Bauhaus 1919-1933

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出版者:The Museum of Modern Art, New York
作者:Barry Bergdoll
出品人:
页数:344
译者:
出版时间:2009-12-11
价格:USD 75.00
装帧:Hardcover
isbn号码:9780870707582
丛书系列:
图书标签:
  • 设计
  • 包豪斯
  • 艺术史
  • 现代主义
  • A
  • Bauhaus
  • 1919-1933
  • 设计
  • 建筑
  • 现代主义
  • 艺术
  • 历史
  • 风格
  • 简约
  • 功能主义
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具体描述

The Bauhaus, the school of art and design founded in Germany in 1919 and shut down by the Nazis in 1933, brought together artists, architects and designers--among them Anni and Josef Albers, Herbert Bayer, Marcel Breuer, Lyonel Feininger, Walter Gropius, Johannes Itten, Vasily Kandinsky, Paul Klee, Laszlo Moholy-Nagy, Lilly Reich, Oskar Schlemmer, Gunta Stolzl--in an extraordinary conversation on the nature of art in the industrial age. Aiming to rethink the form of modern life, the Bauhaus became the site of a dazzling array of experiments in the visual arts that have profoundly shaped the world today. "Bauhaus 1919-1933: Workshops for Modernity," published to accompany a major multimedia exhibition, is The Museum of Modern Art's first comprehensive treatment of the subject since its famous Bauhaus exhibition of 1938, and offers a new generational perspective on the twentieth century's most influential experiment in artistic education. Organized in collaboration with the three major Bauhaus collections in Germany (the Bauhaus-Archiv Berlin, the Stiftung Bauhaus Dessau and the Klassic Stiftung Weimar), "Bauhaus 1919-1933" examines the extraordinarily broad spectrum of the school's products, including industrial design, furniture, architecture, graphics, photography, textiles, ceramics, theater and costume design, painting and sculpture. Many of the objects discussed and illustrated here have rarely if ever been seen or published outside Germany. Featuring approximately 400 color plates, richly complemented by documentary images, "Bauhaus 1919-1933" includes two overarching essays by the exhibition's curators, Barry Bergdoll and Leah Dickerman, that present new perspectives on the Bauhaus. Shorter essays by more than 20 leading scholars apply contemporary viewpoints to 30 key Bauhaus objects, and an illustrated narrative chronology provides a dynamic glimpse of the Bauhaus' lived history.

