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出版者:江苏文艺

作者:陈方//李成//沈恒

出品人:

页数:234

译者:

出版时间:2005-4

价格:58.00元

装帧:

isbn号码:9787539920597

丛书系列:

图书标签:

• 电子琴
• 乐器
• 音乐
• 键盘乐器
• 入门
• 教学
• 演奏
• 音乐教育
• 兴趣爱好
• 才艺培养

《指尖的流光：音乐启蒙之旅》 这本书并非关于电子琴的机械构造、电路原理或是复杂的乐理知识。它更像是一本邀请您一同踏上音乐启蒙之旅的随身指南，一本唤醒您内心深处对旋律的渴望，并指引您如何用最自然、最直接的方式去感受音乐的书。 想象一下，在一个阳光明媚的午后，微风拂过窗帘，空气中弥漫着淡淡的花香。您坐在舒适的角落，手中拿着一本并非教科书、也非技术手册的书。这本书的封面可能没有华丽的插图，但散发着一种温暖而亲切的气息。翻开第一页，您不会看到复杂的音阶图表，也不会有关于和弦进行的深奥论述。取而代之的，是一段引人入胜的故事，讲述了音乐是如何伴随人类文明一同呼吸、一同成长的。 第一章：唤醒沉睡的听觉 这一章将带您重新审视我们日常生活中无处不在的“声音”。它不是让你去分辨高低音，也不是让你去识别乐器。而是引导你留意那些被我们忽略的声音：雨滴落在窗棂上的节奏，风吹过树叶沙沙的声响，孩童嬉戏时清脆的笑声，甚至是我们自己心跳的律动。作者会通过生动的笔触，描绘出声音的质感、色彩和情感，让你意识到，音乐并非遥不可及，它就蕴藏在生活的细微之处。我们会探讨如何用一颗敏感的心去聆听，如何捕捉那些转瞬即逝的声响，并从中体会到微妙的情绪变化。这不仅仅是对声音的感知，更是一种对世界万物联系的微妙体悟。 第二章：旋律的种子：节奏与情感的初探 在建立了对声音的敏感度之后，我们将开始探索音乐的骨架——节奏。但这并非枯燥的拍子练习。作者会以诗意的语言，描述不同节奏所带来的感受：舒缓的节奏如母亲轻柔的摇篮曲，带来宁静与安详；激昂的节奏则像奔腾的河流，充满力量与活力。我们会通过一些生活中常见的场景来类比，例如走路的步伐、心跳的起伏，甚至是烹饪时食材碰撞的声音，来理解节奏如何影响我们的情绪。这一章更侧重于“感觉”，而不是“理解”。我们会鼓励读者去模仿、去感受、去创造属于自己的简单节奏，用肢体去表达，用声音去呼应。这是一种最本能的音乐表达方式，一种与生俱来的音乐天赋的唤醒。 第三章：音高的舞蹈：色彩与情绪的描绘 如果说节奏是音乐的骨架，那么音高就是音乐的色彩。本章将带领读者走进一个充满色彩的世界，让音高不再是抽象的数字，而是跳跃的精灵。作者会用形象的比喻，将不同的音高与色彩、形状甚至情绪联系起来。例如，低沉的音高可能象征着大地厚重的色彩，带来稳重感；而高亢的音高则如同蓝天般明亮，充满希望与轻盈。我们会引导读者去观察大自然中不同声音的高度变化，比如鸟儿婉转的鸣唱，风的呼啸，河流的低吟。并通过一些简单的游戏，比如用身体去模仿不同高度的声音，或者用语言去描绘一段旋律的“高低起伏”，来加深对音高的感知。这一章强调的是音高与情感之间的微妙关联，以及如何利用这种关联来表达内心的感受。 第四章：和谐的共鸣：声音的对话与交织 当不同的声音同时响起，当旋律与旋律交织，便产生了和谐的共鸣。本章将探讨声音之间的关系，以及它们如何相互映衬，创造出更丰富、更动听的音乐。但这里不会涉及复杂的和声理论，而是通过一些生动的故事和生活中的例子来阐释。比如，两个人同时说话，有时会产生有趣的“打断”和“接话”，这就像是音乐中的对话；而朋友之间默契的配合，则如同乐器之间的和谐共鸣。我们会鼓励读者去尝试与他人一起发出声音，去倾听彼此的声响，感受声音的互动与融合。甚至可以从观察周围环境的声音出发，去感受不同声音的叠加所带来的听觉体验。这是一种关于“合作”与“连接”的音乐体验。 第五章：情感的流淌：音乐作为心灵的语言 音乐最动人的力量在于它能够直接触动我们的情感，成为我们表达内心最深处情感的载体。在这一章，我们将深入探讨音乐与情感之间的紧密联系。作者会分享一些感人至深的故事，讲述音乐是如何在人们的喜怒哀乐中扮演重要角色的。我们会引导读者去思考，为什么某些旋律会让我们感到悲伤，而另一些则让我们充满喜悦？这是因为音乐触及了我们内心深处的情感共鸣点。本章将鼓励读者尝试用声音去表达自己的情绪，无论是最简单的哼唱，还是随意的吟哦。我们会发现，音乐不仅是一种艺术形式，更是一种强大的情感表达工具，它能够跨越语言的障碍，直抵人心。 第六章：创造的乐趣：随心所欲的旋律游戏 本书的最终目的，是激发您内心深处最纯粹的创造力。在这一章，我们回归到最本源的音乐创作方式——随心所欲的“玩耍”。这里没有对错，只有乐趣。我们将提供一些简单而有趣的“音乐游戏”，鼓励您用各种方式去探索声音的可能性。例如，可以收集身边的各种小物件，制造出有趣的声音；可以尝试用不同的语调去模仿动物的叫声；甚至可以尝试将日常的对话变成一段富有节奏感的“歌唱”。重要的是打破思维定势，拥抱自由的表达。我们会发现，创造音乐并非是专业人士的专利，每个人都可以成为自己生活的音乐家。 尾声：音乐无界，心之所向 合上这本书，您不会变成一个技艺精湛的演奏家，但您一定会拥有一双更敏锐的耳朵，一颗更感性的心，以及一份更积极主动的音乐态度。这本书希望能为您打开一扇通往音乐世界的大门，让您明白，音乐并非是束缚在乐谱上的冰冷符号，而是流淌在我们血液中的生命之歌。它是一种体验，一种感受，一种与世界对话的方式。愿您在未来的日子里，无论身在何处，都能随时随地，用最简单的方式，感受音乐的美好，并随心所欲地创造属于自己的音乐。这本书，是关于您与音乐之间，一段充满惊喜与美好的相遇。

