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出版者:Hal Leonard Corporation

作者:Hal Leonard Publishing Corporation

出品人:

页数:239

译者:

出版时间:2004-04-01

价格:USD 22.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780634054105

丛书系列:

图书标签:

• 乐谱
• 爵士乐
• 音乐
• 艺术
• 文化
• 历史
• 美国
• 20世纪
• 音乐史
• 非虚构
• 传记

《爵士乐：聆听美国精神的脉搏》 一、 历史的回响：爵士乐的诞生与萌芽 爵士乐，一个充满活力、自由奔放的音乐名词，它并非凭空出现，而是深深植根于美国南部的土壤，是无数文化融合的结晶。要理解爵士乐，就不能不追溯其源头。19世纪末20世纪初，新奥尔良，这座历史悠久的港口城市，成为了爵士乐的摇篮。这里汇聚了非洲、欧洲、加勒比等地的音乐传统，非洲裔美国人丰富的节奏、旋律和即兴表演的基因，与欧洲的乐器、和声以及当地的民俗音乐相互碰撞、交融，孕育出了独一无二的音乐形式。 非洲裔美国人的音乐遗产是爵士乐最核心的驱动力。他们带来了深沉的情感表达，对节奏的独特把握，以及在劳作号子、宗教圣歌中不断发展的即兴创作能力。这种音乐，承载着他们的历史、他们的苦难、他们的希望，以及他们对自由的渴望。当这些元素与欧洲古典音乐的和声理论、管乐器的运用相结合时，爵士乐的雏形便开始显现。 新奥尔良的特殊地理位置和文化环境，为这种音乐的成长提供了温床。作为美国重要的港口和文化交汇点，这里汇聚了来自世界各地的人们，带来了各种音乐风格。同时，新奥尔良充满活力的夜生活，繁荣的娱乐产业，也为音乐家提供了表演的舞台和交流的机会。在街头巷尾、酒吧俱乐部、甚至是送葬队伍中，都能听到充满感染力的爵士乐。 早期的爵士乐，也被称为“新奥尔良爵士乐”或“Dixieland Jazz”，其特点是多声部即兴演奏。乐手们在既定的旋律框架下，各自发挥创意，相互呼应，形成一种织体丰富、充满活力的声音。这其中，小号、长号、单簧管是重要的旋律乐器，而班卓琴、吉他、低音提琴和鼓则构成了节奏的基础。路易斯·阿姆斯特朗（Louis Armstrong）无疑是这一时期的代表人物，他的出现，将爵士乐推向了一个新的高度，他的演奏技巧、演唱风格以及对爵士乐的贡献，至今仍被奉为圭臬。 二、 风格的演变：从蓝调到摇滚的跨界 爵士乐并非一成不变，它随着时代的发展、技术的进步以及音乐家们的不断探索，呈现出多元化的风格演变。这种演变，不仅仅是音乐形式上的变化，更是对社会文化变迁的映照。 蓝调（Blues） 毫无疑问是爵士乐最深刻的源头之一。它以其独特的“布鲁斯音阶”和“摇摆节奏”而闻名，歌词内容常常表达非洲裔美国人生活中所经历的贫困、歧视、失落和对美好生活的期盼。蓝调的音乐结构相对简单，通常是十二小节的循环，但其情感的张力和即兴的自由度，为爵士乐的产生奠定了坚实的基础。可以说，没有蓝调，就没有爵士乐。 随着爵士乐的发展，摇摆乐（Swing） 在20世纪30年代至40年代迎来了它的黄金时代。以大乐队（Big Band）的形式演奏，摇摆乐更加注重整体的编排和音乐的流畅性。这种风格的爵士乐，节奏感强，旋律优美，适合跳舞，迅速风靡全美，成为当时最受欢迎的音乐形式。本尼·古德曼（Benny Goodman）、杜克·艾灵顿（Duke Ellington）、坎特·贝西（Count Basie）等都是摇摆乐的代表人物，他们的音乐充满了激情与活力，唤醒了一个时代的乐观精神。 二战后，随着音乐家们对音乐的探索更加深入，比波普（Bebop） 应运而生。比波普是一种更加复杂、速度更快、即兴成分更强的爵士乐风格。它摒弃了大乐队的宏大编排，转向小型乐队，强调演奏者的个人技巧和音乐的实验性。查理·帕克（Charlie Parker）、迪兹·吉莱斯皮（Dizzy Gillespie）等比波普大师，用他们出色的技艺和创新的和声，挑战了传统的爵士乐规则，将爵士乐推向了艺术化的道路。比波普的出现，标志着爵士乐从大众娱乐转向了更具艺术探索性的音乐。 进入20世纪50年代，酷派爵士（Cool Jazz） 悄然兴起，与比波普的激烈形成对比，酷派爵士更加注重旋律的抒情性、节奏的舒缓以及整体的和谐感。迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）的专辑《Birth of the Cool》是这一风格的代表作。酷派爵士的出现，为爵士乐增添了一抹内敛而优雅的色彩。 与此同时，硬波普（Hard Bop） 作为比波普的延续和发展，在60年代占据了重要地位。硬波普在保持比波普的复杂性和即兴性的同时，更加强调蓝调和福音音乐的影响，使得音乐更加具有“灵魂”和“律动感”。亚特·布莱基（Art Blakey）及其爵士信使乐队（Jazz Messengers）是硬波普的杰出代表。 20世纪60年代末至70年代，融合爵士（Fusion） 成为一股不可忽视的力量。融合爵士将爵士乐的即兴与摇滚乐的节奏、电声乐器的运用相结合，创造出了一种全新的、更具时代感和商业吸引力的音乐。迈尔斯·戴维斯的《Bitches Brew》是融合爵士的开创性作品，它模糊了爵士乐与摇滚乐的界限，为爵士乐注入了新的生命力。 三、 乐器与技法：爵士乐的灵魂之声 爵士乐的魅力，很大程度上体现在其独特的乐器配置和高超的演奏技法上。这些元素共同构成了爵士乐充满生命力的声音。 节奏部分 是爵士乐的基石。鼓手 凭借其对节奏的精准把握和丰富的打击乐器运用，为整个乐队提供稳定的律动和变化。他们不仅要负责打拍子，更要通过巧妙的节奏组合，与旋律和和声形成互动，推动音乐的发展。低音提琴（早期多用原声贝斯，后期电贝斯也广泛使用）则提供坚实的低音线条，连接和声与节奏，其Walking Bass（行进贝斯）的演奏技法是爵士乐的重要标志之一。钢琴 在爵士乐中扮演着多重角色，既是和声的构建者，也是旋律的演奏者，更是即兴 solo 的重要乐器。吉他（包括原声和电吉他）也常用于演奏和声和旋律，其音色变化多样，能够为音乐增添独特的色彩。 旋律部分 则更加多样化，常常由一系列具有独特音色的管乐器来呈现。萨克斯风（包括高音、中音、次中音和低音萨克斯风）是爵士乐中最具代表性的乐器之一，其丰富的情感表达能力和极强的即兴潜力，使其成为无数爵士乐手的首选。小号 以其明亮、穿透力强的音色，在爵士乐中扮演着至关重要的角色，其高亢的旋律和精湛的技巧，能够瞬间点燃听众的热情。长号 以其圆润、饱满的音色，为爵士乐增添了厚重感和温暖感。单簧管 在早期爵士乐中尤为突出，其流畅的旋律和变化多端的音色，为音乐带来了独特的韵味。 除了以上提到的乐器，颤音琴（Vibraphone）、手风琴、小提琴 等乐器也在某些爵士乐风格中得到应用，为爵士乐增添了更多可能性。 即兴演奏（Improvisation） 是爵士乐最核心的艺术特征。在爵士乐的演奏中，乐手们并非完全遵循乐谱，而是在既定的和声与节奏框架下，根据自己的音乐理解和情感表达，自由地创作旋律。这种即兴的自由度，使得每一次爵士乐的演奏都成为独一无二的艺术体验，充满了惊喜与活力。乐手们通过对乐器技巧的极致运用，对和声理论的深刻理解，以及对音乐情感的敏锐捕捉，在演奏中展现出惊人的创造力。 四、 爵士乐的影响：跨越音乐的边界 爵士乐的魅力不仅在于其音乐本身，更在于它对其他艺术形式以及社会文化产生的深远影响。 在文学领域，爵士乐的自由精神、即兴的结构和充满活力的节奏，深刻影响了“垮掉的一代”（Beat Generation）等文学流派。杰克·凯鲁亚克（Jack Kerouac）、艾伦·金斯堡（Allen Ginsberg）等作家，在他们的作品中常常模仿爵士乐的自由散漫和情感表达，试图用文字捕捉音乐的灵魂。 在绘画和舞蹈领域，爵士乐的节奏感、色彩和动感，也为艺术家们提供了灵感。抽象表现主义画家，如杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）的作品，其看似随意的线条和色彩，与爵士乐的即兴精神有着异曲同工之妙。爵士舞也因其自由、奔放和富于变化的特点，成为一种重要的舞蹈形式。 更重要的是，爵士乐成为了美国精神的象征。它代表着自由、创新、个人主义和文化融合。在动荡的20世纪，爵士乐为人们提供了一个宣泄情感、寻找慰藉和表达自我的方式。它打破了种族隔阂，促进了不同文化之间的理解与交流，成为了一种跨越国界的通用语言。 如今，爵士乐已经成为一种世界性的音乐，并在全球范围内不断发展演变。虽然音乐形式在不断变化，但爵士乐的核心精神——即兴、自由、情感表达和对创新的追求——依然存在。它不仅仅是一种音乐类型，更是一种生活态度，一种对艺术的不懈追求，一种对生命的热情拥抱。聆听爵士乐，就是聆听美国精神的脉搏，感受时代变迁的律动，品味艺术的无限魅力。

