舞蹈训练学概论

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出版者:
作者:冯百跃
出品人:
页数:297
译者:
出版时间:2009-3
价格:46.00元
装帧:
isbn号码:9787807513018
丛书系列:
图书标签:
  • 社会学
  • 舞蹈学
  • 舞蹈训练
  • 舞蹈教学
  • 舞蹈基础
  • 身体训练
  • 动作分析
  • 教学方法
  • 舞蹈概论
  • 艺术教育
  • 体育教育
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具体描述

《舞蹈训练学概论》由“舞蹈训练科学与科学训练”;“潜能开发与”全脑型“舞蹈训练理念深化”;“舞蹈训练方法;训练、展演、比赛中的舞蹈感觉”;“舞蹈训练中经验与理性认识观”;“舞蹈训练中的动作技术与动作技能”;“跳跃与耐力训练”等十一个章节组成。

书中主要强调要遵循舞蹈训练过程中的客观规律,要搞清楚我们“为什么练,练什么,怎样练,练多少”。促使我们进一步认识到舞蹈从经验训练到理性训练再到科学训练是一个无止境的科学探索过程。并且指出,我们的教师、编导和舞者们所取得的每一点成绩都是在千万次失败与成功的体验中,反复积累、演绎进化而来的。这些经验是经验思维与理性思维互相交融的结果,因此,借用这些经验以指导舞蹈训练实践,可以少走弯路。

