舞蹈鉴赏

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出版者:
作者:马健昕
出品人:
页数:237
译者:
出版时间:2008-9
价格:29.00元
装帧:
isbn号码:9787811341676
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

《舞蹈鉴赏》内容简介:该书从中外舞蹈发展史、舞蹈流派、舞蹈种类、舞蹈艺术原理以及舞蹈创作与鉴赏的多个角度对舞蹈艺术进行了全面的介绍,既可作为普通高等院校进行舞蹈艺术素质教育的教材和参考书籍,也可作为广大舞蹈艺术爱好者进行舞蹈认知与陶冶的兴趣读物。

艺术之眼:西方绘画流派发展史 本书简介: 本书旨在为读者提供一部系统、深入的西方绘画流派发展史的导览。我们不再将艺术史视为一系列孤立的风格演变,而是将其视为一场宏大而连贯的对话,是人类文明、技术革新与社会变迁的视觉载体。本书力求超越传统的断代叙事,从艺术的哲学根基、社会功能和技术革新等多个维度,剖析从古典时代萌芽到后现代主义蓬勃发展的各个主要流派的内在逻辑与相互影响。 第一章:古典的基石与中世纪的沉思 (公元前5世纪 – 14世纪) 本章首先追溯西方视觉艺术的源头——古希腊和古罗马的雕塑与壁画传统。重点探讨“理想美”的哲学基础,即柏拉图主义和亚里士多德对形体、比例和叙事清晰度的追求,及其在建筑装饰和公共艺术中的体现。 随后,我们将视角转向中世纪。面对基督教神学对世俗经验的超越性强调,绘画艺术经历了巨大的结构性转变。我们详细分析了拜占庭镶嵌画的神圣光芒与平面化特征,以及罗马式和哥特式大教堂中的玻璃花窗和壁画所承担的“无字之书”的教化功能。本章强调,中世纪艺术并非“落后”,而是完全服务于一种不同的、以信仰为中心的宇宙观。透视法、人体解剖学被暂时搁置,取而代之的是象征意义的绝对优先性。 第二章:文艺复兴的觉醒与人文主义的曙光 (15世纪 – 16世纪) 文艺复兴,是西方艺术史上一次彻底的“回归”与“超越”。本章集中探讨佛罗伦萨作为中心,艺术家如何重新发现并系统化地运用古希腊罗马的知识体系。 我们将深入分析线性透视法的发明者布鲁内莱斯基和马萨乔的工作,揭示空间感如何在绘画中被科学地重建。紧接着,我们会详细阐述早期文艺复兴对自然主义的初步探索,以及盛期文艺复兴(达·芬奇、拉斐尔、米开朗基罗)如何将人文主义思想——即肯定人的价值和潜力——融入到完美的和谐与平衡之中。达·芬奇对光影(Sfumato)和解剖学的痴迷,拉斐尔对构图的典雅处理,以及米开朗基罗对人类形体力量的极端颂扬,构成了这一时期的核心。 第三章:巴洛克与洛可可:情感的张力与宫廷的奢华 (17世纪 – 18世纪中叶) 随着宗教改革的深入和反宗教改革的兴起,艺术的功能也随之分化。巴洛克艺术,以其强烈的戏剧性、动感和光影对比(明暗对比法),成为表达情感和宗教激情的最有力工具。卡拉瓦乔的极端现实主义与丁托列托的动态构图,以及贝尼尼雕塑与建筑的融合,构成了巴洛克艺术的标志。 本章对比了意大利、西班牙和尼德兰(如鲁本斯和伦勃朗)在巴洛克语境下的不同侧重:伦勃朗如何运用光线来揭示人物的内在精神世界,而不是仅仅描绘外部事件。 紧随其后的是洛可可风格。洛可可标志着艺术从宏大的叙事转向对私密享乐、轻盈与装饰性的追求。