The Bauhaus, the school of art and design founded in Germany in 1919 and shut down by the Nazis in 1933, brought together artists, architects and designers--among them Anni and Josef Albers, Herbert Bayer, Marcel Breuer, Lyonel Feininger, Walter Gropius, Johannes Itten, Vasily Kandinsky, Paul Klee, Laszlo Moholy-Nagy, Lilly Reich, Oskar Schlemmer, Gunta Stolzl--in an extraordinary conversation on the nature of art in the industrial age. Aiming to rethink the form of modern life, the Bauhaus became the site of a dazzling array of experiments in the visual arts that have profoundly shaped the world today. "Bauhaus 1919-1933: Workshops for Modernity," published to accompany a major multimedia exhibition, is The Museum of Modern Art's first comprehensive treatment of the subject since its famous Bauhaus exhibition of 1938, and offers a new generational perspective on the twentieth century's most influential experiment in artistic education. Organized in collaboration with the three major Bauhaus collections in Germany (the Bauhaus-Archiv Berlin, the Stiftung Bauhaus Dessau and the Klassic Stiftung Weimar), "Bauhaus 1919-1933" examines the extraordinarily broad spectrum of the school's products, including industrial design, furniture, architecture, graphics, photography, textiles, ceramics, theater and costume design, painting and sculpture. Many of the objects discussed and illustrated here have rarely if ever been seen or published outside Germany. Featuring approximately 400 color plates, richly complemented by documentary images, "Bauhaus 1919-1933" includes two overarching essays by the exhibition's curators, Barry Bergdoll and Leah Dickerman, that present new perspectives on the Bauhaus. Shorter essays by more than 20 leading scholars apply contemporary viewpoints to 30 key Bauhaus objects, and an illustrated narrative chronology provides a dynamic glimpse of the Bauhaus' lived history.
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拿起这本书时,我原本以为会读到一本偏向艺术史的枯燥梳理,但它呈现的远超我的预期。它更像是一本充满激情的编年史,捕捉到了包豪斯在不同阶段——从魏玛的理想主义到德绍的实用主义,再到柏林的无奈挣扎——那种内在精神气质的微妙转变。书中对关键人物的刻画栩栩如生,比如康定斯基与克利在色彩理论上的精彩碰撞,米斯·凡德罗在最后阶段力求在政治压力下维护学术纯粹性的挣扎,都让这些名字变得有血有肉,而非仅仅是教科书上的标签。我特别喜欢其中关于包豪斯设计教育体系如何影响了后世平面设计和工业设计的章节,它不是生硬地罗列成果,而是通过分析课程设置(如基础课程Vorkurs)的逻辑演变,解释了为何包豪斯的毕业生能够迅速在全球范围内占据主导地位。这种从“如何教”来理解“为何成功”的叙事角度,极大地丰富了我对这个流派的认知深度。
评分这本书的装帧与排版本身就是对包豪斯美学的一种致敬,简洁、清晰、功能至上,但又不失视觉上的冲击力。阅读体验非常流畅,那些黑白照片和彩色的作品插图布局得恰到好处,彼此呼应,增强了论述的说服力。我必须承认,对于非专业人士来说,初接触包豪斯时,其极简主义的冰冷感可能会让人望而却步,但这本书巧妙地用丰富的细节和人性化的故事去软化了这种距离感。它解释了为什么包豪斯的设计要去除多余的装饰,那不是为了刻意追求“丑陋”或“简单”,而是为了效率和真诚——设计应当服务于人,而不是炫耀财富或权势。书中对于包豪斯流亡至美国后的后续影响也有所涉猎,虽然篇幅不长,但清晰地展示了这种德国的实验精神是如何在新的土地上生根发芽,最终成为全球现代设计运动的主流。
评分与其他侧重于建筑或纯艺术的著作相比,这本书的宏观视野令人印象深刻。它将包豪斯视为一个复杂的文化综合体,不仅仅讨论了建筑师和画家,还深入挖掘了纺织工作室、金属工坊乃至戏剧工作室所做的开创性工作。特别是关于包豪斯剧院的描述,那简直是视觉艺术、音乐和身体表达的狂欢,展示了包豪斯在应用艺术之外,对美学体验边界的持续探索。作者引用了许多当时师生之间的通信和日记片段,这些一手资料的加入,使得历史的阐释充满了活力和争议性,而非单向度的官方叙事。这种对“整体艺术作品”(Gesamtkunstwerk)理念在教育实践中不断试验和修正的过程,体现了包豪斯精神的弹性与韧性。它教会我们,真正的创新往往诞生于不同学科交叉融合的火花之中,是对僵化传统的系统性挑战。
评分这部关于包豪斯艺术运动的书籍,其深度和广度令人赞叹。它不仅仅是一部简单的历史回顾,更像是一场穿越时空的对话,让我们得以窥见一个时代的设计哲学如何从无到有,如何与社会思潮紧密交织。作者对魏玛共和国时期德国社会背景的描摹极为细腻,将包豪斯置于一个充满变革与动荡的熔炉之中。你能够清晰地感受到,从格罗皮乌斯在魏玛建立学校伊始,那种对传统束缚的反叛与对未来生活方式的乌托邦式憧憬,是如何在具体的教学实践中逐渐成形的。书中的大量图文资料,尤其是早期教学的实验记录,展现了一种近乎科学实验般的严谨态度,去解构形式、色彩与材料的本质。我尤其欣赏作者对“艺术与技术相结合”这一核心理念的辩证探讨,书中并未简单地歌颂,而是深入剖析了在工业化浪潮中,艺术家们如何试图重新定义“工匠精神”与“大众生产”的关系。读完后,我对现代主义设计起源的理解不再停留在那些标志性的建筑和家具造型上,而是触及到了其更深层的、关于社会责任和人类居住环境的哲学根基。
评分读完这本对包豪斯运动的详尽梳理,我最大的感受是,我们今天所习以为常的许多设计原则——模块化、标准化、功能性优先——其源头竟是如此富有理想主义色彩和政治抱负。这本书没有回避包豪斯在其短暂生命周期中遭遇的政治迫害和意识形态斗争,它忠实地记录了纳粹如何将其视为“堕落艺术”并最终强行关闭。这种“戛然而止”的历史,反而赋予了包豪斯一种永恒的魅力,仿佛它永远停留在那个最纯粹、最锐利的阶段。作者对包豪斯流亡后的“遗产”进行了深刻的反思,探讨了现代主义设计在被全球消费主义吸收后,是否丢失了其最初关怀社会、改善普通人生活的初衷。这本书不仅是记录历史,更像是在提醒我们,设计的力量远超物品本身,它关乎我们如何构建世界,以及我们希望生活在一个怎样的世界里。
评分拜拜!
评分marvelous catalog. description很详细,然而有的way too cheesy啊吃不消
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