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价格:33.00元

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isbn号码:9787805261621

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《指尖上的色彩：数字艺术创作入门》 本书是一本面向零基础初学者的数字艺术创作指南。如果您对电脑绘画充满好奇，却不知从何下手，那么这本书将是您踏入数字艺术世界的最佳起点。我们摒弃了繁琐的理论和晦涩的术语，专注于实用技巧和直观的学习方法，让您在轻松愉快的氛围中掌握数字绘画的基本功。 核心内容概览： 认识你的数字画笔： 详细介绍主流绘画软件（如 Photoshop, Procreate, Clip Studio Paint 等）的核心功能和界面布局。我们将带您熟悉各种画笔工具、图层系统、混合模式以及常用的快捷键，让您快速熟悉数字绘画的工作流程。 色彩的魔法： 探索色彩理论在数字绘画中的应用。从认识色相、饱和度、明度，到学习如何运用色彩搭配来营造氛围、表达情感，再到掌握渐变、叠加等色彩技巧，本书将帮助您建立扎实的色彩基础，让您的作品色彩鲜活、富有层次。 构图的艺术： 学习构图的基本原则，如三分法、黄金分割、引导线等，以及如何利用构图来增强画面的视觉冲击力和故事性。我们将通过丰富的实例分析，让您理解如何安排画面元素，引导观众的视线，创造引人入胜的构图。 光影的塑造： 掌握光影在数字绘画中的重要性。学习不同光源的照射方式，理解阴影、高光、反光等概念，并通过实际操作练习，学会如何用光影塑造物体的体积感和空间感，让您的画面更加立体真实。 线条的魅力： 探索不同线条的运用，包括轮廓线、辅助线、装饰线等，以及如何通过线条的粗细、虚实、流畅度来表现物体的质感和动感。我们将引导您练习各种线条的绘制技巧，让您的线条更加生动有力。 从素描到色彩： 学习将传统素描的打稿、造型能力迁移到数字绘画中。我们将演示如何从简单的线稿开始，逐步添加色彩和光影，最终完成一幅完整的数字绘画作品。 实用的绘画练习： 书中包含大量循序渐进的实操练习，涵盖静物、人物、风景等多种题材。每一个练习都配有详细的步骤图解和解说，帮助您巩固所学知识，提升绘画技能。 素材与灵感： 提供一些常用的素材库和获取灵感的途径，鼓励您多观察生活，从现实世界中汲取创作灵感。 本书特色： 零基础友好： 语言通俗易懂，避免专业术语，确保即使是完全没有绘画基础的读者也能轻松上手。 实操性强： 以大量的实践练习为导向，强调“动手”的重要性，让您在做中学，在学中练。 案例丰富： 精选大量优秀数字绘画作品作为案例分析，帮助您理解理论知识在实践中的应用。 循序渐进： 学习内容按照由浅入深的逻辑编排，让您的学习过程更加系统和高效。 激发创意： 在打好基础的同时，也鼓励您发挥个人创意，探索属于自己的绘画风格。 无论您是想为自己的故事绘制插画，还是希望将脑海中的奇思妙想变为触手可及的画面，亦或是仅仅想在闲暇时光享受数字绘画的乐趣，《指尖上的色彩：数字艺术创作入门》都将是您不可或缺的学习伙伴。翻开这本书，让您的想象力在数字世界中自由驰骋，点亮您的艺术梦想！

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这本书的封面设计得非常吸引人，色彩搭配和构图都透露出一种现代感和专业性，让人在书店里一眼就被它吸引住了。我本来就对视觉艺术领域充满好奇，翻开内页后，发现它的排版布局极其清晰合理，即便是像我这样对“美术”这个词汇还停留在传统概念的“小白”也能轻松上手。它并没有直接切入复杂的技法，而是从最基础的“观察”和“构图原理”讲起，用大量的图例来阐释抽象的概念，比如黄金分割在平面设计中的应用，以及色彩心理学如何影响观者的情绪。其中关于“视觉重量”的讲解尤为精妙，作者没有堆砌晦涩的理论，而是通过对比图清晰地展示了不同元素在画面中占据的“份量感”，这对构建一个平衡的画面至关重要。我特别欣赏它在引入“数字工具”之前，先花了很大篇幅强调“艺术思维”的重要性，这让读者明白，工具只是实现创意的媒介，核心依然是创作者的审美和思考。整本书的阅读体验流畅而富有启发性，感觉像是在和一位经验丰富的导师进行一对一的私塾教育，它成功地搭建起了我通往更深层次美术学习的坚实桥梁。

