剑桥艺术史：文艺复兴艺术 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:译林出版社

作者:[英]罗萨·玛利亚·莱茨

出品人:

页数:109

译者:钱乘旦

出版时间:2009-1

价格:22.00元

装帧:

isbn号码:9787544707268

丛书系列:剑桥艺术史

图书标签:

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《文艺复兴艺术：从神圣到世俗的辉煌》 踏入十四世纪意大利的土壤，一段跨越数个世纪的艺术革新浪潮正悄然涌动。这股名为“文艺复兴”的运动，不仅是对古典时期辉煌的追溯与借鉴，更是一次对人性、自然与宇宙全新理解的视觉呈现。本书并非简单罗列名家名作，而是深入剖析这场波澜壮阔的艺术变革是如何在宗教、政治、社会、经济以及人文主义思潮的交织影响下，孕育出划时代的艺术杰作，并最终重塑了西方艺术的根基。 文艺复兴的黎明，并非凭空出现，而是对中世纪宗教艺术程式化表达的深刻反思。当时，艺术主要服务于宗教教义的传播，色彩浓烈、构图扁平，人物形象象征性强于写实性。然而，随着意大利城邦经济的繁荣，商贸的活跃，以及来自东方的古典文献的重新发现，一股新的知识与审美思潮开始弥漫。人文主义者们重新审视人作为个体的重要性，歌颂人的理智、情感与能力，这种思想的转变，自然而然地投射到了艺术创作上。 本书将带领读者穿越时空，首先回到早期文艺复兴的佛罗伦萨。在这里，乔托作为一位承前启后的巨匠，他的壁画开始展现出对空间深度和人物情感的细腻捕捉，为后来的革新者们铺平了道路。马萨乔的“圣三位一体”则标志着透视法的成熟运用，赋予了画面前所未有的立体感与真实感。而多纳泰罗则将古典雕塑的严谨与写实主义完美结合，他的大卫像，以其青春的健美与独立的姿态，成为了人文主义精神的象征。 随着时间的推移，文艺复兴的中心逐渐向罗马和威尼斯转移，艺术的巅峰也随之到来。本书将重点探讨这“高潮时期”的杰出代表。在罗马，达·芬奇以其超凡的智慧与对自然细致入微的观察，将科学与艺术融为一体。他的《蒙娜丽莎》神秘的微笑，《最后的晚餐》跌宕的人物情感，都体现了他对人性深邃的洞察。米开朗琪罗，这位集雕塑家、画家、建筑师于一身的天才，他的西斯廷教堂天顶画，以其磅礴的气势、雄健的造型和对人体结构的精妙描绘，被誉为人类艺术史上的奇迹。而拉斐尔，则以其温和的画风、和谐的构图以及对理想化人物的塑造，展现了文艺复兴艺术的优雅与宁静，他的“雅典学院”更是汇聚了古希腊哲学群贤，是对理性与知识的最高赞歌。 除了绘画和雕塑，文艺复兴时期的建筑也取得了辉煌成就。布鲁内莱斯基设计的佛罗伦萨大教堂穹顶，以其工程学的创举和古典主义的比例，成为城市的地标。而文艺复兴建筑的另一位巨匠——阿尔伯蒂，则系统地总结了建筑理论，将古典的秩序与和谐带入了现代建筑设计。 威尼斯画派则以其对色彩和光影的卓越运用，展现了与佛罗伦萨、罗马画派截然不同的风格。提香以其奔放的色彩、丰富的笔触和对人物内心世界的深刻描绘，成为威尼斯画派的代表。他的作品洋溢着生命的活力与感官的愉悦，为后来的巴洛克艺术埋下了伏笔。 本书还将深入探讨文艺复兴艺术中一些关键的主题。例如，宗教题材如何在新的时代语境下被重新诠释？艺术家如何将古典神话融入宗教画作，以表达更深层的哲学思考？世俗题材的兴起，如肖像画、风景画的出现，又反映了社会怎样的变迁？人与自然的关系，如何在艺术家眼中得到新的审视？本书将通过对这些问题的探讨，揭示文艺复兴艺术为何能够突破时空的限制，至今仍能触动人心。 此外，本书还会关注文艺复兴时期艺术家的社会地位的变化。他们不再仅仅是工匠，而是被视为拥有独立创造力的天才，与学者、哲学家并驾齐驱。他们与教会、贵族、富商之间错综复杂的关系，也对艺术的创作方向产生了重要影响。 最后，本书将追溯文艺复兴艺术的遗产，探讨它如何影响了后来的巴洛克、古典主义乃至现代艺术的发展。理解文艺复兴艺术，就是理解西方文明走向现代化的重要节点，理解人类对自身、对世界不断探索与创造的精神。通过本书，您将不仅仅是观赏美丽的画作，更是理解一段波澜壮阔的历史，感悟一次深刻的思想洗礼。

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1／10 就像艺术评论杂志说的一样，是一本色彩丰富的平易入门手册。作为教材的补充和扩展推荐（笔者用的教材是央美的外美简史）。下面简述两本书的区别，以及本书的要点。 1、写作顺序不同 教材：依据国家地域叙述：意大利－尼德兰－德国...  

