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出版者:中山大学出版社

作者:中山大学艺术史研究中心 编

出品人:

页数:580

译者:

出版时间:2008-12-1

价格:138.00元

装帧:平装

isbn号码:9787306032386

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
• 美术史论
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凝视时光的回响：人类视觉文明的璀璨星河 本书并非对某一本特定著作《艺术史研究10》的阐述，而是对人类视觉文明波澜壮阔的宏大画卷展开一次深入的探索。我们将一同踏上一次穿越时空的旅程，从原始洞穴的壁画到数字时代的像素，追溯人类如何用色彩、线条、形态和空间来理解自身、解读世界、表达情感、构建信仰。这是一场凝视时光的回响，一次对人类创造力最耀眼光芒的致敬。 第一章：起源的低语——远古的象征与神话 我们的旅程始于人类意识的萌芽。在冰封的旷野，在幽暗的洞穴，当语言尚未发展出复杂的表达，图像成为了沟通与记录的唯一途径。南法的拉斯科洞穴、西班牙的阿尔塔米拉洞穴，那些栩栩如生的野牛、奔跑的马匹，并非简单的写实描摹，它们是古人对自然力量的敬畏，是对狩猎成功的祈愿，是对生命循环的理解。这些洞穴壁画，以其粗犷而有力的线条，质朴却充满象征意义的色彩，揭示了人类早期对宇宙万物的认知和原始的宗教观念。 在美索不达米亚的泥板上，在古埃及的石碑上，我们看到了更复杂叙事的诞生。苏美尔文明的楔形文字旁，浮雕上描绘着国王的功绩，神祇的威严，以及日常生活的场景。古埃及的金字塔、神庙和墓葬壁画，则以其程式化的造型、鲜艳的色彩和严谨的构图，构建了一个由法老、神明和来世组成的完整世界观。象形文字与图像的结合，不仅仅是记录，更是权力、信仰和宇宙秩序的视觉呈现。在这个阶段，艺术是宗教的仆从，是政治的喉舌，是社会凝聚力的象征。 第二章：文明的曙光——古希腊罗马的理想与现实 随着文明的步入成熟，人类开始将目光更多地投向自身。古希腊，这座被誉为“西方文明摇篮”的土地，孕育了对理性、和谐与美的极致追求。从朴素的几何图形到优雅的女神雕像，从宏伟的神庙到精美的陶器，希腊艺术呈现出一种理性而理想化的视觉风格。他们追求“黄金分割”的比例，崇尚“肉体美”的展现，米隆的《掷铁饼者》中肌肉的张力，菲迪亚斯的帕特农神庙雕塑中宁静而庄严的神情，都体现了对人体比例、动态和理想化美的探索。 罗马人继承并发展了希腊的艺术成就，同时注入了更强的实用主义和现实主义精神。他们以宏伟的建筑、逼真的肖像雕塑和生动的历史叙事画，展现了帝国的强大和社会的繁荣。斗兽场、万神殿，是工程技术与审美观念结合的典范；凯旋门上的浮雕，记录着战争的荣耀和帝王的伟业；波提亚的壁画，则展现了当时贵族生活的奢华与日常。