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出版者:Drama Publishers

作者:Shellard, Dominic (EDT)/ Tynan, Matthew (INT)/ Stoppard, Tom (FRW)

出品人:

页数:278

译者:

出版时间:2007-09-30

价格:USD 24.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780896762589

丛书系列:

图书标签:

• 戏剧
• 文学
• 戏剧评论
• 戏剧史
• 表演艺术
• 舞台艺术
• 文化研究
• 艺术理论
• 英国文学
• 戏剧文学

剧场之镜：当代舞台艺术的探索与实践 一部深入剖析现代剧场创作理念、表演美学与观众体验的重量级论著。 本书并非是对特定剧作的简单回顾，亦非传统意义上的戏剧史梳理。它是一场横跨文本、空间、身体、技术与意识形态的深度对话，旨在揭示当代舞台艺术如何回应时代精神，以及艺术家们如何通过剧场这一独特媒介，挑战既有的观看模式，重塑人与人之间的连接。本书集合了跨学科的视角，融合了哲学思辨、人类学观察与细致的舞台技术分析，为专业人士和对当代剧场抱有热情的普通读者提供了一个理解和进入复杂剧场世界的坚实框架。 第一部分：回归现场——空间、身体与在场性 1. 剧场的物理学：从“观看”到“共存” 本部分首先探讨了剧场空间本身的物质性及其对表演的影响。作者摒弃了传统“镜框式”舞台的单向凝视，深入分析了伸展舞台、中心舞台、沉浸式剧场（Immersive Theatre）以及Site-Specific（特定场域戏剧）的实践。重点分析了这些空间布局如何重新分配观众的权力与感知焦点，迫使观众从被动的观察者转变为事件的共同参与者。 “在场性”的危机与重建： 面对数字媒介的普及，剧场如何捍卫其作为“活的事件”的独特价值？本书细致考察了“在场性”（Liveness）在后剧场时代面临的挑战，并探讨了现场感如何通过身体的脆弱性、时间性的不可逆转性以及观众群体的集体呼吸而被重新确立和放大。 技术与材料的介入： 讨论了新型材料（如反射性织物、动态结构）以及灯光、声音设计如何不再仅仅是背景元素，而是成为叙事主体和表演伙伴。特别分析了如何通过精确的物理干预来操纵观众的情感反应和空间认知。 2. 表演的拓扑学：身体作为意义的载体 本章聚焦于当代演员的身体训练与表演方法。本书认为，当文本不再是唯一的权威时，身体成为了最直接、最敏感的表达工具。 后戏剧性身体的谱系： 追溯了从格罗托夫斯基（Grotowski）的“贫乏剧场”到当代舞蹈剧场（Tanztheater）的身体探索历程，探讨了身体如何被“去戏剧化”以揭示其内在的生物性与社会结构。 非言语的语法： 分析了沉默、呼吸、凝视与姿态在当代剧场中的“句法学”作用。这些非言语元素如何构成比对话更深层次的意义网络，特别是在处理创伤、身份政治等敏感议题时。 驯服与解放： 考察了艺术家如何训练身体以达到极致的控制（如精密的机械动作），以及如何通过意外、失控或表演的“失败”来释放意料之外的创造力。 第二部分：叙事之界——文本的消解与重构 3. 剧场叙事的瓦解：从线性到碎片化 本书挑战了传统戏剧对清晰因果链条的依赖，深入研究了后现代以来叙事结构的彻底转变。 非线性时间的运用： 分析了如何通过回溯、闪回、循环叙事或时间错位来挑战观众对“过去”“现在”的线性理解，以模拟记忆的复杂性和现代生活的断裂感。 “散文体”的剧场： 探讨了当代剧作中大量引用的、非戏剧性的文本——如新闻报道、学术论文、社交媒体评论——如何被整合入舞台语言，模糊了“文学性”与“现场记录”的界限。 “去中心化”的主体： 研究了在多媒体剧场中，角色不再由单一演员承载，而是由影像、声音、装置共同构建的现象，以及这种“主体消散”对身份认同的探讨意义。 4. 策展、档案与剧本之外的文本 当代剧场越来越倾向于将排练过程、历史文献、甚至观众反馈本身视为创作材料。 档案的介入： 考察了纪录剧场（Verbatim Theatre）的伦理和美学挑战，即如何忠实地转述真实人物的语言，同时又不陷入简单模仿的陷阱。 创排的可见性： 分析了“开放式排练”和“过程戏剧”的兴起，这些实践将创作的挣扎、选择和未定性展示给公众，使排练本身成为表演的一部分。 第三部分：美学与意识形态——剧场作为批判场域 5. 跨媒介的融合：影像、声音与数字的交响 本部分侧重于技术如何从辅助工具转变为美学范式。 屏幕的重返与异化： 区别于将屏幕视为背景的传统做法，本书分析了如何利用实时影像捕捉、延迟播放、或将表演者置于屏幕内部（如视频电话会议场景）的方式，来探讨媒介对现实的扭曲作用。 声音景观的建构： 探讨了环境音、白噪音、电子音乐如何取代传统配乐，创造出具有强烈心理压迫感或疏离感的“声景”，并分析了空间音频技术如何影响观众的空间定位感。 互动性与虚拟现实的边界： 初步探讨了VR/AR技术在剧场中的萌芽应用，思考这些技术如何模糊了“观看者”与“体验者”的界限，以及它们对剧场“公共性”的潜在稀释。 6. 政治的剧场：伦理、参与和抵抗 剧场从未脱离其社会语境。本书最后一部分将美学实践置于更广阔的政治与伦理场域中进行审视。 “唤醒”与“麻醉”的张力： 批判性地考察了当代剧场中常见的激进美学策略，分析其是否真的能够实现政治动员，还是最终沦为精英阶层的自我满足。 多元化与代表性： 深入讨论了边缘群体（如酷儿、残障、少数族裔）的身体和故事如何在主流舞台上被“看见”和“听见”，以及艺术家在处理身份政治时可能陷入的表演化陷阱。 未来剧场的伦理责任： 总结了当代剧场在面对全球性危机（气候变化、社会不公）时，应如何利用其在场性和集体体验的优势，构想一种更具责任感和前瞻性的艺术实践。 本书通过对无数实验性作品和关键理论家的思想进行穿透性解读，描绘了一幅当代剧场复杂、充满活力且不断自我颠覆的蓝图。它要求读者放下对“好故事”的执念，转而拥抱剧场作为一种感知世界的、充满不确定性的动态过程。

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