此书对舞蹈训练者和舞蹈老师有一定的参考作用。

肢体语言的史诗:古典芭蕾的传承与创新 图书名称:《古典芭蕾的传承与创新》 内容简介: 本书旨在深入剖析古典芭蕾这一艺术形式跨越数百年历史所经历的演变、革新及其在当代舞台上的生命力。我们并非关注于基础训练的技巧体系本身,而是着重于探究芭蕾艺术的哲学基础、美学范式以及其在不同文化背景下的适应与发展。 第一章:源流考证——从宫廷娱乐到专业艺术的嬗变 本章将追溯芭蕾艺术的起源,重点考察路易十四时期法国宫廷对芭蕾规范化的奠基作用。我们将探讨早期芭蕾作为贵族社交仪式的功能,以及它如何逐步脱离宫廷的直接控制,向专业剧院艺术过渡的社会历史背景。 详细分析了17世纪末至18世纪中叶,巴赫蒙特(Jean-Georges Noverre)等人提出的“戏剧芭蕾”(Ballet d'Action)理念的革命性意义。他们如何挑战了早期歌剧芭蕾中纯粹的装饰性,主张舞蹈应成为叙事和表达情感的主要媒介。这种理念的提出,标志着芭蕾作为独立艺术形式的自觉确立。我们还将对比意大利和法国在芭蕾理论发展初期的不同侧重点,揭示早期美学思潮的交锋。 第二章:浪漫主义的崛起与“白芭蕾”的构建 19世纪的浪漫主义思潮为芭蕾艺术注入了全新的精神内核。本章将细致考察这一时期,特别是1832年《仙女》首演前后,芭蕾审美趣味的重大转向。重点分析了对超自然、轻盈、女性化理想的迷恋是如何塑造了“白芭蕾”(Ballet Blanc)这一经典范式。 我们将深入研究足尖技术(Pointe Work)在浪漫主义时期被推向极致的过程,并非将其视为纯粹的体能训练,而是作为一种“失重感”和“精神升华”的象征性工具。玛丽亚·塔里奥尼(Marie Taglioni)的艺术实践如何定义了新的舞台形象,以及这种形象如何反映了当时社会对女性精神世界的想象。此外,本章还将探讨叙事结构在浪漫芭蕾中的简化趋势,以及音乐(如普契尼的早期作品)如何与舞台视觉效果紧密结合,共同营造出梦幻般的意境。 第三章:俄罗斯学派的集大成与古典主义的定型 随着西欧浪漫芭蕾的衰落,艺术中心转移至沙俄。本章聚焦于马里乌斯·彼季帕(Marius Petipa)时代的辉煌成就,这是古典芭蕾技术和结构达到顶峰的阶段。我们将分析彼季帕如何整合法兰西和意大利的技术精华,创造出一种高度结构化、强调对称美和宏大场面的戏剧形式。 重点剖析经典三幕、四幕剧目的结构模式,如《睡美人》、《胡桃夹子》和《天鹅湖》。研究“大双人舞”(Grand Pas de Deux)的固定结构——包括引子、慢板、变奏和尾声——如何成为展现男女主角技术与情感深度的核心舞台。同时,我们将审视彼季帕对群舞(Corps de Ballet)的运用,如何将其从单纯的背景提升为具有象征意义的、形态一致的“动态织物”。 第四章:二十世纪的现代性冲击——革新与解构 本章转向20世纪初,关注“俄罗斯芭蕾舞团”(Ballets Russes)及其带来的颠覆性变革。谢尔盖·佳吉列夫(Sergei Diaghilev)的跨界合作模式,使得芭蕾突破了传统叙事和音乐的束缚,与立体主义、野兽派等前卫艺术思潮相遇。 深入分析了福金(Mikhail Fokine)如何倡导“每一个动作都应具有明确的意义”,以及尼金斯基(Vaslav Nijinsky)在《牧神午后》中所展现的对传统美学的公然反叛,其运用不对称构图和原始性动作如何引发了艺术界的巨大争议。紧接着,探讨了乔治·巴兰钦(George Balanchine)如何彻底“去叙事化”,专注于纯粹的音乐性表达,奠定了“新古典主义”的基石,将芭蕾从故事板转变为音符的视觉转译。 第五章:当代语境下的融合与实验 最后,本章探讨了当代芭蕾舞团和编导们如何处理遗产与创新的张力。我们研究了威廉·福赛斯(William Forsythe)对古典框架的解构实践,他如何通过切分节奏、拉伸空间和引入即兴元素,来审视和挑战古典芭蕾线条的“完美性”。 同时,考察了当代编舞家在题材选择上的拓展,例如如何纳入社会议题、后现代舞蹈语汇或电子媒体技术。本书的结论部分将探讨全球化背景下,不同地域(如亚洲、拉丁美洲)的文化元素如何被吸收并内化到芭蕾的表达体系中,论证古典芭蕾艺术形式在保持其核心技术精髓的同时,依然具有强大的适应性和持续的生命力。 本书的立足点在于艺术史学、美学理论及剧场人类学的交叉视角,旨在提供一个宏观的框架,理解芭蕾艺术如何作为一种动态的文化产物不断自我定义与重塑。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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翻开这本书,我仿佛置身于一个巨大的、结构精密的训练实验室。它没有像许多舞蹈书籍那样,仅仅罗列动作,而是深入到动作产生的生理学基础和力学原理。我惊叹于作者能够将如此复杂的知识,用如此清晰易懂的方式呈现出来。比如,在讲解“肌肉记忆”时,书中不仅解释了神经通路如何形成,还提供了如何通过重复训练和多样化刺激来巩固和优化肌肉记忆的策略。这对于我这个在技术层面总感觉瓶颈期的舞者来说,简直是雪中送炭。以前我只是机械地重复动作,而现在我开始理解为什么某些练习奏效,为什么我会在某些节点上遇到困难,并且知道如何去针对性地解决。

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我一直对舞蹈的“表现力”感到好奇,总想知道为什么有些舞者的表演能够触动人心,而有些则显得平淡无奇。这本书在“表现力训练”部分,给出了非常具有启发性的答案。它不仅仅从技术层面去分析,更深入到心理、情感和音乐的结合。书中探讨了如何通过身体的细微变化来传递情感,如何通过与音乐的深度互动来提升表演的感染力。这些内容让我意识到,舞蹈的终极目标不仅仅是动作的完美,更是情感的共鸣。

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这本书给我最大的启发在于,它让我意识到舞蹈训练并非一蹴而就,而是一个循序渐进、不断积累的过程。它强调了“基础”的重要性,并且详细阐述了如何构建扎实的基础。我尤其欣赏书中关于“呼吸与动作的配合”的章节,它将呼吸不仅仅看作是一种生理功能,而是提升动作质量、延长耐力、甚至影响情感表达的关键要素。作者通过具体的练习,示范了如何将呼吸融入到每一个动作中,让身体更加协调、流畅,并且充满生命力。这种对细节的极致追求,让我受益匪浅。

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在阅读过程中,我反复被书中对“训练负荷的管理”的细致探讨所打动。它不仅仅是告诉我们该做什么,更重要的是告诉我们“什么时候”做,“做到什么程度”才最有效。书中引入了“训练周期”和“恢复”的概念,让我明白如何避免过度训练,如何科学地安排训练的强度和休息,从而保证身体能够持续进步,而不是陷入疲劳和受伤的恶性循环。这对于长期坚持舞蹈训练的人来说,是至关重要的指导。