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这本书的章节划分逻辑实在令人费解。它不是按照传统的“入门-进阶-高级”模式来构建知识体系的，更像是作者思维的漫游记录。今天可能深入探讨了某个特定音色合成器的模块化设计，明天却突然跳跃到对二十世纪中期实验音乐家的访谈摘要。这种跳跃性使得阅读体验非常碎片化，很难建立起一个连贯的学习路径。我希望这本书能为我提供一个清晰的路线图，告诉我：第一周学习什么和弦构成，第二周开始练习琶音模式，第三周尝试编写一个简单的八度旋律。但这本书完全没有这种结构。它更像是作者在不同时期对电子琴这项乐器产生的各种零散感悟的集合。每次我试图在后面章节找到对前面理论的实际应用案例时，都会发现作者已经转向了另一个完全不相关的领域。这让我在阅读过程中需要不断地翻阅索引，试图将这些散落的珍珠串联起来，但最终发现，它们似乎本就不是设计来串联的，而是被随意放置的独立艺术品。对于一个追求效率和系统性的学习者来说，这种阅读体验无疑是令人沮丧的。

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这本书的装帧和印刷质量绝对是顶级的，这一点我必须首先点赞。纸张的选择非常考究，手感光滑细腻，墨水浓郁，即便是那些大段的文字排版，看起来也赏心悦目。我尤其喜欢其中穿插的一些黑白照片，它们捕捉的都是一些非常古典、甚至有些年代感的乐器场景，比如老旧的管风琴内部结构，或者是在昏暗灯光下沉思的钢琴家侧影。这些图片与文字内容之间的关系非常微妙，它们似乎在暗示着一种跨越时代的音乐传承。但是，当我试图将这些精致的视觉元素与我购买这本书的初衷联系起来时，那种失落感就油然而生了。我买《电子琴》是为了学习现代电子音乐的制作流程，是想了解数字合成器的工作原理，甚至希望能找到一些关于MIDI控制和DAW软件集成的实用教程。结果呢？我读到的更多是关于巴洛克时期对位法的现代隐喻，以及对早期电子音乐先驱者们（比如沃特·卡洛斯）的致敬。这让我感觉自己像是在一本艺术画册里寻找一份操作说明书，两者之间的断裂感非常明显。如果你只是想提升一下自己的“文化素养”，这本书或许合适，但若论“干货”，那真是少得可怜。

