'70s Funk and Disco Bass pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Hal Leonard Corporation

作者:Josquin des Pres

出品人:

页数:32

译者:

出版时间:2001-04-01

价格:USD 14.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780634028564

丛书系列:

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《70年代的复古律动：探索贝斯在放克与迪斯科音乐中的灵魂》 在这段充满色彩与活力的音乐旅程中，我们深入探寻上世纪七十年代放克（Funk）与迪斯科（Disco）音乐浪潮的核心——那跳跃、撼动灵魂的贝斯线。这本书并非简单地罗列歌单或介绍几位明星乐手，而是试图解析那个时代贝斯演奏如何从幕后走向台前，成为音乐的驱动力，如何以其独特的律动和音色，塑造了放克音乐的硬朗与迪斯科音乐的迷幻，并最终影响了之后数十年间的流行音乐发展。 七十年代，是一个音乐风格爆炸性增长的年代。摇滚乐依然强劲，但一股更具节奏感、更侧重舞蹈性的音乐力量正在悄然崛起。放克音乐，以其极简却极富感染力的节奏型，以及对“节奏”本身近乎偏执的追求，重新定义了音乐的“律动”。而迪斯科，则将这种律动放大，注入了闪亮的灯光、华丽的弦乐和人声，创造了一种集体狂欢的氛围。在这两者交织融合的背景下，贝斯吉他扮演了一个至关重要的角色，它不再仅仅是和声的支撑，而是成为了音乐的骨骼，是驱动舞池的引擎。 我们首先将目光聚焦于放克音乐中贝斯的神奇蜕变。在詹姆斯·布朗（James Brown）的音乐帝国中，贝斯手们如巴兹·卡尔斯（Bootsy Collins）和格雷格·维科（Greg Wickham）等，将贝斯从简单的根音填充者，转变为一位技艺精湛的旋律制造者。他们运用了大量的切音（Muting）、滑音（Sliding）以及“弹拨”（Plucking）和“勾弦”（Hammer-on/Pull-off）等技巧，创造出一种独特的、具有“咬劲”的音色。这种音色，配合着鼓的强烈节奏，形成了一种让人无法抗拒的“Groove”。我们将在书中深入剖析这些标志性的放克贝斯乐句，例如“The One”的强调，即在一拍的第一拍上强调重音，以及各种复杂的切分音和跳音，这些元素共同构成了放克贝斯令人着迷的“摇摆感”。 例如，马尔科姆·麦克雷（Malcolm Shabazz）在“Funky Drummer”中的贝斯演绎，虽然这个曲目以鼓手克莱德·斯塔布菲尔德（Clyde Stubblefield）的鼓solo闻名，但其贝斯部分同样功不可没。它与鼓声紧密结合，互相呼应，形成了一种如同有机体般运转的节奏。书中将通过乐谱分析和演奏技巧讲解，带你领略这种“人鼓合一”的演奏境界。 再者，我们不能忽视放克贝斯对旋律性的贡献。不同于一些纯粹以节奏为导向的音乐，七十年代的放克贝斯手们也常常能编织出令人难忘的旋律线条。他们能够在保持强劲节奏的同时，巧妙地加入一些悠扬的音符，使得贝斯部分既有律动感，又不失音乐的丰富性。书中将选取一些经典曲目，如“Chameleon”（Herbie Hancock）和“Flash Light”（Parliament Funkadelic），来分析其贝斯手如何做到这一点，如何运用音程关系和节奏变化来构建出具有辨识度的旋律。 