学画和合二仙 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:卞国强

出品人:

页数:46

译者:

出版时间:2008-6

价格:26.00元

装帧:

isbn号码:9787530536865

丛书系列:

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《笔墨丹青：中国传统山水画的演变与技法》 作者： 王守常 出版社： 翰墨轩文化出版公司 定价： 128.00 元 装帧： 精装，附赠精美画册彩页 --- 内容简介： 《笔墨丹青：中国传统山水画的演变与技法》是一部深度剖析中国山水画发展脉络、美学思想及其具体创作技法的综合性学术专著。本书旨在带领读者穿越千年历史长河，领略自魏晋南北朝肇始，历经唐宋元明清直至近现代，山水画如何从最初的描摹自然到升华为表达“胸中丘壑”的哲学载体。 本书结构严谨，内容翔实，分为上下两卷，共计十五章。 第一卷：山水画的肇始与定型 (约700字) 第一章：远古的憧憬与萌芽 本章追溯了早期岩画、青铜器纹饰中对自然意象的初步刻画，并重点探讨了魏晋时期“画山水以合乎天地”的思想基础。阐述了顾恺之、陆探微等早期画家在人物画之外，对自然景物观察和记录的早期实践。 第二章：唐代的勃兴与风格初创 唐代是山水画从隶属地位走向独立的黄金时期。本章详细分析了李思训的“金碧山水”的富丽堂皇，与王维的“水墨为上”的禅意内蕴之间的分野与互补。特别关注了荆浩、关仝等“北派”山水在北方山势磅礴的描绘中奠定的雄伟基调，以及他们在笔墨运用上对皴法（如披麻皴、斧劈皴）的初步探索。 第三章：五代至北宋的巅峰对决 这是山水画史上的“双雄时代”。本章将重心置于董源、巨然开创的“江南山水”——即“南派”的温润秀逸，并深入解析了他们所创立的披披皴（或称“董源皴”）如何表现江南特有的土山坡和云雾缭绕的氛围。随后，重点剖析了“北宋三大家”：范宽、郭熙、李唐。 范宽的“高远法”： 探讨其如何通过“雨点皴”和密集的笔触，营造出泰山之巅的浑厚雄伟，解析其“高、深、远”的空间处理哲学。 郭熙的“神思”： 分析《早春图》中对“可行、可望、可游、可居”的境界营造，以及其“卷帘望山，卧视江月”的观赏视角理论。 李唐的转型： 论述金兵南侵后，李唐如何将北派的雄强力量融入到南方的笔墨趣味中，为元代“文人画”的兴起埋下伏笔。 第四章：元代的文人化与意境的提升 元代山水画彻底摆脱了画院体制的束缚，转变为士大夫阶层抒发个人情感、寄托政治抱负的工具。本章着重分析了“元四家”——黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙的艺术思想与笔墨革新。 “元四家”的笔墨语汇： 详细对比了黄公望“如牛毛皴”的松动，倪瓒的“折带皴”的枯淡疏简，以及王蒙的“牛毛皴”与“散点透视”的繁复，揭示了他们如何通过“笔墨”来构建“丘壑”。 师承与反叛： 探讨了元代画家对前代（尤其是董源、巨然）的继承与创造性发展，以及他们对“写胸中之逸气”的追求。 第二卷：明清的流变与技法的精研 (约800字) 第五章：明代的流派纷呈 明代山水画在继承元代的基础上，形成了两大主流：以“浙派”为代表的院体写实风格，与以“吴门画派”为核心的文人笔墨的深入发展。 吴门画派的辉煌： 重点剖析沈周、文徵明、唐寅、仇英四家在继承元人笔意基础上的不同取向。沈周的浑厚，文徵明的精到，唐寅的灵动，仇英的设色与界画功力。 “画派之争”： 深入研究董其昌提出的“南北宗论”的时代背景与理论影响，分析其对后世山水画发展路径的界定作用。 第六章：清初的复古与创新 清初山水画呈现出“集大成”的趋势。本章关注“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）如何通过“临摹古人”来建立自己的体系。 “集古创新”的理论： 阐释王原祁“笔墨语言”的理论，分析他们如何将董源、巨然的皴法与元四家的意趣融会贯通，形成了清代主流画派的典范。 个性化的探索： 与此同时，探讨“个派”画家，如石涛和髡残，如何突破传统范式，强调个性的解放和笔墨的“变化无穷”。石涛的“一画论”和其奔放的笔触，是理解清代后期山水画变革的关键。 第七章：晚清与民国的变革 晚清至民国，在西方文化冲击下，中国山水画面临着“何去何从”的拷问。本章分析了“四僧”精神在近现代的延续，以及“新安画派”等地方性风格的涌现。 第八章：山水画的笔墨技法精讲（理论与实践结合） 这是本书实践指导的核心部分，旨在将理论融入实际操作。 皴法的解析与运用： 详细拆解披麻皴、斧劈皴、荷叶皴、荷叶皴等二十余种主要皴法的笔法结构、用墨浓淡和适用对象。 点景与设色： 探讨树法（如“介字点”、“胡椒点”）、云雾的画法，以及传统山水画中赭石、花青、藤黄等颜料的晕染技巧。 章法与结构： 分析“高远”、“平远”、“深远”三种基本构图法的实际操作，以及如何通过“计白当黑”来营造空间感和气韵。 结语：不息的丹青之道 本书总结了中国山水画自诞生以来，始终围绕“天人合一”的核心美学观所展开的艺术实践，并展望了其在当代语境下保持生命力的可能性。 --- 推荐读者： 中国画专业学生、美术史研究者、传统文化爱好者、以及渴望系统学习中国山水画创作技法的爱好者。本书的深度和广度，足以成为案头必备的参考工具书。