罗马艺术，是力量、秩序与现实生活的有力证明。 第三章：信仰的烘焙——中世纪的虔诚与神秘 当罗马帝国的光辉逐渐暗淡，基督教的信仰之火在中世纪的欧洲熊熊燃烧。这一时期，艺术的重心从对现实世界的模仿转向了对精神世界的表达。教堂成为了艺术的中心，拜占庭马赛克的辉煌、罗马式建筑的厚重，哥特式建筑的纤细与高耸，都旨在引导人们的目光向上，通往神圣。 无论是拜占庭圣像画的平面化、程式化，还是中世纪手抄本插图的精巧细致，都透露着一种对神圣的敬畏和对尘世的疏离。圣经故事通过色彩斑斓的玻璃花窗、庄严肃穆的壁画和栩栩如生的雕塑得以传递，教会的教义和教士的权威通过艺术得到了最直观的强化。虽然在中世纪的早期，艺术似乎显得“不那么写实”，但这种“变形”背后，是对精神深度和超越性的追求。在东方的拜占庭帝国，拜占庭艺术以其独特的金色背景、神秘的光辉和庄严的人物造型，构建了一个神圣而永恒的视觉体系。 第四章：觉醒的时代——文艺复兴的理性与人文 随着欧洲社会经济的发展和思想的解放，文艺复兴的阳光驱散了中世纪的阴霾。这是一场对古典文明的“复兴”，更是一场对人本身的“觉醒”。艺术家们重新审视人体的结构，学习解剖学，探索透视法，将现实世界的观察与古典美学相结合。 达·芬奇的《蒙娜丽莎》神秘的微笑，米开朗琪罗《大卫》健美的身躯，《创世纪》中上帝创造亚当的宏伟场景，拉斐尔《雅典学院》中群贤毕至的智慧对话，都标志着艺术进入了一个全新的时代。这个时代，人不再仅仅是神的附属，而是被视为具有独立价值和尊严的个体。艺术家们通过对光影、色彩、构图的精妙运用，赋予作品以生命力和情感深度，追求“复兴”古典的和谐与比例，同时展现出对自然和人性的深刻洞察。 第五章：变革的洪流——巴洛克与洛可可的激情与享乐 文艺复兴的理性与和谐，在随后的巴洛克时期被注入了更为强烈的戏剧性、动感和情感张力。艺术家们运用夸张的造型、强烈的明暗对比、复杂的构图和华丽的装饰，来激发观众的视觉和情感。卡拉瓦乔的“暗光法”，贝尔尼尼雕塑的动态与情感，鲁本斯画作的丰腴与生命力，都展现了巴洛克艺术的感染力。 紧随其后，洛可可风格以其轻盈、精致、优雅和充满情趣的特点，将艺术带入了贵族的沙龙和闺房。以瓦托、布歇、弗拉戈纳尔等为代表的艺术家，创作了大量描绘田园生活、宫廷娱乐和浪漫爱情的作品，色彩明快，线条流畅，装饰繁复而细腻，营造出一种轻松愉悦的氛围。 第六章：工业的轰鸣——新古典主义、浪漫主义与现实主义 工业革命的巨轮滚滚向前，人类社会发生了翻天覆地的变化。艺术也随之进入了一个更加多元和激烈的时代。 新古典主义是对古典艺术的回归，强调理性、秩序和道德教化。大卫的《马拉之死》，以其冷静的构图和英雄主义的情怀，成为了法国大革命时期重要的艺术符号。 浪漫主义则强调情感、想象、个性与自由，对自然、历史和异域风情充满了热情。