接下来，我们将进入迪斯科的璀璨世界，探究贝斯在其中扮演的角色。与放克音乐的粗犷和直接不同，迪斯科音乐更加注重氛围的营造和整体的流畅性。迪斯科贝斯线通常更加平滑、连贯，带有更多的八分音符和十六分音符的流动，为舞池提供了稳定而持续的律动。书中将重点分析像贝尔·德·沃恩（Bernard Edwards）在CHIC乐队中的经典贝斯演奏。他的贝斯线，如“Le Freak”和“Good Times”，以其流畅的旋律、精准的切分和巧妙的低音行走（Walking Bass）技巧，成为了迪斯科音乐的教科书。 我们将详细解析贝尔·德·沃恩的演奏特点：他如何利用简单的音符组合，创造出令人难以置信的音乐能量；他如何通过对节奏的精准把握，让整个乐队如同一个巨大的、统一的机器；以及他如何运用一些装饰音，为原本流畅的贝斯线增添了独特的“闪光点”。书中将提供具体的乐谱示例，并辅以演奏提示，帮助读者理解这些经典贝斯线的构建原理。 此外，我们还将探讨一些其他重要的迪斯科贝斯手，如菲尔·格拉纳（Phil Granell）在KC and the Sunshine Band中的演奏。他的贝斯线虽然不像贝尔·德·沃恩那样以复杂的旋律著称，但其坚实、有力的节奏感，为迪斯科音乐的能量注入了强大的动力。书中将对比不同风格的迪斯科贝斯演奏，分析它们在创造舞曲律动方面的不同侧重点。 这本书并非只停留在理论层面。我们邀请了多位在七十年代放克与迪斯科音乐领域具有深厚造诣的音乐人和音乐史学家，分享他们对这个时代贝斯音乐的见解和回忆。他们将从演奏者的角度，讲述创作过程中遇到的挑战与灵感，以及他们如何理解和诠释“Groove”的精髓。这些第一手的资料和故事，将为读者提供一个更深入、更具人情味的视角。 我们还将深入研究影响七十年代贝斯发展的技术革新。例如，合成器的出现，虽然在早期迪斯科音乐中更多地被用于旋律和音效，但一些前卫的放克和迪斯科音乐人也开始尝试用合成贝斯来创造全新的音色和律动。书中将探讨合成贝斯如何在迪斯科音乐中与传统电贝斯并存，以及它们如何共同构建出那个时代的独特声音。 当然，任何音乐风格的形成，都离不开其所处的时代背景和社会文化。七十年代，是一个充满变革和解放的时代。放克与迪斯科音乐的崛起，与当时的社会思潮、城市文化以及人们对音乐娱乐的渴望息息相关。书中将简要回顾那个时代的历史脉络，探讨音乐如何反映和引领社会变化，以及贝斯在其中扮演的文化角色。 除了对技巧和理论的深入分析，本书还包含了一个重要的部分：如何将这些七十年代的贝斯精髓运用到当代的音乐创作中。我们鼓励读者不仅仅是学习和模仿，更是要理解这些经典贝斯线背后的音乐逻辑，并将其创新性地融入到自己的音乐之中。书中将提供一些现代音乐的案例，分析其中受七十年代放克与迪斯科贝斯影响的元素，为读者在现代音乐创作中提供灵感。 总而言之，《70年代的复古律动：探索贝斯在放克与迪斯科音乐中的灵魂》是一本旨在为读者提供全面、深入、富有启发性的贝斯音乐指南。它将带你穿越时空，重返那个充满激情与活力的年代，感受贝斯在放克与迪斯科音乐中如何以前所未有的方式，释放出最原始、最纯粹的律动能量。本书的内容，将不仅仅是音乐理论的讲解，更是一次关于音乐灵魂的探索，一次关于节奏与生命力的对话。它适合所有对七十年代放克与迪斯科音乐充满热爱，对贝斯演奏技巧和音乐史感兴趣的乐手、音乐爱好者和研究者。通过本书，你将不仅仅是学会如何演奏，更是理解了为什么这些贝斯线能够跨越时空，至今仍能触动我们的灵魂。