《现代主义的熔炉:魏玛共和国时期的艺术与社会变革》 导言:一个时代的脉动 本书深入剖析了魏玛共和国(Weimar Republic)时期,即1919年至1933年间,德国社会经历的剧烈动荡、前所未有的文化实验以及政治上的脆弱性。这段历史时期不仅是德国从帝制走向民主的艰难转型期,更是一个艺术、建筑、设计和社会思潮爆炸性发展的黄金时代。我们聚焦于那个塑造了现代生活图景,并最终被历史洪流吞噬的复杂十年。 本书不探讨某一特定艺术流派或教育机构的内部运作与发展历程,而是致力于描绘一张宏大的社会织锦,探讨各种前沿思潮——从政治激进主义到技术理性主义——如何在社会、经济和文化层面交织、碰撞,最终构建出那个时代的精神面貌。我们考察的是那些渗透到日常生活的结构性变化,而非仅仅关注于特定机构的教学纲领或校舍设计。 第一章:战后创伤与共和国的黎明 第一次世界大战的惨败对德国社会造成了难以磨灭的心理创伤和物质上的匮乏。共和国的建立伴随着剧烈的政治冲突、通货膨胀的狂热与对新秩序的渴望。本章首先梳理了战败的遗绪如何催生了对旧有权威和精英文化的彻底反思。社会对效率、功能性以及一种“新德国人”的构建产生了迫切需求。 我们详细分析了政治光谱两极的张力如何影响文化领域的决策和资助。共和国政府在面对经济危机和政治极端主义的夹击时,如何试图通过文化政策来确立其合法性与现代性形象。艺术、设计和城市规划成为表达民族未来愿景的无声战场。本章特别关注了当时社会对“大众”(the masses)这一概念的认知转变,以及如何试图通过新的媒介和形式来接触和教育这个新兴的、充满不确定性的群体。 第二章:理性、功能与大众的构造 魏玛时期,对纯粹的理性和机械化时代的拥抱达到了顶峰。技术进步不再仅仅是工具,而成为一种哲学立场,一种重建世界的信条。本章侧重于考察技术理性如何渗透到城市规划、工业设计乃至日常生活美学的各个层面。 我们探讨了现代主义思想在解决战后住房短缺、提高生产效率等实际问题上的尝试。这包括对标准化生产流程的推崇,以及对传统工艺和材料的反思。设计不再被视为装饰性的附加物,而是被视为解决社会问题的核心手段。本书详细考察了当时媒体(如电影、摄影和大众出版物)如何传播这些关于功能至上的新观念,以及这些观念如何与新兴的消费文化产生复杂的互动。我们分析了建筑师和规划师如何试图通过清晰的几何形态和极简的表达来体现社会和精神上的秩序感,以对抗外部世界的混乱。 第三章:文化的剧烈碰撞:表现主义的残响与新客观性(Neue Sachlichkeit)的兴起 尽管理性主义占据了理论制高点,但魏玛的文化景观绝非铁板一块。本章审视了在战后初期占据主导地位的、充满情感张力的表现主义思潮的衰退,以及随之而来的“新客观性”运动的崛起。 我们考察了艺术家和作家如何使用尖锐、甚至冷峻的笔触来描绘共和国的现实——从繁华的都市夜生活到政治腐败的阴影,再到底层民众的生存困境。这种对现实的非浪漫化、近乎临床式的观察,揭示了进步表象下的社会裂痕。本章深入分析了当时社会对“堕落艺术”(Entartete Kunst)的初期争论,这种争论不仅是美学上的,更是深刻的意识形态冲突,反映了保守势力对现代性失控的恐惧。我们关注了文学、戏剧和视觉艺术中对现代城市经验、异化和身份模糊的探索。 第四章:全球视野与本土实践的张力 魏玛共和国在文化上展现出惊人的开放性,大量吸收了来自国际,尤其是美国和苏联的思潮。本章探讨了德国设计和艺术领域如何与全球现代主义运动进行对话与融合。 我们考察了德国知识分子和艺术家如何在全球化浪潮中定位自身。这包括对新技术的拥抱(如对速度和运动的迷恋),以及与国际前卫艺术运动的交流。然而,这种开放性也引发了关于“德国性”的深刻焦虑。本土的传统、手工艺的价值与无国界的国际风格之间存在着持续的拉锯。本书分析了不同群体如何试图在吸收外来元素的同时,构建一套具有独特德国特征的现代主义叙事,以避免被视为纯粹的文化模仿者。 第五章:声音、运动与大众传播的革命 本章将焦点投向了新兴的电子媒介和大众娱乐形式在塑造公众认知中的核心作用。收音机、有声电影的普及,以及新的音乐流派(如爵士乐和实验音乐)的兴起,极大地改变了人们接收信息和体验文化的方式。 我们分析了这些技术如何打破了传统的文化阶层壁垒,使艺术和信息以前所未有的速度和广度传播开来。音乐和舞台表演如何成为社会情绪的晴雨表,既能反映狂欢的乐观主义,也能映射出政治煽动下的易感性。例如,对新型剧场体验的追求,体现了观众对沉浸式、直接的感官刺激的需求,这与当时政治宣传的风格有着微妙的共通之处。 结语:历史的十字路口 1933年的政治剧变,标志着这个充满活力的文化试验场的突然终结。本书最后部分总结了魏玛时期文化遗产的复杂性。它既是构建现代生活的蓝图,也是社会脆弱性的缩影。那些建立在理性、效率和国际主义基础上的艺术和社会愿景,最终无法抵御极端政治力量的冲击。这段历史提醒我们,文化创新与政治稳定之间,始终存在着一种微妙而关键的平衡。对魏玛的考察,是对一个理想主义实验如何被历史的巨大惯性所颠覆的深刻反思。

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拿起这本书时,我原本以为会读到一本偏向艺术史的枯燥梳理,但它呈现的远超我的预期。它更像是一本充满激情的编年史,捕捉到了包豪斯在不同阶段——从魏玛的理想主义到德绍的实用主义,再到柏林的无奈挣扎——那种内在精神气质的微妙转变。书中对关键人物的刻画栩栩如生,比如康定斯基与克利在色彩理论上的精彩碰撞,米斯·凡德罗在最后阶段力求在政治压力下维护学术纯粹性的挣扎,都让这些名字变得有血有肉,而非仅仅是教科书上的标签。我特别喜欢其中关于包豪斯设计教育体系如何影响了后世平面设计和工业设计的章节,它不是生硬地罗列成果,而是通过分析课程设置(如基础课程Vorkurs)的逻辑演变,解释了为何包豪斯的毕业生能够迅速在全球范围内占据主导地位。这种从“如何教”来理解“为何成功”的叙事角度,极大地丰富了我对这个流派的认知深度。

