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页数:395

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出版时间:2009-4

价格:38.00元

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isbn号码:9787300102047

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• 古代文论
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《世界艺术思潮变迁史》 第一章：古典时代的艺术哲学与理论基石 本卷聚焦于人类文明早期，艺术理论的萌芽与奠基阶段。我们将深入探讨古希腊时期柏拉图的“理念论”如何深刻地影响了对艺术模仿（Mimesis）的认知，以及亚里士多德在《诗学》中对悲剧结构、净化（Catharsis）效应的系统性分析，这些构成了西方艺术理论的最初框架。随后，我们将考察古罗马时期，如贺拉斯对诗歌“教诲与愉悦”（Dulce et utile）的强调，以及昆体良对修辞学在艺术表达中作用的阐述。本章将详细剖析在宗教思想尚未完全主导艺术表达的古典时期，理性主义和对形式完美的不懈追求是如何塑造了早期的审美标准。特别地，我们会对比考察不同文化背景下，如古埃及和美索不达米亚文明，其艺术实践与其宗教、政治功能如何构建了初步的理论体系，尽管这些体系多以实践守则的形式存在，而非系统化的哲学论述。 第二章：中世纪的“光”与“神圣”的象征秩序 进入中世纪，艺术理论的重心彻底转向神学。本章将阐释基督教神学如何成为理解和评价艺术的唯一范式。重点分析圣奥古斯丁对“美”的定义——与上帝的和谐统一，以及托马斯·阿奎那如何将亚里士多德的哲学重新整合入基督教教义，确立了以“完备性、和谐性、清晰性”为核心的中世纪审美三要素。我们将细致研究哥特式大教堂的建筑理论，探讨光线（Lux Nova）在美学和象征意义上的极端重要性，以及这一时期对图像（Iconography）的严格规范，如何限制了艺术家的自由想象，转而强调其作为传达神谕的工具属性。此外，本章还会涉及拜占庭艺术中对圣像画的“神圣必然性”的理论坚持，以及伊斯兰艺术中对抽象几何和书法艺术的精妙理论化处理。 第三章：文艺复兴的“人本”觉醒与古典的复兴 文艺复兴标志着艺术理论的重大转折点，其核心在于“人”的重新发现。本章详细梳理了从十五世纪意大利开始的对古典艺术理论的系统性回归。我们将重点分析莱昂·巴蒂斯塔·阿尔伯蒂（Alberti）在《论绘画》中对“视错觉”（Illusionism）的数学化和科学化处理，以及他对“建筑师的理性”的推崇。达芬奇的笔记则揭示了艺术家如何开始将自己视为科学家和哲学家，强调观察和经验在艺术创作中的决定性作用。本章的重点在于线性透视法的理论构建，这不仅是一种技术革新，更是对世界空间和人眼认知中心地位的理论确立。米开朗基罗与拉斐尔的创作理论，以及早期北方文艺复兴对细节描摹的理论化追求，也将作为重要的补充进行考察。 第四章：巴洛克与洛可可的激情、情感与感官 在十六世纪末至十八世纪中叶，艺术理论开始从古典的理性平衡转向对情感和运动的捕捉。本章探讨巴洛克艺术理论如何强调“动感”（Moto）和戏剧性（Drammaticità）的表达。卡拉瓦乔的光影运用（Tenebrism）如何被理论家解读为对人性挣扎的象征化表达，以及贝尼尼雕塑中对瞬间永恒的捕捉，其背后的理论支撑。我们将分析鲁本斯在对“丰满美”的推崇中体现出的生命力理论。紧接着，洛可可风格的兴起带来了对轻盈、愉悦和私密性美学的理论探讨，这标志着艺术审美开始更多地关注贵族阶层的感官体验，而非宏大的叙事或宗教主题。 