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这本书的文字叙述部分，如果我没有理解错的话，它的侧重点似乎更偏向于对传统绘画精神的探讨，而非纯粹的步骤分解。我注意到作者在开篇就用了相当大的篇幅来阐述“和合”文化在民间艺术中的象征意义，这种文化背景的铺垫非常扎实，让读者在动笔之前，首先在思想上进入了那个意境。我个人比较欣赏这种循序渐进、注重“心法”的教学方式，毕竟绘画不光是技巧的堆砌，更是心性的修养。比如，它在讲解如何勾勒人物衣褶时，并不是简单地说“用中锋”，而是结合了古代文人画论中关于气韵生动的描述来指导用笔力度和提按转换，这种将理论与实践紧密结合的处理方式，对于想要深入理解传统绘画精髓的爱好者来说，无疑是极具价值的。它的语言风格是那种沉稳而富有哲理的，读起来很有味道，像是与一位经验丰富的老先生在耳边轻声教诲，让人感觉既被尊重又受启发。

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我试着按照书中的一个章节进行临摹，感觉非常顺畅，这主要归功于它对“结构分解”的细致程度。它把“和合二仙”中相对复杂的动态——比如两人相携而行的姿态，拆解成了好几个易于理解的几何形体和动态线，初学者可以很容易抓住核心结构，避免一开始就被复杂的衣物和配饰所困扰。而且，作者在关键步骤图解的旁边，还会附上简短的“作者提示”，这些提示往往是一两句精炼的经验之谈，比如提醒你注意某个关节的透视变化，或者某个角度下光影的受力点。这些“提示”虽然简短，但信息密度极高，是那种只有长期实践者才能总结出来的“窍门”，对于我这种渴望快速进步但又不想牺牲质量的人来说，简直是如获至宝。这些细节的打磨，显示出作者的教学态度是极其负责任的。

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这本《学画和合二仙》的装帧设计真是让人眼前一亮，纸张的质感摸上去就很舒服，不是那种廉价的印刷品感觉。封面上的插图色彩饱满，线条流畅，一看就是出自名家之手，那种古典的韵味被勾勒得淋漓尽致，光是看着封面的画作，我就能想象到书里应该收录了多少精美的范例和技法讲解。我尤其喜欢封面对“和合二仙”形象的把握，既保留了传统神话故事里的祥和寓意，又融入了一种现代人能够接受的清新与灵动。内页的排版也十分考究，留白恰到好处，既保证了阅读的舒适度，又使得原本复杂的绘画步骤看起来井井有条，清晰明了。装订得非常牢固，即便是经常翻阅也不会担心散页，这对于一本需要反复临摹学习的书来说至关重要。从这个角度看，这本书的制作水平完全对得起它所承载的文化价值和艺术内容，看得出出版社在装帧上确实下了大功夫，给人一种捧着一件艺术品的感觉，而不是仅仅一本普通的教程书。

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说实话，刚拿到这本书的时候，我带着一丝怀疑，因为市面上很多“速成”的绘画书籍往往内容空泛，讲了等于没讲。但这本书的结构安排却出乎我的意料。它似乎采用了模块化的学习路径，比如先从基础的线条练习开始，然后是面部五官的比例拆解，再到整体造型的布局。这种递进关系处理得非常科学合理，它没有试图让你一下子画出完美的成品，而是让你把基础打牢。我特别留意了它在“上色”部分的处理，它没有固守单一的设色传统，而是对比展示了不同朝代和地域的设色风格对“和合二仙”形象氛围的影响，这极大地拓宽了我的视野。这种对比教学法，比起那种“一步到位”的演示，更能培养读者的判断力和自主创新能力，让人感觉自己是在学习一种可变通的艺术方法论，而不是死记硬背一个固定的公式。

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从一个纯粹的艺术鉴赏角度来看，这本书不仅仅是一本技法书，更像是一本关于“中国民间吉祥符号”的微型百科全书。它在讲述如何描绘手中的法器或吉祥物时，会穿插介绍这些物件在传统文化中的特定含义——比如某件物品代表长寿，另一件代表子孙绵延。这种将艺术实践与文化溯源相结合的处理方式，极大地丰富了绘画的内涵。读完之后，我不仅仅学会了如何画“和合二仙”，更像是理解了为什么人们要画他们，以及这种描绘如何承载了民众对美好生活的期盼。这种深层次的文化解读，让每一次翻阅都充满了发现的乐趣，也让最终完成的作品不仅仅是技巧的展示，更是对一种传统文化精神的致敬和延续。这是一本真正能让人“知其然，更知其所以然”的优秀读物。

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