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最让我感到困惑的是书中对“电子”一词的理解。鉴于书名，我预设了大量关于电子元件、数字信号处理（DSP）或至少是当代电子音乐制作软件的介绍。然而，书中对“电子”的探讨，似乎更倾向于一种形而上的理解，即“人造的、非自然的振动”。作者似乎对现代电子音乐制作的工业流程抱有一种微妙的疏离感，甚至带着一丝批判的态度。书中几乎没有提到目前市场上主流的合成器品牌，更别提如何使用它们了。相反，它花费了大量的笔墨去描绘那些古老的、基于真空管或早期晶体管的实验性声音发生器，以及那些已经退出历史舞台的模拟合成器的“声音的温度”。这就像一本关于“汽车”的书，却只详细描述了马车的结构和马匹的驯化技巧，而对内燃机的工作原理只是一笔带过。我理解作者想要探讨声音的本质，但对于一个想要了解如何操作现代电子键盘的人来说，这本书提供的工具和知识视角，与我所处的现实环境相距甚远，显得有些“过时”或者说“脱节”。我需要的是实用的、可操作的知识，而不是对逝去时代的缅怀。

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天哪，我终于读完了这本**《电子琴》**，说实话，我的心情非常复杂。这本书的封面设计就给我一种很强的视觉冲击力，那种深邃的蓝色调和上面抽象的光影处理，仿佛预示着即将展开一段充满未知和探索的旅程。我一开始以为这会是一本纯粹的技术手册，毕竟书名摆在那里，我期待着能看到详尽的电路图、复杂的和弦指法解析，甚至是关于合成器音色设计的深度剖析。然而，当我翻开第一页，那种预期的技术性立刻就被一种近乎诗意的叙述风格所取代。作者似乎更热衷于探讨“声音”本身存在的哲学意义，而不是如何精确地按下某一个键。书中用了大量的篇幅去描述那些听不见的频率在空气中震动的轨迹，以及它们如何与人的情感发生共鸣。这完全出乎我的意料，我不得不承认，这种文学化的处理方式，虽然提升了整本书的“格调”，但对于我这个急切想知道如何快速入门演奏技巧的初学者来说，简直是场灾难。我花了整整一个下午的时间，试图从那些关于“音符的呼吸”的描述中提炼出一个实用的练习方法，结果只收获了一脑子的云雾。这更像是一部关于音乐美学的散文集，而不是我所期待的实用指南。

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坦白说，我是在一个朋友的极力推荐下才决定购入这本书的，他声称这本书“颠覆了他对键盘乐器的认知”。带着这种高度的期望，我几乎是一口气读完了前三分之一的内容。书中对“节奏”的解构尤其让人印象深刻，作者没有用标准的节拍器概念去定义时间，而是将其描述为一种“生命体的脉动”，一种潜藏在宇宙万物中的自然韵律。这种描述极具感染力，它让人感觉自己不再是僵硬地跟着节拍器练习，而是与整个世界同步呼吸。然而，这种高度抽象的哲学探讨，在实际操作层面却显得异常苍白。例如，书中提到如何通过“调整你的内在频率”来掌握三连音的微妙变化，这对我这种习惯了数拍子和手指肌肉记忆的实践者来说，简直是天方夜谭。我尝试着将书中的理论应用到我的练习中，结果就是手忙脚乱，速度不升反降。它似乎假设读者已经拥有了扎实的演奏基础和极高的悟性，能够将这种形而上的概念直接转化为指尖的精准控制。对于我们这些还在为准度和力度而挣扎的“凡人”来说，这本书更像是一种高高在上的理论展示，而非实用的指导工具。

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