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我曾经参加过各种各样的舞蹈工作坊,也看过无数的教学视频,但总觉得缺少了一个 overarching 的理论框架来指导我的学习。这本书恰好填补了这一空白。它就像一个罗盘,指引着我如何在浩瀚的舞蹈世界中找到自己的方向。书中对“核心力量”的讲解,让我对这个一直被提及却难以真正理解的概念有了豁然开朗的认识。它不仅仅是腹肌,而是整个躯干的稳定性、力量的传导以及身体的控制中心。通过书中提供的系统性训练方法,我明显感觉到了自己的重心更加稳定,动作的爆发力也得到了提升。

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我特别喜欢书中对“损伤预防”的全面性讲解。它不是简单地罗列一些注意事项,而是从人体的生物力学角度,分析了导致常见舞蹈损伤的原因,并提供了针对性的预防措施和康复指导。例如,在讲解“脚踝稳定性训练”时,书中不仅介绍了增强踝关节周围肌肉力量的方法,还强调了如何改善本体感觉,从而降低崴脚的风险。这种科学严谨的态度,让我对舞蹈训练有了更深层次的敬畏。

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这本书的出现,简直像是在我舞蹈学习的道路上投下了一颗璀璨的炸弹,瞬间照亮了那些我一直以来摸索却不得其法的角落。我一直认为舞蹈更多的是一种感觉,一种天生的艺术细胞的流露,但这本书让我明白,这背后有着多么严谨和系统化的科学体系。从最基础的身体认知,到动作的解构与重塑,再到训练计划的制定与调整,每一个环节都被剖析得淋漓尽致。我尤其被书中关于“本体感觉”的阐述所吸引,它详细解释了我们如何感知自己身体在空间中的位置、运动状态以及力量的传递,并且提供了许多能够有效提升本体感觉的练习方法。这对于我理解身体的控制力、平衡感以及动作的流畅性有着革命性的帮助。

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我一直在寻找一本能够帮助我更好地理解自己身体的书,而这本书,无疑是我的最佳选择。它不仅仅是一本关于舞蹈训练的书,更是一本关于“如何与自己的身体对话”的指南。书中对“身体觉知”的训练方法,让我能够更敏锐地感知身体的细微变化,更好地理解动作的指令,从而更有效地完成训练。每一次阅读,都让我对舞蹈,对身体,有了更深刻的认识,也更加热爱舞蹈这项事业。

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我必须承认,在阅读这本书之前,我对“训练”这个词在舞蹈领域的应用,总有一种模糊的认知,甚至有些排斥,觉得它会磨灭舞蹈的艺术性。然而,这本书彻底颠覆了我的这种看法。它将“训练”定义为一种提升舞蹈表现力的科学手段,而不是一种枯燥的机械重复。书中对“身体柔韧性训练”的讲解尤为深入,它不仅仅是拉伸,还涉及到了关节活动度、肌肉弹性以及神经系统的适应性。我学会了如何根据自己的身体状况,科学地安排拉伸的类型、强度和频率,并且理解了过度拉伸可能带来的风险。这种理性化的训练方式,让我对自己的身体有了前所未有的掌控感。

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这本书让我对“舞蹈风格的形成”有了全新的认识。我一直以为风格是天生的,但书中却揭示了风格背后所蕴含的训练逻辑。它分析了不同舞蹈流派在身体运用、空间意识、节奏感等方面的差异,并探讨了如何通过针对性的训练来塑造和发展个人的舞蹈风格。这种将理论与实践相结合的分析,让我对如何在保留个人特色的同时,又能吸收不同风格的优点有了更清晰的规划。

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这本书没有什么原创性的东西,只是在重复、堆砌心理学、生理学上的知识。如果舞蹈变成了如此多的理论、系统,等于为舞蹈者披上了一条条无形的锁链,活生生的生命也就失去了生命的光彩和辉煌。

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这本书没有什么原创性的东西,只是在重复、堆砌心理学、生理学上的知识。如果舞蹈变成了如此多的理论、系统,等于为舞蹈者披上了一条条无形的锁链,活生生的生命也就失去了生命的光彩和辉煌。

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