(06春)4下新概念写字课(义教课程标准) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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isbn号码:9787807115427

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• 新概念写字课
• 小学书法
• 四年级
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《中华诗韵鉴赏与创作》 内容提要： 本书是一部深度挖掘和系统梳理中华古典诗歌艺术的综合性读本。它不仅侧重于对唐诗、宋词、元曲等经典作品的文本细读和思想内涵的解读，更着眼于引导读者理解中国古典诗歌的审美范式、创作技巧及其所承载的民族精神与文化情怀。全书结构严谨，由浅入深，旨在为文学爱好者、师生以及所有对中国传统文化感兴趣的读者提供一个全面、深入且富有启发性的学习路径。 第一部分：溯源与基础——古典诗歌的源流与体式 本部分首先追溯了中国诗歌的源头，从《诗经》的质朴与现实主义精神，到《楚辞》的浪漫与瑰丽想象，勾勒出古典诗歌两大基本脉络的形成。 第一章：诗歌的摇篮：《诗经》与《楚辞》 详细分析了“风”、“雅”、“颂”的社会功能与艺术特色，重点探讨了《诗经》中赋、比、兴手法的运用及其对后世文学的影响。紧接着，深入解读屈原的“香草美人”意象群，剖析《离骚》宏大叙事结构中的哲学思考和政治抱负，阐释楚辞如何开创浪漫主义的先河。 第二章：汉魏风骨与六朝变奏 考察了汉乐府的民歌传统，分析建安文学中曹氏父子“慷慨悲歌”的时代背景与艺术风格，特别是建安风骨中蕴含的生命意识和家国情怀。随后，转向魏晋时期，探讨玄学对诗歌内容的影响，并对“永明体”的声律探索进行专门介绍，为唐代近体诗的成熟奠定技术基础。 第三章：格律的定型：近体诗的规范与突破 系统讲解了五言、七言律诗和绝句的平仄、对仗、押韵等严格的格律要求。本书并不止步于规则的罗列，而是通过大量的范例，阐释格律如何成为束缚与解放并存的艺术工具。例如，解析杜甫的“老骥伏枥，志在千里”中的工对，以及王维诗中“诗中有画”的意境营造。 第二部分：巅峰与高峰——唐诗的博大精深 本部分集中展现唐代诗歌的辉煌成就，按照流派和主题进行精细划分。 第四章：盛唐气象：现实与浪漫的交融 聚焦盛唐气象，重点分析李白“谪仙人”的自由精神与浪漫主义表达，解析其豪迈与飘逸的语言特色。同时，深入研读杜甫“诗史”的内涵，探讨其对社会动荡的深刻关怀，及其如何将个人命运与国家兴衰融为一体的“沉郁顿挫”风格。 第五章：山水田园与边塞雄风 系统梳理王维、孟浩然等山水田园诗派的“禅意”美学，探讨如何在平淡中见真趣，如何将自然景物与心灵感悟相契合。对比分析高适、岑参等边塞诗人如何以雄健的笔触描绘边疆风光和军旅生活，展现盛唐开疆拓土的豪情。 第六章：中晚唐的转型与深化 探讨安史之乱后诗坛的转向，关注白居易“新乐府运动”的社会批判力度及其通俗易懂的艺术追求。深入剖析李商隐、杜牧等晚唐诗人的唯美倾向、典故的运用以及情感的含蓄蕴藉，体会“无题诗”中复杂微妙的时代心绪。 第三部分：词曲的兴盛——宋代格律的解放与情志的抒发 本部分将词的音乐性和抒情性提升到新的高度，探讨词体如何成为宋代文学的主流。 第七章：宋词的音乐性与意境 解析词牌、长短句的音乐特征，阐述词体区别于近体诗的根本所在。重点研习柳永对都市生活和羁旅行人情感的细腻捕捉，以及晏殊、欧阳修等早期词人“婉约派”的典雅之风。 第八章：豪放与婉约的对峙与融合 详尽分析苏轼如何以诗为词，打破词的传统界限，开创“豪放”一派，将哲理、议论融入词中，展现其旷达的人生观。对比李清照的“易安体”，探讨其如何将闺阁情思提升到审美高度，及其晚年流离之苦的深沉表达。 第九章：理学影响下的词风 考察辛弃疾如何承接苏轼的豪放，将爱国情怀与壮志难酬的愤懑融入词作，研究其对典故的化用和对英雄意象的塑造。同时，探讨周邦彦等格律派对词体规范的坚守与发展。 第四部分：跨文体的视野——元曲与古典诗歌的终结 第十章：散曲与杂剧的世俗化 介绍了元代散曲的兴起，分析关汉卿、马致远等人的作品如何更贴近市井生活，语言更活泼自然。探讨元杂剧的叙事结构与人物塑造，理解其对后世戏剧文学的深远影响。 第十一章：诗歌艺术的技法与审美 本章为总结性章节，提炼古典诗歌创作中的核心技巧，包括意象的提炼、节奏的把握、对仗的精妙、情感的节制与宣泄。讨论中国古典诗歌“不着一字，尽得风流”的含蓄美学，以及其如何体现中国人“天人合一”的宇宙观。 本书特色： 经典选本的精炼性： 选取的例证皆为历代公认的经典名篇，确保学习内容的权威性。 跨体裁的整合性： 将诗、词、曲置于同一文化脉络下考察，展现中国文学体裁的演变逻辑。 理论与实践的结合： 深入浅出地讲解格律和技巧，并辅以详细的文本分析，便于读者模仿和实践。 文化底蕴的挖掘： 不仅分析文学技巧，更注重解析作品背后的历史背景、哲学思想和士人精神，使读者真正领会中华文化的博大精深。 本书旨在提供一种“走进”古典文学而非仅仅“了解”的阅读体验，帮助读者提升文学鉴赏力，培养深厚的文化素养。