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与其他一些只侧重于软件操作的指南类书籍相比，这本书的价值简直是无可替代的。我发现它最核心的优势在于对“设计原则”的强调，而不是对某个特定软件的教程依赖。它花了很大篇幅去论述“对比、重复、亲密性、对齐”这四大基本设计原则，并且用大量的“好设计”与“坏设计”的案例对比来佐证，这种“是什么”和“为什么”相结合的讲解方式，远比单纯的“怎么做”要有力量得多。读到关于“色彩理论”的部分时，我感到非常震撼，它不仅介绍了三原色、三间色等基础概念，更深入探讨了不同文化背景下对特定色彩的解读差异，以及如何利用互补色和类似色来创造特定的视觉情绪。例如，它详尽地分析了在品牌标识设计中，如何通过细微的色相调整来避免不必要的负面联想，这说明作者对设计在社会语境中的应用有着深刻的理解。这本书真正教会我的，是如何“看”——不仅是看画面本身，更是看画面背后所蕴含的意图和结构，这对于任何想从事创意工作的人来说都是一笔宝贵的财富。

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这本书的装帧质量非常高，纸张厚实，印刷色彩还原度极佳，这对于一本主要讲解视觉效果的书来说至关重要。我尤其喜欢它在介绍“创意流程”时的那几章内容。作者并没有宣扬一蹴而就的灵感，而是非常务实地介绍了从“概念发散”到“草图迭代”再到“最终细化”的完整工作流。其中关于“头脑风暴技巧”的介绍非常实用，它提供了一套结构化的方法来打破思维定势，比如使用思维导图或强制联想法来激发新的视觉元素组合。我尝试按照书中的步骤，对一个简单的图标设计进行了练习，结果发现自己能比以往更快速地找到多个具有潜力的设计方向，这极大地提高了我的效率。此外，书中还穿插了一些小型“创作挑战”，要求读者在学习特定知识点后立即进行实践，这种即学即用的模式，有效地巩固了理论知识，避免了“纸上谈兵”的窘境。这种将理论学习与实战练习无缝衔接的设计，让阅读过程充满了参与感和成就感，而不是枯燥的知识灌输。

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我这次购买这本书，主要是冲着它封面上标注的“基础”二字去的，希望能够系统地梳理一下这些年来在非专业领域碎片化学习中留下的知识盲点。这本书的结构安排非常严谨，它不是一本速成手册，而更像是一本严谨的教材，它对线条、形状、空间这三个最基本的视觉语言进行了近乎解剖学的分析。尤其是在讲解“透视原理”的那一部分，作者用多角度的剖面图，将一点透视、两点透视乃至复杂的三点透视关系，分解到了日常可见的物体上，比如一个房间的角落或是一条街道的延伸，这使得原本让人望而生畏的几何学知识变得直观易懂。更难得的是，它没有止步于二维平面的描绘，而是探讨了光影在塑造体积感中的作用，如何通过明暗交界线、高光和反光来赋予平面图形以三维的错觉。虽然书里涉及了很多理论名词，但作者的叙述风格非常朴实，大量使用了生活化的比喻，比如将光线比作“舞台上的聚光灯”，将阴影比作“空间中被物体占据的部分”，这种处理方式极大地降低了初学者的学习门槛，让人感觉艺术创作并非高不可攀的精英活动，而是人人都可以通过学习掌握的技能。

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我必须承认，这本书的深度超出了我最初的预期。我本以为它会停留在教授如何使用软件工具绘制基本图形的层面，但它真正触及的是艺术表达的本质。它深入探讨了“风格化”的形成与演变，是如何从基础的写实训练中提炼出个人独特符号的过程。书中有一章专门讨论了不同历史时期的艺术运动，如立体主义、印象派对现代数字艺术的影响，它通过追溯这些历史渊源，帮助读者理解当下许多流行设计趋势的合理性与逻辑所在。这种宏大的历史视野，使得读者在学习具体的绘画技巧时，能将其置于一个更广阔的文化背景下进行审视。作者在描述如何处理复杂材质时，比如金属的光泽感或布料的褶皱，所采用的分析角度非常细腻，它不只是告诉你“该怎么画”，而是告诉你“为什么光线会在那里那样反射”，这种探究事物底层规律的深度，极大地提升了读者的专业素养。这本书简直就是艺术思维的“内功心法”，为未来的进阶学习打下了无比坚实的基础。

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