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子皿 20190211 注： 这本书的趣味性略差，略肤浅。结合傅雷的《世界美术名作二十讲》一起看对文艺复兴会有更深的理解。 文艺复兴是一种大心情。木心如是说。Reborn of classical antiquity, 重生又青于蓝。 当翡冷翠圣母百花大教堂的钟声撕破中世纪的黑暗，当米开朗基罗从一整...  

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《剑桥艺术史：文艺复兴艺术》，[英]罗萨·玛利亚·莱茨。 《剑桥艺术史》是非常经典的艺术史入门读物，我现在是按照年顺序序往下读。 如果说之前的《古希腊罗马艺术》让人看完就想立马买张机票去希腊的话，那么《文艺复兴艺术》简直是意大利旅游种草机。一个个如雷贯耳的大艺...  

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微信公众号：枫言枫语（MapleJustin） 可能我们今天太习惯现代艺术形式的自由与主题的高深莫测，动辄为了世界和平，控诉战争，重建信念，再加上当代各种行为艺术、装置艺术、科技艺术等等名目令人眼花缭乱，仿佛只要看不懂的东西就可以称之为艺术了。如果我们以这样的角度去...  

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微信公众号：枫言枫语（MapleJustin） 可能我们今天太习惯现代艺术形式的自由与主题的高深莫测，动辄为了世界和平，控诉战争，重建信念，再加上当代各种行为艺术、装置艺术、科技艺术等等名目令人眼花缭乱，仿佛只要看不懂的东西就可以称之为艺术了。如果我们以这样的角度去...  

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翻阅此书时，我最大的感受是它的“百科全书”特质，但这种特质也带来了明显的取舍。可以肯定地说，如果你需要一份关于文艺复兴时期所有重要艺术家、他们的主要作品、以及作品的详细“出处”和“收藏地”的清单，这本书几乎是无可匹敌的详尽。它像一个巨大的数据库，每一个重要的人名和地名都被清晰地标记和解释。但问题在于，这种包罗万象的企图心，使得任何一个主题的探讨都显得有些“浅尝辄止”。比如，当涉及到威尼斯画派的色彩运用时，它会提及乔尔乔内和提香，但随后很快就会转向米兰的雕塑传统，试图在一个相对有限的篇幅内覆盖整个意大利半岛的艺术动态。这导致我读完后，对各个流派的“本质区别”依然感到模糊。我更需要的是深入挖掘一两个核心案例，比如圣彼得大教堂的建造过程，或者《最后的晚餐》的修复历史，从中提炼出那个时代艺术生产的运作机制。这本书却像一个快速掠过所有景点的旅游手册，信息量巨大，但缺乏深度聚焦，很多关键的艺术概念，如“理想美”的哲学基础，只是被一带而过，没有得到足够多的篇幅去细细品味其内在的张力与矛盾。

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拿到这书时，我本来是想找一本能让我快速进入状态，理解文艺复兴艺术的“钥匙”。结果发现，它更像是一把精密的、用来拆解复杂机械的工具箱。书中的论述结构极其严密，每一章的过渡都像是一条逻辑严谨的数学证明链，论据环环相扣，推导无可指摘。这种结构优势在于其无懈可击的系统性，你可以清晰地看到从早期佛罗伦萨的萌芽到后期罗马的集大成，艺术是如何一步步地“进化”的。但是，这种过于理性的叙述方式，却极大地削弱了艺术应有的那种直击人心的力量。作者似乎对艺术家的个人“天才性”持保留态度，更倾向于将艺术视为一种社会和历史的必然产物，是特定经济条件和社会需求的集合体现。我尝试着去寻找那些关于米开朗基罗的激情、达·芬奇的好奇心这些“八卦”或“轶事”的描写，试图从中找到一些情感上的共鸣点，但这些都被淹没在对“人文主义思潮如何渗透到宗教题材绘画中”这类宏大命题的深度分析里。这本书的文字密度非常高，读起来需要极高的专注力，稍不留神就会错过一个关键的限定词，从而导致对后续段落理解的偏差。它强迫读者以一种近乎冷酷的、历史学家的视角去审视那些本应充满激情的杰作。

