具体描述
《无调性音乐的结构》试图为描述和分析那些不能根据传统调性或12音体系来解释的音乐的音高结构提供一个一般性的理论框架。《无调性音乐的结构》并不想对无调性的明确意义设下一些限制。福特的行文简明扼要，甚至以十分通俗的话来进行解释，对各种观点的阐释明白而详细。
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读后感
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用户评价
在翻阅《无调性音乐的结构》这本书之前，我对无调性音乐的理解，更像是一片混沌，充满了未知与困惑。我总觉得它脱离了音乐最基本的美感原则，难以理解其价值所在。然而，这本书以一种循序渐进、深入浅出的方式，为我揭示了无调性音乐背后的奥秘。作者并没有简单地介绍“十二音技法”等概念，而是深入探讨了这些技法如何帮助作曲家构建出全新的音乐结构，以及这些结构如何能够引发听者产生独特的感受。我特别着迷于书中对“节奏”和“音色”在无调性音乐中作用的分析。它解释了在没有调性作为统一线索的情况下，作曲家如何通过对节奏和音色的巧妙运用，来塑造音乐的动力、层次感和情感色彩。书中对 Webern 的一些短篇作品的分析，让我看到了他如何在极其精炼的篇幅中，通过对音高、节奏、音色等元素的极致运用，来创造出具有高度凝聚力和象征意义的音乐。这种“极简”的分析，让我对无调性音乐的“内涵”有了更深刻的理解。这本书的语言风格也相当吸引人，它既有学术的严谨，又不失一种人文的关怀，仿佛是一位经验丰富的音乐导游，带领我探索一个陌生的音乐国度。我记得书中有一段关于“耳朵的进化”的讨论，它解释了我们的听觉系统是如何能够随着音乐的发展而不断适应和进步，从而能够欣赏到更加丰富和多元的音乐。这句话让我对无调性音乐有了更大的包容心。
评分坦白说，在翻开《无调性音乐的结构》之前，我对于无调性音乐的理解，仅限于“听起来很怪”这个层面。我曾经尝试过听一些无调性作品，但总是难以深入，感觉像是隔着一层玻璃，无法触及音乐的核心。这本书的出现，彻底改变了我的这一困境。作者以一种极其平易近人的方式，将那些看似高深莫测的无调性概念，一点点地呈现在我的面前。我特别喜欢书中对“空性”与“可能性”的讨论，作者认为，无调性音乐的魅力恰恰在于其“开放性”，在于它不预设听者的任何期待，从而给予作曲家和听者更多的自由。他并没有鼓吹某种特定的无调性技法，而是鼓励读者去发现和理解不同作曲家所探索的各种可能性。书中对“模进”和“变形”的分析，让我看到了即使在看似随机的音符中，也存在着内在的逻辑联系。作者通过具体的乐谱片段，展示了作曲家如何通过对动机的细微调整，在音乐中营造出一种流动的、发展的状态，即使这种发展并非遵循传统的调性逻辑。这种分析方法，让我觉得非常实用，仿佛获得了一把钥匙，可以去解锁那些我曾经觉得难以理解的音乐。这本书的语言风格也十分别致，它既有学术的严谨，又不失一种轻松的幽默感，读起来一点都不觉得累。我尤其喜欢书中关于“听觉惯性”的讨论，它解释了为什么我们的大脑会倾向于寻找熟悉的调性模式，以及如何克服这种惯性，去拥抱新的听觉体验。读完这本书，我感觉自己对无调性音乐的理解，不再是停留在表面的“不协和”，而是开始触摸到其深层的结构与情感。
