宋元明清时期玉器中“仿古”与“创新”的交织，例如明代琢制的仿汉代玉器，以及清代乾隆时期将玉雕技艺推向极致的“鬼工材”作品，如仿制竹木、花卉的微观雕刻。 第三部分：锦绣的斑斓与丝路的交响——纺织、染绣的辉煌成就 中国是丝绸的故乡，纺织技术一直是古代科技的骄傲。本卷将重点考察不同朝代织物的技术进步与艺术风格的迭代。 从汉代的素纱禅衣对轻薄织物的极致追求，到唐代联珠纹、宝相花纹等吸收西域风格的繁复织锦，再到宋代追求自然雅致的写意纹样，每一种织物都深刻地反映了当时的时代精神。书中将详细介绍提花技术的发展，特别是宋锦、蜀锦、云锦等地方名锦的工艺特点和历史地位。 此外，刺绣艺术是本部分不可或缺的篇章。我们将梳理苏绣、湘绣、蜀绣、粤绣“四大名绣”的源流，并重点分析宋代刺绣如何从宗教用途走向仕女画的模仿，及其在配色和针法上所体现出的高超技艺。通过对出土丝织品和传世实物的分析，读者将能直观感受中国古代服饰文化与纺织技术的完美结合。 第四部分：建筑的格局与雕饰——木石间的精神寄托 虽然本书主体聚焦于可移动的工艺品，但我们也将通过对古代建筑构件和附属装饰艺术的考察，来佐证整个工艺体系的宏观发展。 本章将介绍中国古代木结构建筑的榫卯智慧，这是古代工匠结构力学的最佳体现。重点分析唐宋木构架的雄伟端庄，与明清时期斗拱的繁复化趋势。同时，我们将细致审视那些承载着吉祥寓意和世俗故事的装饰元素：如殿宇上的脊兽、梁枋上的彩画、门窗上的木雕和石雕。这些装饰艺术往往与绘画、雕塑和色彩学紧密结合，是古代审美哲学的立体展现。 结语：器物背后的文化密码 全书最后将引导读者超越对器物表象的惊叹，转而思考这些工艺品在中国社会中的实际功能、工匠的社会地位以及其背后蕴含的文化密码。从青铜的威严到玉石的温润，从丝绸的华美到木石的坚韧，它们共同构筑了一个绵延数千年的工艺美术史，是中华文明持续发展与审美创新的实物见证。本书旨在提供一种深入、全面且富有洞察力的观察角度，使读者得以与那些沉默的古代杰作进行一场有深度的对话。

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这部关于中国古代艺术的著作，从浩瀚的瓷器海洋中撷取出最璀璨的几朵浪花，聚焦于那些流传海外、历经沧桑的珍贵遗珍。我特别欣赏作者对于这些“流亡”文物背后历史脉络的梳理，它不仅仅是一本图录，更像是一部微缩的全球贸易史和文化交流史。书中对宋元明清不同时期，尤其是在景德镇官窑体系成熟之后，那些外销瓷器上图案的演变、釉色的细微差别，进行了极其深入且富有洞察力的分析。比如，对特定时期葡萄牙或西班牙王室定制瓷器上，中西方元素如何巧妙融合，那种带着异域风情却又根植于中华制瓷传统的独特美学，描述得入木三分。阅读过程中，我仿佛能触摸到那些在异国宫廷里被珍视、在深海沉船中被掩埋，最终重见天日的瓷片所承载的重量。作者的文笔兼具学者的严谨与收藏家的激情，使得原本可能枯燥的断代和款识考证，变得引人入胜，让人不禁对古人的匠心和那段风云变幻的时代心生敬畏。

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对于一个长期关注明清家具和书画的读者来说，这部瓷器专著对我产生了极大的“跨界”启发。以往我总认为瓷器是独立的艺术门类，但阅读后才发觉，单彩的纯粹性与文人画的写意追求有着异曲同工之妙，而五彩的繁复堆砌与清代宫廷绘画的装饰性风格，脉络是相通的。作者在描述某件永乐甜白釉的质感时，用了“凝脂”、“月华”等词语，这些词汇的文学性极强，完全可以用来描述上好的宣纸或绢本上的晕染效果。书中对特定款识的辨伪技巧，也极其务实，它不只是告诉你“真品是什么样”，更重要的是教你“赝品错在哪里”，这种侧重于技术分析的描述，对于提升普通爱好者的鉴赏能力非常有帮助。总而言之，这是一本能让不同领域的艺术爱好者都能从中汲取营养、拓宽视野的宝藏之书。

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这本书的结构安排，体现了编者极高的专业素养和清晰的逻辑思维。它没有采取简单的编年体或按釉色分类的方式，而是围绕“贸易路线”和“文化碰撞点”来组织材料，这使得阅读过程充满了一种探险的乐趣。例如，有一章节专门讨论了通过丝绸之路和海路运往中东地区（如伊朗和土耳其）的青花瓷，这些瓷器在当地被视为权力和财富的象征，其上的纹饰如何被当地的金属匠人模仿和改造，最终又形成一种新的艺术风格。作者对这些文化回流和再创作的细节捕捉得非常到位，不仅展示了中华瑰宝的强大生命力，也细腻地描绘了不同文明间那种既竞争又互相滋养的复杂关系。我尤其欣赏其中关于“缺失的环节”的讨论，那些因为战乱或沉船而失传的实物，仅凭文献推测其原貌，这种带着遗憾和探索精神的写作方式，非常引人入胜。

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坦白说，我对中国古典艺术的研究一直停留在比较粗浅的层面，但这部关于海外珍藏的汇编，成功地打破了我对传统“故宫藏品才是正宗”的固有观念。它展示了一个更加广阔、更加国际化的中华艺术图景。书中对一些在欧洲私人藏家手中流传有序、但国内博物馆中极少露面的精品进行了详尽的考证和高清复原。这种“他山之石”的视角，让我看到了中国工艺在输出过程中，如何反哺甚至重塑了欧洲本土的陶瓷工业。作者在探讨五彩瓷上的“开窗”技法时，特意引入了当时荷兰东印度公司对图案的“修改意见”，这种对商业需求如何影响艺术风格的探讨，实在是非常新颖和深刻。它揭示了美学标准并非一成不变，而是随着贸易路线和权力中心的转移而不断波动的历史动态。

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我最近翻阅的这本书，在色彩的运用和视觉呈现上达到了一个令人惊叹的高度。它并没有像某些学术专著那样，将图片处理得过于程式化和失真，而是非常成功地捕捉到了单彩瓷器那种温润如玉的光泽，以及五彩瓷器上釉料烧制后呈现出的那种微妙的层次感和生命力。尤其对一些极罕见的单色釉，比如天青、祭红的描述，简直是用文字作画。作者似乎对光线如何影响瓷器表面的视觉效果有着深刻的理解，他细致地描绘了不同光线下，同一件五彩盘上花鸟纹饰的阴影变化，这种对“观看经验”的捕捉，极大地提升了阅读体验。对于初涉瓷器鉴赏的爱好者来说，书中提供的对比图例（比如同朝代不同窑口在釉料纯度上的差异），是极佳的“练眼”教材。它让我意识到，欣赏这些艺术品，远不止于认识花纹，更在于感受材料与火焰之间那场跨越时空的对话。

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