当代名家山水精品·卢禺光卷 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:北京：朝华出版社

作者:卢延光（绘）

出品人:

页数:17 页

译者:

出版时间:2000.10

价格:10.00

装帧:大16开

isbn号码:9787505406759

丛书系列:

图书标签:

• 山水画
• 中国画
• 卢禺光
• 名家画集
• 艺术作品
• 绘画
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• 艺术设计
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墨染江山：中国山水画的当代探索与传承 《墨染江山：中国山水画的当代探索与传承》 是一部深度聚焦于当代中国山水画坛中坚力量的艺术选集与理论探讨的综合性画册。本书并非单一画家的作品汇编，而是以广阔的视野，梳理和展示了自二十世纪后期至今，中国山水画在继承传统精髓的基础上，如何进行观念革新、技法突破以及美学风格演变的全景画卷。 本书的核心价值在于其对“当代性”的深刻挖掘。中国山水画，作为中华文明的独特载体，承载着文人精神、哲学思考与自然观照。然而，在全球化和多元文化思潮的冲击下，传统山水画如何保持其生命力，并与现代生活产生共鸣，是摆在每一位创作者面前的严峻课题。本书通过精选的数十位代表性艺术家的作品，清晰地勾勒出当代山水画的多元化走向。 第一部分：溯源与革新——笔墨的现代语境 本部分着重于探讨当代山水画家如何面对和转化传统。我们深知，中国山水画的根基在于“笔墨精神”——那不仅仅是技巧，更是对天地万物的理解与寄托。 技法层面的变奏： 书中收录的作品展现了从传统“董源披麻皴”到“石涛泼墨”等经典技法在当代语境下的新运用。部分画家大胆尝试以西方油画的光影观念介入传统水墨的结构，使得山峦的体积感与空间深度获得了前所未有的张力。例如，一些作品中对“留白”的处理，不再仅仅是虚化的云雾，而是被赋予了强烈的形式构成意义，探讨虚实之间的哲学辩证。我们详细分析了“点苔”技法的演变，从表现自然生机到成为强化画面节奏感的抽象符号。 观念上的重塑： 当代山水画已不再满足于单纯的“写实”或“摹古”。本书收录了大量融入现代社会议题的作品。有画家将城市化进程中钢筋水泥的冷硬线条融入山石肌理，探讨人与被改造自然的关系；有作品通过对极端气候或地质奇观的描绘，表达对生态环境的忧思。这表明，当代山水画已从“寄情山水”扩展到“介入现实”。 介质的拓展： 在材料的使用上，本书展示了水墨材料的无限可能。除了传统的宣纸、绢帛，一些艺术家开始尝试使用具有现代质感的材料，如矿物颜料、拓印技术，甚至结合摄影或数字媒介进行辅助创作，以期创造出更具冲击力的视觉效果，但其核心依然紧扣水墨的晕化与渗透美学。 第二部分：风格的群像——多元探索的风景线 本部分是本书的视觉核心，通过对不同流派、不同地域画家的集中展示，构建当代山水画的风格坐标系。 雄浑派与内敛派的对话： 选取了数位以气势磅礴、笔力遒劲著称的画家，他们的作品往往在尺幅上追求宏大叙事，通过大面积的浓墨渲染，营造出“万壑松风”的崇高感。与之相对的，是内敛、注重文人趣味的流派。这些作品多尺幅较小，注重笔意的精微控制，强调线条的抒情性和意境的幽微，更贴近宋代“米家山水”的精神遗存，是对个人内心世界的精细梳理。 抽象与具象的边界： 探究了那些致力于打破传统形似要求，向纯粹的抽象造型靠近的探索者。他们的作品中，山脉可能被解构成几何色块或流动的线条群，但关键在于，这些抽象元素依然保留了某种“山水气象”——那是观众可以感知到的“气”与“韵”，而非纯粹的西方抽象表现主义。这种处理方式，体现了中国艺术家对“似与不似之间”的东方美学智慧的坚守。 地域特色的呈现： 不同的地理环境和文化氛围孕育出不同的审美取向。例如，北方画派的作品往往体现出北方山川的雄峻与苍劲；而南方画家则更擅长捕捉江南水乡的氤氲之气和秀润之美。本书通过对比不同地域画家的代表作，展现了“一方水土养一方山水”的深刻内涵。 第三部分：传承与未来——学术的展望 本书的最后一部分着眼于理论建设和对未来的期许。我们邀请了多位艺术史学家和评论家，从当代艺术史的角度对山水画的发展进行梳理和评价。 文章探讨了教育体系对当代山水画创作的影响，分析了学院派训练如何为创新提供坚实的基础，以及如何避免“学院化”带来的僵化。同时，我们也关注到，随着老一辈艺术家的“退场”，年轻一代如何重新发现和激活传统资源的活力。 《墨染江山》旨在提供一个高质量的平台，让观者能够跨越传统山水画的固有印象，进入到一个充满活力、不断自我革新的当代艺术现场。它不是对某一特定艺术家的赞颂，而是对整个时代背景下，中国山水画群体智慧与创造力的全面记录和展示。阅读此书，即是参与到这场关于笔墨、自然与精神的当代对话之中。

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中国画于近百年里，总处于被否定、被批判的地位，清末民初被示为封建余孽，以不科学目之；20世纪50年代，整体俄化，取消中国画学科；“文革”年代破旧立新批黑画，传统中国画大多被没收销毁；80年代，“穷途末路”论；90年代“笔墨等于零”（也即色彩等于零，线条等于零，...