第五章：启蒙运动的崇高与优美之辩 十八世纪是艺术理论进行严格分类和美学构建的关键时期。本章将集中讨论英国美学家（如柏克）提出的“崇高”（The Sublime）与“优美”（The Beautiful）的对立理论。柏克对“恐惧中带来的愉悦”的理论分析，直接为浪漫主义的兴起铺平了道路。同时，我们将考察狄德罗对当时法国绘画的评论，他如何在批评中不断尝试建立一种基于道德和市民美德的新艺术标准。法国学院派对“古典高贵”的坚守与新兴的自然主义倾向之间的理论拉锯战，构成了本章的核心冲突。 第六章：浪漫主义对主观性、自然与民族精神的颂扬 浪漫主义理论彻底颠覆了启蒙运动的理性至上原则。本章将深入分析歌德对有机发展和“自然之爱”的审美强调，以及施莱格尔兄弟（Schlegel Brothers）对“浪漫主义的无限性”和“自我反思”的理论构建。浪漫主义理论的核心在于对艺术家“天才”（Genius）概念的推崇，即认为艺术的真正源泉是个体内心深处不可言喻的、非理性的创造力。我们还会探讨浪漫主义者对异域文化、中世纪哥特式复兴的理论辩护，以及他们如何将民族精神和历史情感融入艺术理论的构建中。 第七章：十九世纪中叶的现实主义、科学与“艺术为艺术” 随着工业革命的深入，艺术理论开始寻求与新兴的社会现实和科学思潮接轨。本章首先梳理现实主义（Realism）理论家（如巴尔扎克、福楼拜）如何主张艺术必须忠实记录社会现象，将艺术视为一种社会科学的观察工具。紧接着，我们会分析“唯美主义”（Aestheticism）的理论崛起，特别是王尔德等人提出的“为艺术而艺术”（Art for Art's Sake）的激进主张，这直接挑战了此前所有将艺术与道德、政治或教育功能相绑定的理论传统。蒲鲁东等社会主义思想家对艺术的社会责任的再探讨，也构成了对唯美主义的反制力量。 第八章：现代主义的破碎、实验与对传统的颠覆 二十世纪初的艺术理论进入了前所未有的多元与冲突阶段。本章将系统梳理现代主义各个流派的理论主张。立体主义（Picasso, Braque）对多重视角的理论解析；未来主义（Futurism）对速度、机器和暴力的美学颂扬；以及康定斯基和马列维奇在抽象艺术领域对“精神性”和“纯粹形式”的理论探索，他们试图彻底剥离艺术与再现对象的关系。表现主义对内在心理冲突的理论化表达，以及达达主义和超现实主义对潜意识、偶然性和荒谬性的理论性挖掘，都构成了对既有美学体系的根本性瓦解。 第九章：战后语境下的新理论：结构主义、现象学与后现代的思辨 第二次世界大战后，艺术理论的关注点从作品本身转向了观看者、语境和意义的生产机制。本章探讨了结构主义美学（如罗兰·巴特对神话的解析方法在艺术中的应用）如何试图解构艺术作品背后的意识形态编码。现象学美学（如梅洛-庞蒂）如何重新强调身体经验和感知在艺术理解中的核心地位。同时，本章将重点分析后现代主义理论的兴起，特别是对“宏大叙事”的质疑，以及对挪用（Appropriation）、拼贴（Pastiche）和挪用历史文本的美学辩护。鲍德里亚的拟像（Simulacra）理论如何解释大众文化和艺术的边界模糊，为当代艺术的理论思考提供了新的框架。 第十章：当代艺术的媒介转型与全球化视野下的美学重构 本卷的最后部分关注当代艺术理论的前沿议题。我们将考察装置艺术、行为艺术、影像艺术等新媒介的出现如何挑战了传统的美学范畴（如“持久性”和“空间性”）。关于“观看政治”（Visual Politics）的理论讨论，尤其是在身份政治、酷儿理论和批判种族理论影响下的艺术批评，如何重塑了对艺术作品的权力关系解读。最后，本章将探讨在全球化背景下，非西方艺术理论和实践如何被纳入主流话语体系，以及当代美学在技术干预（如数字艺术、AI艺术）面前所面临的伦理与本体论挑战。

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