评分《无调性音乐的结构》这本书，给我带来的最大震撼，在于它成功地打破了我根深蒂固的“调性中心论”。从小接触的音乐，无论是古典还是流行，都离不开一个明确的“主调”，这种“主调”就像一个稳定可靠的锚，指引着旋律与和声的走向。因此，当我第一次接触到无调性音乐时，自然会感到无所适从，仿佛置身于一个没有方向的迷宫。然而，这本书却用一种近乎“颠覆性”的方式，引导我看到了无调性音乐的内在逻辑。作者并没有简单地将无调性视为“没有调性”，而是深入探究了作曲家们如何在没有传统调性约束的情况下，构建起新的音乐秩序。我尤为欣赏书中对于“音高集合论”的介绍，以及它如何被应用于分析无调性作品。作者通过翔实的例子，展示了作曲家如何通过精心选择和组织音高集合，来创造出具有特定音响效果和情感色彩的音乐。例如，书中对 Berg 的《小提琴协奏曲》的分析，让我对其中那些看似“不协和”的音程有了全新的认识，原来它们并非随意为之，而是服务于作曲家整体的音乐构思。这本书的语言风格也非常独特，它不像某些乐理书籍那样枯燥乏味，而是充满了诗意的表达和深刻的洞察，仿佛在引领读者进行一次灵魂的探索。我记得书中有段话，形容无调性音乐的结构如同“宇宙的星云”，既有混沌的张力，又孕育着无限的可能性，这句话让我久久不能忘怀。这本书不仅让我学会了如何“听”懂无调性音乐，更让我开始“感受”无调性音乐，体验到其中蕴含的独特的美感和深刻的哲学意境。
评分《无调性音乐的结构》这本书，无疑为我打开了一扇通往全新音乐宇宙的大门。在此之前，我对于无调性音乐的认知，更像是一幅模糊的素描，只知道它与传统的“好听”有所不同，但具体差异何在，却一无所知。这本书以一种极其系统而深入的方式，为我描绘出了这幅画的细节。作者并没有简单地介绍“十二音”或“序列”等术语，而是深入探讨了这些技法在构建音乐结构上的核心作用，以及它们如何帮助作曲家打破传统调性的束缚，创造出前所未有的音乐可能性。我尤为欣赏书中对“动机的变形与发展”在无调性音乐中的重要性的阐述。它解释了即使在缺乏明确的调性指引下，作曲家依然可以通过对音乐动机进行巧妙的加工，比如旋转、逆行、放大、缩小等，来保持音乐的连贯性和内在的逻辑性。书中对 Alban Berg 的《歌剧《沃采克》》中某个场景的详细分析，让我看到了无调性音乐如何能够如此精准地服务于戏剧的情感表达，那些看似“不和谐”的音响，实则蕴含着深刻的心理描绘。这本书的语言风格也相当独特，它既保持了学术的严谨性，又充满了对音乐艺术的深情解读，仿佛是在与读者进行一场关于音乐本体的对话。我记得书中有一句话，形容无调性音乐的结构如同一片“思想的森林”，每一棵树（音符）都有其独特的形态，但共同构成了整个森林的生命力。这句话让我对无调性音乐有了全新的审美体验。
评分读罢《无调性音乐的结构》，我仿佛经历了一场精密的思维手术，原本对无调性音乐模糊而混乱的印象，被作者以一种近乎考古学般的严谨态度，一点点地剥离开来。这本书与其说是一本讲解理论的书，不如说是一本带领读者进行深度田野调查的指南。作者没有回避那些繁复的术语，但更重要的是，他用极其清晰的逻辑链条，将这些术语在具体的音乐实践中“活”了起来。我特别着迷于书中对于“序列音乐”的阐述，它并非简单地介绍“十二音技法”，而是深入探讨了这一技法从诞生之初的各种尝试、演变，以及不同作曲家在运用中展现出的独特个性。作者并没有试图将所有无调性音乐都归入某一特定模型，而是呈现了其内部的丰富性和多样性，例如，他对比了早期表现主义的无调性与后来的序列主义音乐在结构上的差异，这种对比分析极具启发性。我印象最深的是，书中对于一段 Schoenberg 的钢琴曲的详细分析，作者不仅仅是列出音高序列，更重要的是，他解读了序列是如何在不同的声部、不同的节奏型中进行变形、重组，甚至如何通过八度移位和逆行等手法，在看似不规则的音响中创造出一种潜在的统一性。这种对细节的关注，让我看到了无调性音乐的“有机性”，它并非是随机堆砌，而是一种精心设计的、内在自洽的艺术结构。这本书的语言风格也十分吸引人，它充满了学术的严谨，又不失哲学思考的深度，仿佛在引导读者去探索音乐本体的奥秘。阅读过程中，我时常会停下来，在脑海中回放那些听过的无调性作品，试图用书中的分析框架去理解它们，这种主动的参与感，让我觉得这本书不仅仅是知识的灌输，更是一种思维方式的重塑。