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中国画于近百年里，总处于被否定、被批判的地位，清末民初被示为封建余孽，以不科学目之；20世纪50年代，整体俄化，取消中国画学科；“文革”年代破旧立新批黑画，传统中国画大多被没收销毁；80年代，“穷途末路”论；90年代“笔墨等于零”（也即色彩等于零，线条等于零，...

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从一个纯粹的“使用体验”角度来看，这本书的便携性和观赏性的平衡做得相当出色。虽然包含了大量大幅面的作品，但装帧上的轻巧处理，使得即使在户外写生或者旅行途中携带，也不会成为负担。我曾带着它在公园的长椅上，对着真实的风景进行对比欣赏，那种感觉非常奇妙——既能感受到现实山水的厚重，又能品味画作中经过提炼和升华后的意境。特别值得一提的是，书中的那些对焦细节处理得无可挑剔，即便是画作边缘的题跋和印章，那些细若游丝的笔触和篆刻的刀痕，都清晰可见，这对于研究画家的落款习惯和印章风格提供了极大的便利。总而言之，这是一次物超所值的艺术投资，它带来的精神滋养是无法用金钱衡量的。

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翻阅这本画集的过程，简直就像经历了一场心灵的洗涤。画作本身的风格非常大气磅礴，但又不失细腻入微的笔触，这在中国山水画中是极难平衡的。我特别欣赏其中几幅描绘雪后初晴景象的作品，那白与墨的交融，那种“空山不见人，但闻人语响”的静谧感，处理得极为高妙。画家似乎对自然有着一种近乎虔诚的理解，他笔下的山石并非是僵硬的轮廓，而是充满了生命的律动和时间的沉淀。有时候，光影的运用达到了出神入化的地步，你看那山涧被阳光穿透后留下的斑驳光点，简直让人屏息凝神。这本画册的选篇极具匠心，将画家不同创作阶段的代表作巧妙地串联起来，使得我们能清晰地追踪其艺术语言的演变轨迹，从早期的雄浑到后期的空灵，脉络清晰可见，对于学习和研究都极具参考价值。

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这本画册的装帧设计简直让人眼前一亮，从拿到手的那一刻起，我就感受到了出版方在细节上的用心。纸张的质感非常高级，那种略带哑光的触感，让每一次翻阅都变成了一种享受。印刷色彩的还原度极高，即便是最细微的墨色变化，比如画家在表现云雾缭绕的山间，那种层次分明的过渡，都得到了精准的呈现。特别是那些大幅面的作品，展开时仿佛能将观者瞬间拉入画中的意境，尺幅感和冲击力十足。装订工艺也十分考究，平摊时没有任何书脊的阻碍，确保了欣赏的完整性。对于一个热爱传统绘画，同时又注重收藏品质的读者来说，光是捧着这本书，就已经是一种视觉和触觉上的满足了。它不仅仅是一本画作的集合，更是一件精心制作的艺术品，摆在书架上，本身就是一道风景。我甚至会特意挑选一个光线好的下午，慢慢地去感受每一页纸张的纹理，这是数字媒体无法替代的实体书的魅力所在。

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坦率地说，我最初购买这本书是带着一丝试探性的心理，毕竟“当代名家”的头衔含金量参差不齐。然而，这本书完全超出了我的预期。选入的作品，其主题的深度和广度都非常引人入胜。它不仅仅是描绘地理上的名山大川，更像是画家对传统文人精神的一种现代诠释。那些长卷中的布局，气韵生动，即便是最复杂的构图，也绝不显杂乱，反而有一种疏密得当的节奏感。我注意到，很多作品中都蕴含着一种淡淡的哲思，比如对“有无相生”的探讨，画面中大片的留白，仿佛在邀请观者主动进入画面，去完成剩余的想象和构建。这种留白的处理，绝非是偷懒，而是深思熟虑后的艺术表达，体现了画家深厚的文化修养和对东方审美的深刻把握。

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这本书的编辑排版功力令人称赞，它在保持专业性的同时，兼顾了大众读者的可读性。每一幅作品的展示都像是精心布置的展厅中的孤品，给予了足够的空间进行独立欣赏。更重要的是，对于那些初涉中国画领域的爱好者来说，书中所附带的导读文字虽然不多，却字字珠玑，没有那种故作高深的术语堆砌，而是用非常亲切和直白的语言，点出了每幅画作的精髓所在，例如对特定皴法或者点苔技法的简要说明，为我们这些非科班出身的人打开了一扇理解的窗户。这种对知识传递的负责态度，使得这本画册的价值超越了单纯的“收藏品”，更像是一本行走的艺术课堂教材，非常值得反复研读，每一次重温都会有新的感悟。

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