华托和布歇的作品,以其柔和的色调和贵族沙龙的闲适主题,反映了18世纪法国宫廷文化的巅峰与衰落。 第四章:启蒙的理性与浪漫的激情 (18世纪末 – 19世纪中叶) 启蒙运动催生了新古典主义,它以雅克-路易·大卫为代表,强调理性、道德的清晰和古罗马共和的美德,试图通过艺术来规范社会行为。 然而,对理性的反思很快引出了浪漫主义运动。浪漫主义画家(如德拉克洛瓦、戈雅)将重点从外在的秩序转向内在的情感、个体的体验、对自然的敬畏以及对异域情调的向往。本章着重分析了浪漫主义如何首次将“天才的冲动”置于既定规则之上,为现代艺术中对个人主观性的强调埋下了伏笔。 第五章:现实的冲击与学院派的挣扎 (19世纪中叶) 随着工业革命带来的社会结构剧变,艺术家们开始将目光投向当代生活本身。现实主义(以库尔贝为代表)坚决摒弃了历史、神话和传统题材,坚持描绘普通劳动者和日常场景,挑战了既有的艺术等级制度。 同时,本章探讨了法国学院派艺术(沙龙体系)如何试图维护传统的规范,以及它与新兴的现实主义和早期印象派之间紧张的关系。这种对“什么是值得描绘的”的根本性质疑,是迈向现代主义的关键一步。 第六章:光线与瞬间:印象派与后印象派的革命 (19世纪后期) 印象派是视觉艺术史上一次对“观看方式”的彻底颠覆。本章详细解析了莫奈、雷诺阿等人如何受摄影术发展和光学理论的影响,将焦点从描绘“事物本身”转向描绘光线与色彩在特定时刻对眼睛造成的主观印象。对户外写生(Plein Air)的推崇和对传统素描的放弃,构成了其核心特征。 后印象派是对印象派的继承与修正。塞尚对结构和几何形体的探索,梵高对色彩与情感的内在表达,高更对象征与原始主题的回归,共同为20世纪的立体主义、野兽派和表现主义铺平了道路。 第七章:走向抽象的探索与现代主义的爆发 (20世纪初 – 1945年) 20世纪初,艺术界迎来了前所未有的爆炸性发展。本章重点分析了现代主义如何系统性地解构西方自文艺复兴以来的所有既有规则: 野兽派:色彩的解放,脱离自然光影的写实束缚。 立体主义:毕加索和布拉克如何通过分解和重组物体,从多个视角同时展现三维空间,彻底打破了传统单点透视的有效性。 未来主义:对速度、机械和现代都市的赞美。 表现主义:以德国的“桥社”和“蓝骑士”为代表,强调将内心的焦虑和感受投射到扭曲的形体和强烈的色彩中。 达达主义与超现实主义:对理性逻辑的彻底反叛,探索潜意识、梦境和偶然性在艺术创作中的地位。 第八章:战后的新格局与艺术的全球化 (1945年至今) 二战后,艺术的中心从欧洲转移至纽约。本章探讨了抽象表现主义(如波洛克、罗斯科)如何将画布变成一个事件或一个体验场域,标志着“行动绘画”的兴起。 随后,艺术界进入对“艺术本体”的反思阶段。波普艺术(安迪·沃霍尔)重新引入了日常图像和商业文化,模糊了“高雅艺术”与“大众文化”的界限。本书最后概述了极简主义对形式的回归、观念艺术对“作品”概念的挑战,以及当代艺术如何更加关注社会政治议题、身份政治和跨媒体的融合,展现出绘画艺术在后现代语境下的复杂面貌。 结语:视觉语言的永恒变奏 本书在结尾处总结道,从洞穴壁画到数字图像,绘画流派的发展并非简单的线性进步,而是一场关于“人如何看待世界、如何表达自身感受”的永恒的、充满张力的视觉辩论。理解这些流派的形成背景和核心诉求,是掌握西方艺术语言的钥匙。