德拉克洛瓦的《自由引导人民》，席里柯的《梅杜萨之筏》，都充满了激昂的情感和对变革的渴望。 现实主义则将艺术的目光投向了普通人的生活和社会现实。库尔贝的《石工》，米勒的《拾穗者》，都以朴素而真挚的笔触，描绘了劳苦大众的生活，引发了人们对社会公平的思考。 第七章：色彩的革命——印象派与后印象派的视觉新语 19世纪末，艺术迎来了又一次革命性的飞跃。印象派艺术家们，如莫奈、雷诺阿、德加，将目光投向了瞬间的视觉感受，他们摆脱了画室的束缚，走到户外，捕捉光影的瞬息万变。他们运用短促的笔触，斑斓的色彩，试图展现“眼睛所见”，而非“头脑所知”。 后印象派艺术家，如梵高、高更、塞尚，在印象派的基础上，进一步探索绘画的内在情感和结构。梵高的狂放笔触和强烈色彩，高更的象征意义和异域情调，塞尚对物体的几何结构和空间关系的解构，都为20世纪的现代艺术奠定了基础。 第八章：现代的碎裂——野兽派、立体主义、抽象表现主义 20世纪初，艺术的界限被彻底打破。野兽派艺术家如马蒂斯，用大胆而鲜艳的色彩，表达纯粹的情感。立体主义，以毕加索和布拉克为代表，将物体分解成几何碎片，从多个角度同时呈现，挑战了传统的视觉透视。 之后，抽象艺术的兴起，标志着艺术彻底摆脱了对现实世界的模仿。康定斯基的纯粹抽象，蒙德里安的几何理性，都试图通过纯粹的形式和色彩，传达精神的内涵。二战后，美国的抽象表现主义，如波洛克、罗斯科，以其自由奔放的创作方式和强烈的个人情感表达，成为一股强大的艺术潮流。 第九章：观念的飞跃——波普艺术、观念艺术与当代语境 20世纪下半叶，艺术的边界进一步拓展。波普艺术，如安迪·沃霍尔，将大众文化、消费品和名人肖像引入艺术创作，模糊了高雅艺术与流行文化的界限。观念艺术则将艺术的重心从视觉形式转移到了思想和观念本身，强调艺术家的意图和作品背后的思考。 当代艺术更是呈现出前所未有的多元化和跨界性。装置艺术、行为艺术、影像艺术、数字艺术等层出不穷，艺术家们运用各种媒介和手段，关注社会、政治、环境、身份认同等议题，不断挑战和拓展着艺术的定义。今天的艺术，不再局限于传统的绘画和雕塑，而是渗透到我们生活的方方面面，成为我们理解世界、反思自身的重要途径。 结语：永恒的追问与未尽的探索 从洞穴壁画的粗犷线条，到数字屏幕的像素闪烁，人类的视觉文明是一部不断演进、不断创新的宏大叙事。每一次艺术的变革，都伴随着思想的解放、科技的进步和社会的发展。艺术，是人类最深刻的表达，是历史最真实的记录，是心灵最自由的飞翔。 本书的目的，并非穷尽艺术史的所有细节，而是勾勒出这条波澜壮阔的河流，引导读者一同感受人类创造力的无穷魅力，去发现那些隐藏在画作、雕塑、建筑和各种视觉形式背后的智慧、情感和时代的精神。让我们继续凝视时光的回响，去探索那些尚未被发现的美丽，去思考艺术在当下和未来扮演的角色，因为，人类对美的追求，对意义的探寻，永无止境。