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这本书的语言组织充满了典型的学术论文的腔调，句式复杂且多用被动语态，这使得它在理解上的门槛设置得相当高。很多观点需要反复阅读才能真正把握其核心的论点。例如，作者在论述文艺复兴时期艺术赞助体系的转变时，会频繁引用拉丁文术语和历史学家的专有概念，使得初学者必须频繁查阅脚注或自行搜索背景知识，这极大地打断了阅读的连贯性。它似乎更侧重于“知识的传递”而非“阅读的愉悦”。我期待的是一种能将复杂的历史背景和艺术家的生平故事有机融合在一起的叙事，让读者在了解“是什么”的同时，也能体会到“为什么会这样”的内在驱动力。然而，这本书更像是将“艺术史的各个分支学科”——社会学、经济学、材料学——的知识点生硬地拼凑在一起，缺乏那种将所有元素熔铸成一篇流畅动人故事的能力。读完后，我脑海里留下的是一堆分类清晰的知识点，而非一段连贯而令人难忘的艺术之旅的回忆。

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这本厚重的书籍，光是掂在手里就能感受到它承载的重量，纸张的质感带着一种老派的庄重感，油墨的香气隐约能让人联想到那些欧洲古老的图书馆。我原本是抱着一种朝圣般的心态去阅读的，期待着能够一窥那个辉煌时代的艺术面貌。然而，当真正沉浸其中，却发现它更像是一部详尽的、近乎学术的编年史，而非我期待中那种能带领我穿越时空的画廊导览。作者对于作品的描述，往往过于注重风格的演变、技术细节的革新，比如透视法的精确应用、明暗对比的细微调整，这些无疑是严谨的，但对于一个普通爱好者来说，阅读过程显得有些枯燥乏味。我花了好大力气才跟上作者对不同学派画家之间复杂关系的梳理，那些错综复杂的赞助人网络和地域性的艺术流派差异，在文字的堆砌下，像是一幅幅没有色彩的地图，难以在脑海中构建出鲜活的画面。说实话，我更希望书中能多一些对作品背后人物情感的剖析，或者对那些标志性建筑如何影响了当时人们的精神世界的探讨，而不是沉溺于对颜料配方和雕塑肌肉纹理的学术式罗列。它更像是给专业研究人员准备的参考手册，而非面向大众的艺术启蒙读物，读完后，我感觉自己掌握了很多知识点，却依然无法真正“感受”到那个时代艺术的脉搏。

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我发现这本书的行文风格极其的“克制”，甚至可以说是冷峻。它几乎从不使用任何带有强烈情感色彩的形容词来描述艺术作品的美感，避免了任何可能被视为“主观臆断”的评价。例如，描述拉斐尔的壁画时，用词多为“构图的平衡性”、“色彩的和谐性”或“人物姿态的典雅性”，而非“令人震撼的”、“光芒四射的”之类的词汇。这种严谨的态度无疑保证了学术上的公正性，但也让阅读体验变成了一场持续的、对“事实”和“风格标签”的辨认游戏。对于我这种渴望被艺术作品的魅力所感染的读者来说，阅读过程就像是在阅读一份极其详尽的博物馆展品说明文字的集合体，而不是一本充满激情的艺术史叙事。书中的插图虽然数量不少，排版也尚可，但很多关键的细节图注显得过于微小，而对那些具有革命性意义的创新点，比如早期油画对光线处理的突破，文字解释显得过于理论化，没有配上足够直观的对比图例来佐证其重要性。总体而言，它更像是一部需要搭配其他更具故事性的读物一起使用的工具书，否则很容易在知识点的迷宫中迷失方向。

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感觉这本书有点儿读不太进去。

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不如《绘画观赏》和《古希腊罗马艺术》。论述风格重描写轻分析，没有什么恍然大悟的快乐，翻译更是一言难尽。尽管如此，当曾经流连过的建筑、绘画、雕塑再次出现眼前，心中的震动仍如初次所见，艺术的美是永恒的。

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灰常一般。顶多算是本关于文艺复兴的庸见的小词典。

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这本也不够好。与第一本相比，浅显得令人惊讶。

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从建筑到绘画，全面复兴古希腊和古罗马的艺术遗产。