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这本书的装帧与排版本身就是对包豪斯美学的一种致敬,简洁、清晰、功能至上,但又不失视觉上的冲击力。阅读体验非常流畅,那些黑白照片和彩色的作品插图布局得恰到好处,彼此呼应,增强了论述的说服力。我必须承认,对于非专业人士来说,初接触包豪斯时,其极简主义的冰冷感可能会让人望而却步,但这本书巧妙地用丰富的细节和人性化的故事去软化了这种距离感。它解释了为什么包豪斯的设计要去除多余的装饰,那不是为了刻意追求“丑陋”或“简单”,而是为了效率和真诚——设计应当服务于人,而不是炫耀财富或权势。书中对于包豪斯流亡至美国后的后续影响也有所涉猎,虽然篇幅不长,但清晰地展示了这种德国的实验精神是如何在新的土地上生根发芽,最终成为全球现代设计运动的主流。

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与其他侧重于建筑或纯艺术的著作相比,这本书的宏观视野令人印象深刻。它将包豪斯视为一个复杂的文化综合体,不仅仅讨论了建筑师和画家,还深入挖掘了纺织工作室、金属工坊乃至戏剧工作室所做的开创性工作。特别是关于包豪斯剧院的描述,那简直是视觉艺术、音乐和身体表达的狂欢,展示了包豪斯在应用艺术之外,对美学体验边界的持续探索。作者引用了许多当时师生之间的通信和日记片段,这些一手资料的加入,使得历史的阐释充满了活力和争议性,而非单向度的官方叙事。这种对“整体艺术作品”(Gesamtkunstwerk)理念在教育实践中不断试验和修正的过程,体现了包豪斯精神的弹性与韧性。它教会我们,真正的创新往往诞生于不同学科交叉融合的火花之中,是对僵化传统的系统性挑战。

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这部关于包豪斯艺术运动的书籍,其深度和广度令人赞叹。它不仅仅是一部简单的历史回顾,更像是一场穿越时空的对话,让我们得以窥见一个时代的设计哲学如何从无到有,如何与社会思潮紧密交织。作者对魏玛共和国时期德国社会背景的描摹极为细腻,将包豪斯置于一个充满变革与动荡的熔炉之中。你能够清晰地感受到,从格罗皮乌斯在魏玛建立学校伊始,那种对传统束缚的反叛与对未来生活方式的乌托邦式憧憬,是如何在具体的教学实践中逐渐成形的。书中的大量图文资料,尤其是早期教学的实验记录,展现了一种近乎科学实验般的严谨态度,去解构形式、色彩与材料的本质。我尤其欣赏作者对“艺术与技术相结合”这一核心理念的辩证探讨,书中并未简单地歌颂,而是深入剖析了在工业化浪潮中,艺术家们如何试图重新定义“工匠精神”与“大众生产”的关系。读完后,我对现代主义设计起源的理解不再停留在那些标志性的建筑和家具造型上,而是触及到了其更深层的、关于社会责任和人类居住环境的哲学根基。

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读完这本对包豪斯运动的详尽梳理,我最大的感受是,我们今天所习以为常的许多设计原则——模块化、标准化、功能性优先——其源头竟是如此富有理想主义色彩和政治抱负。这本书没有回避包豪斯在其短暂生命周期中遭遇的政治迫害和意识形态斗争,它忠实地记录了纳粹如何将其视为“堕落艺术”并最终强行关闭。这种“戛然而止”的历史,反而赋予了包豪斯一种永恒的魅力,仿佛它永远停留在那个最纯粹、最锐利的阶段。作者对包豪斯流亡后的“遗产”进行了深刻的反思,探讨了现代主义设计在被全球消费主义吸收后,是否丢失了其最初关怀社会、改善普通人生活的初衷。这本书不仅是记录历史,更像是在提醒我们,设计的力量远超物品本身,它关乎我们如何构建世界,以及我们希望生活在一个怎样的世界里。

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marvelous catalog. description很详细,然而有的way too cheesy啊吃不消

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