评分这本书的出现，简直就像在枯燥的乐理学习领域投下了一颗炸弹，彻底颠覆了我以往对音乐的认知。在读这本书之前，“无调性”对我来说，更像是一个遥不可及、甚至有些令人望而生畏的概念。我总觉得那是一种脱离了传统和声逻辑、难以把握的混沌之音，是那些“高冷”的作曲家们玩弄的晦涩游戏。然而，《无调性音乐的结构》这本书，就像一位耐心而技艺精湛的向导，一步步地将我从迷雾中引向了清晰的洞察。它并没有一开始就抛出艰涩的理论，而是从一些我能理解的、甚至带有情感色彩的切入点开始，比如描述了那些让听众耳目一新、打破常规的作品，以及作曲家们在创作过程中所面临的挑战与突破。书中的分析手法尤其令人印象深刻，它并没有简单地罗列音程和和弦，而是深入剖析了不同作曲家（例如勋伯格、贝尔格、韦伯恩等）如何在无调性的框架内构建音乐的逻辑和张力。我尤其喜欢其中对某个具体乐段的拆解，作者通过细致的线条勾勒，揭示了看似无序的音符背后，实则蕴含着精妙的动机发展、节奏变化以及音色对比。这种“解构”式的分析，让我看到了无调性音乐并非是“没有规则”，而是有着一套与传统调性音乐截然不同的、同样严谨甚至更加自由的内在秩序。我甚至能感觉到，作者在字里行间都充满了对这些音乐的热爱与理解，这种热情能够跨越文字，感染到我这个初学者。读完之后，我对那些曾经让我感到刺耳的无调性作品，开始有了新的审视角度，甚至开始品味出其中的独特魅力。这本书无疑为我打开了一扇通往更广阔音乐世界的大门，让我对“什么是音乐”这个问题，有了更深刻、也更包容的理解。
评分《无调性音乐的结构》这本书，对我来说，就像是一次深刻的“思维体操”。我一直认为，音乐的美感很大程度上来源于其内在的秩序与和谐，而无调性音乐似乎恰恰打破了这种秩序。然而，这本书却以一种令人信服的方式，告诉我无调性音乐并非是“失序”，而是一种“重构”。作者并没有简单地介绍“十二音技法”或者“序列主义”等概念，而是深入剖析了这些技法背后的思想，以及它们如何被用来构建新的音乐结构。我非常欣赏书中对于“对位”在无调性音乐中的作用的阐述。它解释了即使没有明确的调性中心，作曲家仍然可以通过声部之间的相互关系，来创造音乐的张力和流动感。书中对 Webern 的作品分析尤为精彩，作者通过对声部交织、节奏变化以及音程关系的细致描绘，让我看到了 Webern 如何在极其精炼的篇幅中，构建出复杂而又统一的音乐世界。这种“微观”的分析，让我对无调性音乐的“宏观”结构有了更深刻的理解。这本书的语言风格也十分独特，它既有学术的严谨，又不失一种哲学的深度，仿佛在引领读者去思考音乐的本质。我记得书中有一段话，将无调性音乐的结构比作“一种抽象的雕塑”，每一块材料（音符）的摆放都经过深思熟虑，最终形成了一个独特的整体。这句话让我对无调性音乐有了全新的审美体验。这本书不仅让我学会了如何“分析”无调性音乐，更让我开始“欣赏”无调性音乐，体验到其中蕴含的独特的艺术魅力。
评分《无调性音乐的结构》这本书，对我来说，是一次深刻的“智识解放”。长久以来，我总觉得音乐的美感就该是“和谐”的，而无调性音乐似乎就是“不和谐”的代名词，因此对其总是敬而远之。然而，这本书却以一种极为有力的方式，颠覆了我的这一认知。作者并没有将无调性音乐视为一种“反叛”或“混乱”，而是深入剖析了它如何发展出了一套与传统调性音乐截然不同的、但同样严谨的内在逻辑。我尤为欣赏书中对“音高集合”在无调性音乐结构中的作用的阐述。它解释了作曲家如何通过精心选择和组织音高集合，来创造出具有特定音响效果和情感色彩的音乐，即使这些音高之间在传统意义上并不“协和”。书中对 Berg 的《抒情组曲》的分析，让我对其中那些看似“破碎”的旋律有了全新的理解，原来它们并非随意为之，而是服务于作曲家整体的音乐构思，并营造出一种独特的心理氛围。这本书的语言风格也相当别致，它既有学术的严谨，又不失一种哲学的深度，仿佛在引领读者去思考音乐的本质。我记得书中有一句话，将无调性音乐的结构比作“一种抽象的几何学”，每一条线（音程）的走向都经过深思熟虑，最终形成了一个独特的视觉和听觉的整体。这句话让我对无调性音乐有了全新的审美体验。