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读完这本书，我感觉自己进行了一次极其密集的认知重塑之旅。作者的结构安排非常大胆，他没有采用线性的时间轴叙事，而是像一位高明的指挥家，随时将听众拉入不同的情绪漩涡。他大量运用了对比和互文的手法，比如将某个内敛的钢琴家和某个狂放的号手放在相邻的章节进行描绘，这种强烈的反差，反而凸显了艺术形式的广度和包容性。我深感佩服的是作者处理历史背景的功力，他能轻而易举地将经济萧条、社会运动、种族冲突这些宏大的时代命题，巧妙地融入到音乐的微观细节之中，让你清晰地看到，每一个音符背后都承载着沉重的历史重量。这本书的语言是极具张力的，有些段落的句子极短，充满爆发力，像是突然响起的强音；而有些段落则长而迂回，充满思考的余韵，如同一个冗长而美妙的尾奏。它要求读者全神贯注，稍有走神，便可能错过某个关键的转折点。

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这本书简直是把一个时代的声音揉碎了、再用最精妙的乐章重新拼贴了起来。我得说，那种扑面而来的自由感和无序中的和谐，是其他任何音乐类书籍都难以企及的。作者的笔触极其细腻，他没有简单地罗列那些传奇人物的名字，而是深入到汗水、烟雾缭绕的地下酒吧的空气里，去捕捉那些即兴演奏时，乐手们灵魂深处的颤动。读着读着，我仿佛能闻到威士忌和陈年木头的味道，耳朵里充斥着萨克斯风那略带沙哑却又无比穿透力的呜咽。最让我震撼的是，他对于“即兴”这一核心概念的探讨，远超出了音乐技巧的范畴，上升到了一种哲学层面——那是对既定规则的反叛、对当下瞬间的绝对忠诚，以及对未知可能性的热烈拥抱。这种对生命状态的描绘，使得这本书超越了音乐史的范畴，成为了一部关于人类精神挣扎与解放的史诗。我尤其欣赏作者在描述不同流派演变时的那种跳跃性思维，一会儿从新奥尔良的泥泞中拔足狂奔，一会儿又跌入了纽约的摩天大楼阴影下，那种节奏的切换本身就模仿了音乐的结构，让人欲罢不能。

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老实说，这本书的厚度让我一开始有些望而却步，但一旦翻开扉页，那种沉浸式的体验立刻将我牢牢锁住。作者对于“氛围”的捕捉能力，简直是出神入化。他笔下的场景不是静止的画面，而是流动的、感官全开的体验场。他不会简单地说“气氛很热烈”，而是会描绘出汗水如何从天花板滴落，乐器上的镀铬如何反射出舞台昏暗的灯光，以及观众席上传来的那种压抑到极致后的集体释放感。这种细节的堆砌，构建了一个极具真实感的虚拟空间。更值得称赞的是，作者对音乐家个人心理解构的深度。他没有把他们塑造成不食人间烟火的天才，而是展示了他们如何与焦虑、贫困、自我怀疑搏斗，最终将这些挣扎转化为音乐的燃料。这种对人性复杂面的直视，让整本书的基调显得既忧郁又充满韧性，它告诉你，伟大的艺术往往诞生于最不光彩的角落。

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这本书的叙事风格简直就像是老式黑胶唱片被重新启动，带着微微的电流杂音和温暖的颗粒感，直击人心。它不是那种教科书式的冷硬分析，更像是一位资深乐迷，拉着你坐在他家客厅里，用最真诚的语气，分享他那些不为人知的“内幕消息”。作者对乐器之间微妙的对话关系的把握，简直是神乎其技。比如，他对鼓点如何从简单的节奏支撑，逐渐演变为叙事主角的描绘，那段文字读起来简直就像是在听一场鼓的独奏会——从轻敲的“刷子”声，到雷鸣般的“重音”，每一种力度的变化都被赋予了清晰的意义和情感色彩。我尤其喜欢作者对“失真”和“不完美”的赞颂，他明白，那些恰到好处的走音、那些突然的停顿，才是区分“演奏”与“生活”的界限。这种对艺术本质的深刻洞察，使得全书充满了生命力和粗粝的美感，读完后，我感觉自己对世界上的许多“不合时宜”的表达，都多了一份宽容和欣赏。

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这本书给我最大的启发是，它让我明白了什么是真正的“跨界对话”。作者在探讨音乐发展脉络时，时不时会跳出现有的音乐语境，去引用文学、建筑，甚至是数学中的某些概念来佐证自己的观点，这让阅读过程充满了智力上的挑战和乐趣。我特别欣赏他对于不同地域风格融合的论述，他清晰地梳理了跨洋传播中，那些被保留和被丢弃的元素，以及这种“杂交”过程如何催生出全新的生命力。这种宏观的视野，使得这本书不再局限于某个音乐流派的爱好者，而是对所有追求创造性突破的人都有启发。他的文字结构极其富有节奏感，段落之间的衔接常常是通过一个意想不到的隐喻或一个突然出现的人物侧写来完成，这使得阅读体验非常流畅，就像是在经历一场精心编排的音乐会，你永远不知道下一个高潮会从哪个方向袭来，但你确信它一定会到来，而且会恰到好处。

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大师演出的note-for-note transcription,非常难得的第一首资料。为数不多的advanced level的爵士乐谱。

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