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我是在寻找关于后现代主义建筑语境下，对“表皮（Skin）”概念的重新定义时偶然接触到这本书的。原以为它会集中讨论雅克·德里达或让·鲍德里亚的理论如何被应用于钢筋混凝土结构上，结果惊喜地发现，它将大量的篇幅放在了对20世纪70年代意大利激进设计运动中，那些昙花一现的实验性装置的记录与再评估上。那些用可回收材料搭建的、半永久性的公共艺术作品，通常在主流史册中被一笔带过，认为其缺乏持久的艺术价值。然而，本书作者却细致地考证了这些“垃圾美学”背后的政治诉求——如何通过快速的、可拆卸的结构来表达对既定权力空间的拒绝。他们甚至追溯了其中一位设计师与当时城市规划师之间书信往来的细节，揭示了设计理念在现实操作层面是如何被阉割或扭曲的。这种挖掘“被遗忘的声音”的努力，使得全书的论述充满了批判性的张力，它不是在赞美大师，而是在为那些边缘的、失败的尝试寻找理论上的立足点，读起来有一种振聋发聩的快感。

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这本书的阅读体验更像是在进行一场关于“观看行为”的田野调查，而不是在学习艺术史知识。《艺术史研究10》真正有趣的地方在于，它把大量的篇幅用于解析艺术史研究者自身的研究方法论的演变，近乎于一种“元研究”。它毫不留情地批判了二十世纪八十年代盛行的“图像学”传统，认为其过度依赖文本注释，脱离了实际的观看情境。作者花了整整三分之一的篇幅去详细记录了他们自己团队，如何在一个虚拟现实环境中，模拟了观众在不同照明条件和不同距离下，对一幅文艺复兴壁画的辨识过程。他们甚至设计了眼动追踪实验，来量化“注意力焦点”的转移。这种近乎社会科学实验的严谨性，使得这本书的结论不再是基于艺术家的个人阐释，而是建立在对大量“被试者”行为数据的统计分析之上。读完后，我开始怀疑自己过去所有依靠“直觉”和“感受”做出的艺术判断，这是一种非常彻底的知识冲击。

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这本书给我的感受非常“疏离”，但这种疏离感恰恰是其高明之处。它似乎刻意避开了所有我们熟悉的西方艺术史范式，将注意力投向了更广阔的地理和时间范围，但又不是那种泛泛而谈的“全球艺术”。它聚焦于几个非常具体且晦涩的案例：比如中亚草原上被认为已失传的青铜时代马具装饰的铸造技术，以及东南亚某群岛上仅存于口头传说中的“织网仪式”中的空间布局对后世宗教建筑的影响。最让我印象深刻的是对一个非常冷门的墨西哥前哥伦布时期陶土雕塑群落的分析，它完全没有从象征意义或神话故事入手，而是通过三维激光扫描数据，重建了这些雕塑在特定祭祀场所的声学反射效果。这种完全抽离了文化叙事，只关注物理交互和环境反馈的研究方法，让我对“艺术品如何在一个空间内发挥作用”这个问题产生了根本性的动摇。它仿佛在告诉我们，很多“艺术”的意义，可能就存在于我们感知不到的物理振动之中。

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这本《艺术史研究10》的厚度，光是掂在手里就让人感受到一种沉甸甸的学术分量。我本以为它会是一本那种传统意义上，按时间线索梳理古典主义到现代主义演变的教科书，但翻开目录后才发现，作者的野心远不止于此。开篇对拜占庭镶嵌画中光影处理的微观分析，简直是把我们带到了一个全新的观察维度。他们没有简单地描述“金光闪闪”，而是深入挖掘了不同时期工匠对矿物颜料折射率的理解和运用，甚至还牵涉到了当时的冶金技术对这些材料稳定性的影响。这种跨学科的视角，让原本枯燥的图像分析变得像是在侦破一个跨越千年的技术谜题。尤其是在讨论中世纪手抄本插图时，那种对羊皮纸纤维和墨水酸碱度如何影响色彩持久性的细致考证，让人不得不佩服研究的深度。这本书显然是写给那些不满足于表面解读，渴望触及艺术品“物质性”的硬核研究者看的，它要求读者不仅要有艺术史的知识储备，最好还能对材料科学和早期化学有所涉猎，否则，很多精妙的论证可能就只能望洋兴叹了。

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我期待的是一本关于“印象派光影捕捉”的经典回顾，结果收到的却是这份对媒介本体论的深度剖析。这本书的行文风格极其严谨，仿佛每一句话都经过了十次以上的逻辑推敲。其中关于“摄影术的诞生与油画媒介的结构性危机”这一章，作者并没有简单地重复传统论调，而是花费了巨大的篇幅去分析，当照相机提供了“精确”记录的可能后，颜料颗粒本身——比如普鲁士蓝和镉黄——在画布上所能提供的“不确定性”和“随机性”，如何反过来成为了画家们捍卫绘画主体性的最后阵地。他将颜料的化学不稳定性和油膜的自然氧化过程，视为一种主动抵抗媒介同质化的“反抗性物质”。这种将材料本身的物理属性提升到哲学高度的写作手法，非常具有挑战性，它要求读者必须精确理解艺术史语境下的各种术语，稍有走神，就会错过作者精心铺设的论证链条。

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姚崇新，于君方_《观音与地藏》

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