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读后感

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我一直是个对艺术抱有好奇心的人,但舞蹈一直是我的一个盲区。我曾尝试观看一些舞蹈表演,但往往因为缺乏背景知识而感到茫然,觉得自己在“看天书”。《舞蹈鉴赏》的出现,就像一盏明灯,照亮了我前行的道路。这本书以一种非常系统但又不失趣味的方式,为我打开了舞蹈世界的大门。 它从舞蹈的历史起源讲起,梳理了不同舞蹈流派的发展脉络,然后深入到对具体舞蹈作品的分析。我学到了很多关于舞蹈的术语,比如“旋转”、“跳跃”、“定格”等等,但这些术语并不是冷冰冰的定义,而是被作者巧妙地融入到对舞蹈动作的生动描述中。我开始理解,每一个动作都有它存在的意义,每一个姿态都可能承载着丰富的情感。书中还提到了很多著名的舞蹈家和编舞家,他们的故事和创作理念,让我对舞蹈艺术的背后有了更深的了解。

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这本书的装帧设计就给我一种非常高级和艺术的感觉,而翻开书页后,我发现内容更是名副其实。作者的文字功底非常扎实,能够用极其精炼和富有感染力的语言,描绘出舞蹈的动态美和情感张力。我常常在阅读时,脑海中会不由自主地浮现出书中所描述的画面,仿佛身临其境地观赏一场精彩绝伦的舞蹈演出。 书中对于不同舞蹈风格的对比和分析,尤其让我受益匪浅。我能够清晰地看到古典芭蕾的严谨与优雅,现代舞的自由与实验,以及民族舞的淳朴与热情。作者并没有简单地罗列这些风格的特点,而是深入挖掘了它们形成的历史背景、文化根源以及艺术哲学。这让我不仅仅是“知道”了这些风格,更是“理解”了它们为什么会是这个样子,以及它们各自所代表的独特审美价值。

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这本书给我带来的最大改变,是让我从一个被动的观看者,转变为一个主动的思考者。在阅读之前,我更多的是被动地接受屏幕上呈现的一切,很少去思考背后的含义。但《舞蹈鉴赏》提供了一个思考的框架,让我能够以一种更具批判性和鉴赏性的眼光去审视舞蹈作品。 书中关于“如何看懂一场舞蹈”的引导,让我学会了关注舞蹈的叙事性、情感表达、音乐的配合、舞者的技巧以及整体的氛围。它教会我不仅仅是看舞者的身体,更要听舞者的“声音”,感受他们的“呼吸”。我开始学着去分析一个动作的含义,去理解一个眼神的传递,去体会音乐与肢体是如何相互交织,共同构建出舞蹈的魅力。这种由表及里的深入,让我对舞蹈的欣赏层次有了质的飞跃,不再是浮光掠影,而是触及灵魂的共鸣。

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这本书以一种非常独特的方式切入了我对舞蹈的认知。我一直以来都觉得舞蹈是一种高雅的艺术,但总觉得隔着一层神秘的面纱,难以真正领会其中的奥妙。阅读《舞蹈鉴赏》之前,我更多的是停留在“看热闹”的层面,欣赏舞者肢体的舒展和舞台的绚丽。然而,随着一页页翻过,作者如同一个循循善诱的向导,一步步引领我深入到舞蹈的灵魂深处。它并没有直接给我灌输“什么是什么”的定义,而是通过对不同时期、不同风格舞蹈的剖析,让我自己去感受、去体会。 比如,书中对古典芭蕾的描绘,不仅仅是讲述了脚尖站立的技巧,更多的是挖掘了这种技巧背后所蕴含的严谨、纪律和对身体极致的控制。我开始理解,那些看似轻盈的跳跃,是无数次汗水和泪水浇灌的结果;那些精准的姿态,是身体与意志完美结合的体现。接着,当我们转向现代舞时,书中又展现了另一种截然不同的自由与表达。从舞者身体的扭曲、释放,到情感的张扬与内敛,我仿佛看到了灵魂在跳跃,看到了个体在与世界对话。书中的例子非常生动,引用的案例也足够丰富,无论是具体的舞剧片段描述,还是对舞蹈家个人风格的剖析,都让我仿佛身临其境,能够清晰地勾勒出脑海中的画面。

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在阅读《舞蹈鉴赏》之前,我一直认为舞蹈是一种需要天赋和长期训练才能掌握的艺术形式,普通人很难真正欣赏。但这本书让我意识到,理解和欣赏舞蹈,其实并没有那么遥不可及。作者用一种非常友好的方式,引导我去了解决定舞蹈作品的各个方面,从舞者的肢体语言到音乐的选择,再到舞台的灯光和服装。 特别令我感到惊喜的是,书中还涉及了一些关于舞蹈心理学和文化象征的探讨。我开始明白,为什么某些舞蹈动作会引发特定的情感共鸣,为什么某些舞蹈形式会成为某个民族文化的象征。这种跨学科的视角,让我对舞蹈的认识更加立体和全面,不再仅仅停留在“好看”的层面,而是能够深入到其背后所蕴含的深层意义。