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这本书的装帧设计给我留下了非常深刻的“迪斯科时代”的印象，色彩和字体选择都非常大胆，很有那个年代的标志性风格。我是一位非常注重“历史背景与社会语境”的研究者，我希望通过音乐书籍了解特定时期社会思潮如何映射到艺术创作中。这本书在介绍音乐风格的起源时，确实提到了七十年代的社会背景，但很快就将焦点收缩到了纯粹的技术层面——关于指法的运用、律动的精确性、以及如何应对特定现场的音响条件。我试图从中寻找关于“身份认同”和“社区构建”在那个音乐浪潮中扮演的角色，但这些内容被巧妙地避开了，或者说，没有被纳入作者的考察范围。书中的配乐示例都是以乐谱形式呈现，非常严谨，但同时也缺乏对那个时代即兴演奏的精髓的探讨。对我而言，即兴的“错误”和“意外”往往蕴含着最丰富的文化信息，而这本书似乎更推崇一种完美的、无可挑剔的“标准答案”。它成功地教会了读者如何复制那个时代的律动，但没有深入探讨如何理解这种律动的文化根基，这使得它在我看来，更像是一份精准的“模仿指南”，而非一本全面的“文化研究”。

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我是在一个旧货市场偶然翻到这本书的，当时我主要关注的是一些关于和声学基础的教材，希望能找到一些更扎实的理论支撑。这本书的厚度让我有些惊讶，感觉像是大学一年级的教科书，内容密度应该不低。打开内容目录，我立刻发现它似乎完全跳过了我正在深入研究的那个时间段，几乎所有的章节标题都指向了那些高能量、高强度的节奏模式。书中的插图部分非常引人注目，有大量乐器设备的特写，看得出作者对硬件有着深入的了解，比如那些经典的合成器和效果器，每一个细节都被标注得非常准确，这对于硬件发烧友来说绝对是个宝藏。但对我这种更倾向于用极简配置挖掘声音潜能的人来说，这些篇幅略显冗余了。我试图在后面的章节中寻找一些关于“空间感”和“音色雕刻”的探讨，希望能找到一些通用的贝斯演奏哲学，但很快就发现，这本书的核心始终围绕着“如何让舞池沸腾”这一主题展开，它的解决方案似乎都建立在那些标志性的、极具时代烙印的音色之上。文字风格非常直接、实用，充满了“你必须这样做”的指导性，少了些许探讨和哲学思辨，更像是一份详尽的、不可违抗的乐队排练指南。我希望能从中找到一些跨越风格的演奏技巧，但最终发现，它所有的技巧都紧密地系在这个特定流派的语境之下，让人难以将其完全抽离出来进行普适性应用。

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这本书的封面设计着实抓人眼球，那种饱和度极高的橙色和紫色搭配，瞬间就把我拉回了那个迪斯科灯球闪耀的年代。拿到手里感觉分量很实在，纸张的质感也相当不错，油墨印制得很清晰，即便是那些细小的图表和音符看起来也毫不费力。我本来是想找一些关于早期爵士布鲁斯贝斯的资料，但这本书的整体调性显然完全偏向了更具律动感和放克色彩的那个时期。书脊上的烫金字体在灯光下闪闪发光，让人对里面的内容充满了期待。翻开扉页，精美的插图和一些那个时代音乐家的黑白照片占据了很大的篇幅，它们不仅仅是装饰，更像是一种历史的见证，让人感受到那个音乐黄金时代的脉搏。这本书的排版非常讲究，左右两栏的结构清晰明了，让人在阅读和对照示例时，能够非常流畅地进行目光的转移，这在技术类书籍中是非常重要的细节。我尤其欣赏它在章节开头的引言部分，用非常生动且富有画面感的文字描绘了当时的音乐场景，仿佛能听到鼓点在耳边响起。不过，对于我更偏好的内省、沉思型的音乐风格来说，这本书的热烈氛围显得有些过于外放了，它散发着一种强烈的、需要立即站起来摇摆的能量，这与我目前的心境稍有不符。整体来看，这是一本制作精良、视觉冲击力极强的音乐书籍，它成功地构建了一个特定音乐流派的视觉和实体体验。

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最近我一直在研究如何用现代的制作技术去重新诠释那些老派的律动，因此我对任何提及“节奏骨干”的书籍都抱持着极大的好奇心。这本书的装帧设计，说实话，有点太“复古”了，那种略带粗糙的纸张触感，虽然试图营造年代感，但在我看来，反而显得不够专业和精致。我主要关注的是技术层面的讲解，比如不同调式在特定和弦进行中的应用，以及如何构建具有叙事性的低音线。这本书确实有一些关于音阶和指法的练习，但它们大多是基于快速的、重复性的律动型循环，对于需要复杂进行变化的曲式结构着墨不多。我尤其想知道在那种“无限循环”的舞曲结构中，贝斯手是如何避免听觉疲劳和单调感的，这本书似乎没有深入探讨这一高级的编曲策略。相反，它花了大量的篇幅去详细解析了某些特定歌曲的片段，那些片段本身是精彩的，但对于我正在进行的，旨在创造全新音乐语言的目标来说，参考价值有限。它更像是一本“曲目拆解速查手册”，而不是一本“贝斯艺术的演进史”。另外，书中的图例部分，虽然详细，但缺乏对这些技巧背后的声学原理的深入剖析，导致我看完之后，感觉只是学会了“怎么做”，而没有理解“为什么会是这样”。

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我带着一种探索音乐文化根源的心态来审视这本书的。我原本期待能从中读到关于“黑人音乐传统如何影响了电子音乐的早期发展”这样的宏大叙事。这本书的开篇非常引人入胜，用强烈的口吻描述了地下俱乐部文化中的音乐生态，这种叙事手法很有感染力。然而，随着阅读深入，我发现它的重点迅速转向了对特定演奏技巧的机械化分解。例如，关于手感和触感的描述，虽然力求精确，但始终缺乏对演奏者内心状态——那种与鼓手、与听众之间微妙的能量交换——的描绘。在我看来，音乐的灵魂往往存在于这些难以量化的部分。这本书更像是一份技术手册，详细记录了“什么音符该在哪里弹奏”，而较少触及“你弹奏这个音符时，你在想什么”。它里面的案例几乎全部集中在那些节奏感极其强烈的、以身体反应为主导的音乐作品上。对于那些需要深度思考、强调情绪张力和微妙动态变化的音乐流派，这本书提供的视角就显得相对单薄了。它是一面镜子，清晰地反射出那个特定时代的活力，但对于想要探索更广阔音乐图景的人来说，它提供的参照系可能有些过于局限了。

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