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作为一个注重效率的现代人，我原本担心这样的传统教材会过于冗长和说教。然而，这本书的实用性远超我的想象。它并没有强迫你一下子掌握所有复杂的书写技巧，而是采取了阶梯式的难度递进。第一部分是基础的笔画和结构拆解，非常扎实；中间部分开始引入一些常用字的组合练习，开始关注“章法”的概念；而后续的内容，则开始引导我们思考如何将一个个孤立的字，组织成一篇篇具有生命力的文本。最妙的是，它在某些章节后面附带的“自查清单”或“错误常见集锦”，这些都是基于大量教学实践总结出来的，避免了学习者走一些不必要的弯路。这使得学习过程中的自我纠错变得非常高效，你不用等到老师批改，就能大致判断出自己哪些地方做得不到位，极大地提高了练习的质量而非仅仅是数量。

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这本书的封面设计得相当朴实，带着一种老派教育读物的特有气质，米黄色的纸张散发着淡淡的书卷气，拿到手里沉甸甸的，让人不禁想起小时候在课桌前认真描红的时光。我本来是抱着一种“随便翻翻，看看现在的教材是怎么样的”的心态去接触它的，没想到，光是目录部分就让我对接下来的内容有了更高的期待。它不像那些花里胡哨的教辅材料，一上来就堆砌复杂的理论或者五颜六色的插图，而是非常清晰地将基础的笔画、结构、间架，以及不同字体的演变脉络梳理得井井有条。特别是它对“间架结构”的讲解，简直是拨云见日，很多我以前凭感觉写不对的字，一下子就明白了症结所在——原来是某个部件的位置偏高了零点几毫米，或者某个偏旁部的横向拉伸不够充分。这本书的编排逻辑，像一位经验丰富的老教师在细细地为您铺路，每一步都走得踏实而稳健，绝不容许你在基础环节落下任何隐患。那种严谨中带着一丝不苟的教学态度，隔着纸张都能感受到，让人觉得，只要跟着它的节奏走，写出一手端正漂亮的字绝不是遥不可及的梦想。

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初翻这本书时，最让我眼前一亮的是它对“动态书写”的强调。我们现在很多练习册，往往只关注静态的成品字形，要求你像复印机一样模仿范字。但这本书似乎更关注“过程美学”。它用非常精妙的图示，分解了毛笔（或硬笔，视乎具体内容）在纸面上行进的轨迹，哪里该提笔，哪里该顿锋，哪里该回锋，描述得极其到位。我记得有一页专门讲“捺”的写法，它不是简单地告诉你“捺要舒展”，而是用几个连续的、带有速度标记的箭头图，告诉你从起笔到出锋，中间力量是如何层层递进，最后干净利落地收住的。这种深入到微观操作层面的指导，对于那些已经形成了一定书写习惯，但总感觉“差那么一点火候”的成年人来说，简直是醍醐灌顶。我立刻拿起笔尝试了一下，虽然一下子还无法完全掌握，但那种“明白了”的豁然开朗感，比单纯地抄写一百遍要有价值得多。它教会的不是“写什么”，而是“怎么写”。

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对我而言，阅读这本书的过程，其实是一种心性的修炼。在如今这个信息爆炸、注意力极度分散的时代，能够坐下来，专注于一笔一画的描摹和思索，本身就是一种难得的机会。这本书的语言风格是沉稳而充满鼓励性的，它很少使用空洞的赞美，更多的是针对性地指出提升空间。比如，在讲到行书的连带时，它没有过度渲染“潇洒飘逸”，而是细致地分析了如何控制笔墨的轻重缓急，以确保连带处的“气韵生动”而不是“潦草随便”。这种对细节的极致追求，潜移默化地影响了我的其他工作和生活态度——凡事都要有始有终，有起承转合。这本书不仅仅是关于写字的工具书，它更像是一本关于“如何专注与精进”的哲学读本，让人在拿起笔的同时，也找回了对工匠精神的敬畏。

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这本书的排版风格，说实话，非常“耐看”。它没有采用现在流行的极简主义或者高对比度设计，而是选择了那种沉静的、偏向于传统帖学的版式布局。字体的选择非常考究，正文的字体清晰有力，而范例字则力求还原传统楷书的韵味，笔画的粗细对比适中，结构疏密得当，让人在阅读和临摹之间能够平顺地切换心境。我特别欣赏它在一些难点字旁边设置的小贴士，那些提示语通常都非常简短精炼，直击要害。比如，对于一些容易写成“扁形”的字，它会用一句“取中宫收紧，横向稍展”来点拨，这种少即是多的教学哲学，体现了编者对汉字美学的深刻理解。读着它，仿佛不是在被动地接受知识灌输，而是在一位经验老到的书法导师的指导下，进行一场静心的对话，每一个字都蕴含着历史的沉淀和书写者的心意。

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