评分阅读《无调性音乐的结构》这本书，对我而言，是一次令人激动人心的“认知升级”。长久以来，我一直将音乐的“好听”与“调性”紧密联系在一起，因此，我对那些不符合传统调性规范的音乐，总抱有一种疏离感。然而，这本书以一种近乎“解密”的方式，向我展示了无调性音乐背后隐藏的精妙结构。作者并没有回避那些复杂的音乐理论，但他用一种非常清晰、易于理解的方式，将它们融入到对具体作品的分析中。我特别着迷于书中对于“音色”和“节奏”在无调性音乐中作用的探讨。它解释了在没有调性作为主导的情况下，作曲家如何通过对音色和节奏的精心设计，来塑造音乐的表情和张力。书中对 Schoenberg 的一些早期作品的分析，让我看到了他在探索无调性时的挣扎与突破，以及他是如何从传统的框架中一步步解放出来，创造出全新的音乐语言。这种对创作过程的还原，让我觉得这本书不仅仅是一本理论书，更是一部关于音乐创新精神的见证。这本书的语言风格也十分吸引人，它既有学术的严谨，又不失一种人文的关怀，仿佛是一位经验丰富的老师，耐心地引导学生进入一个全新的领域。我记得书中提到，理解无调性音乐的关键在于“放下预设的期待”，去用一种全新的耳朵去聆听，这句话对我触动很大。读完这本书，我感觉自己对音乐的理解更加宽广和包容，也开始能够欣赏那些曾经让我感到困惑的无调性作品。
评分对于一本探讨“无调性音乐的结构”的书籍，我曾抱有复杂的期待，既希望它能揭示那些我无法理解的音响背后的逻辑，又担心它会过于艰深，让我望而却步。《无调性音乐的结构》这本书，却以一种令人惊喜的方式，平衡了这两者。作者并没有一开始就抛出晦涩的理论，而是从无调性音乐的“诞生”与“发展”入手，为我们勾勒出了一个清晰的历史脉络。我特别喜欢书中对于“表现主义”在无调性音乐早期发展中的作用的阐述。它解释了作曲家们如何通过放弃传统的调性，来更直接、更强烈地表达内心的情感冲突和心理状态。书中对 Schoenberg 的一些早期作品的分析，让我看到了他对音高、节奏、音色等音乐元素进行大胆实验的过程，以及他是如何一步步走向“十二音技法”的。这种对创作过程的深入剖析，让我觉得这本书不仅仅是理论的堆砌，更是一种关于艺术探索精神的展现。这本书的语言风格也相当吸引人，它既有学术的严谨，又不失一种生动的描绘，仿佛在带领读者走进作曲家的内心世界。我记得书中有一段关于“听觉的适应性”的讨论，它解释了我们的大脑是如何能够逐渐适应新的听觉体验，并从中发现新的美感。这句话让我对尝试理解无调性音乐有了更大的信心。读完这本书，我感觉自己对无调性音乐的认知，不再是停留在“听不懂”的层面，而是开始触摸到其背后深刻的艺术逻辑和情感张力。
评分内容很好，但是表达和谱例的对照让人难以看懂！！在自习室实在忍不住来吐个槽，那种让人反复猜，带着其他相关的书籍对照学习的感觉真的心好累！如果人人都像罗素一样会表达就好了T T 凑
评分内容深刻，但语言太晦涩，长句太多，有的句子都找不到主谓宾...很多地方不能理解。
评分干她
评分内容深刻，但语言太晦涩，长句太多，有的句子都找不到主谓宾...很多地方不能理解。
评分还是建议读原版
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