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这是一本真正能够“启迪”的图书。它没有强制推销任何一种舞蹈风格,也没有预设任何一种“正确”的欣赏方式。相反,它提供了一个开放的平台,鼓励读者去探索、去发现、去形成自己的观点。我喜欢书中对不同时代、不同文化背景下舞蹈的对比分析,这让我看到了舞蹈的普遍性和独特性。 我曾经以为舞蹈只是身体的展示,但这本书让我看到了它背后所蕴含的哲学思考、人文关怀和时代精神。我开始理解,为什么在特定的历史时期,会有某种舞蹈形式的兴起,为什么某些舞蹈能够穿越时空,依然触动人心。这种对舞蹈深层意义的挖掘,让我对这门艺术产生了前所未有的敬意和热爱。

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老实说,在我翻开这本书之前,我对舞蹈的了解仅限于大型晚会上的集体舞,或者是一些电视节目里偶尔看到的片段。我总觉得舞蹈离我的生活很远,是一种只有专业舞者才能触及的领域。然而,《舞蹈鉴赏》彻底改变了我的看法。作者用一种非常接地气的方式,向我展示了舞蹈的普适性和多样性。它告诉我,舞蹈不仅仅存在于华丽的舞台上,也存在于我们日常生活的每一个角落。 书中对于街舞、民间舞等不同风格的介绍,让我看到了舞蹈的生命力是如何从社会土壤中生长出来的。那些充满活力的街头律动,那些承载着文化传统的民族舞蹈,都展现了舞蹈作为一种表达方式的强大生命力。我开始重新审视那些我曾经不屑一顾的身体动作,并从中发现了它们背后蕴含的艺术价值和文化意义。特别是对一些特定文化背景下的舞蹈形式的描述,让我对舞蹈与历史、社会、人性的联系有了更深刻的理解。

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这本书最让我惊喜的是,它打破了我对舞蹈“只有少数人能懂”的固有观念。作者的语言风格非常亲切,没有使用过于专业晦涩的术语,而是用一种非常生活化的方式来解释舞蹈的复杂性。这让我在阅读过程中,完全没有产生“被劝退”的感觉,反而越读越想往下看。书中的一些段落,甚至让我产生了想要模仿的冲动,比如描述一段现代舞如何通过肢体的细微变化来表达内心的挣扎,我尝试着在脑海中想象,甚至在空无一人的房间里比划了几下。 尤其让我印象深刻的是,书中对一些经典舞剧的解读,它们不仅仅是叙述故事,更是在挖掘舞蹈如何将叙事、情感、音乐和视觉元素融为一体的。我开始意识到,舞蹈不仅仅是身体的运动,更是一种语言,一种无声的诗歌。作者通过对编舞家的创作思路、音乐的选择、灯光舞美的配合等多个维度的梳理,让我看到了舞蹈作品是如何被“创造”出来的,以及其中蕴含的匠心独运。这种对创作过程的呈现,极大地满足了我作为观众的好奇心,也让我对舞蹈有了更深的敬意。

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这本书的价值远不止于提供舞蹈的知识,更在于它能够激发读者对舞蹈的热情和思考。在阅读的过程中,我多次停下来,回味书中描绘的场景,甚至尝试在脑海中构思自己的舞蹈动作。我开始对那些在舞台上自由舒展的舞者充满了敬意,也开始更加关注身边的各种舞蹈形式。 作者在书中引用的一些舞蹈评论和理论家的观点,也为我打开了新的思路。我开始学习如何用更专业、更深入的视角去分析一场舞蹈,去理解编舞家的意图,去体会音乐与肢体的完美融合。这种能力的提升,让我对未来的观赏体验充满了期待,我相信我将能从中获得更多的乐趣和感悟。

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不得不说,这本书的叙事方式非常有吸引力。它没有采用枯燥的理论讲解,而是通过大量的案例分析和生动的场景描绘,让读者在不知不觉中沉浸到舞蹈的世界里。我印象最深刻的是,书中对一段极具爆发力的现代舞的描述,作者通过对舞者每一个肌肉的颤抖、每一次呼吸的节奏的细腻刻画,让我感受到了那种力量的释放和情感的宣泄。 更让我感到欣慰的是,这本书并没有回避舞蹈中存在的争议和批评。作者在介绍不同舞蹈流派时,也提到了它们在发展过程中所面临的挑战和革新。这让我看到了舞蹈艺术的生命力,它不是一成不变的,而是在不断的探索和对话中向前发展。这种客观的态度,让我对舞蹈的认识更加成熟和全面。

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