An Introduction to Music pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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☆☆☆☆☆

出版者:Bruckner Society of America, 1932

作者:Bernstein, Martin

出品人:

页数:408

译者:

出版时间:2005-6

价格:$ 39.49

装帧:

isbn号码:9781417984534

丛书系列:

图书标签:

西方古典音乐
传记
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具体描述

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《音乐概论》这是一次关于音乐本质、发展及其在人类文明中作用的深度探索。本书旨在为任何对声音的艺术化表达形式感到好奇的人们提供一个全面而易于理解的入门向导。我们并非从某个特定音乐流派的技法出发，而是试图揭示音乐跨越文化、时代和风格的普遍性原理。引言：倾听世界的语言音乐，作为一种古老而又永恒的艺术形式，似乎是人类与生俱来的本能。从原始部落的鼓点到交响乐团的恢弘乐章，从低语的歌谣到激昂的呐喊，音乐以无数种形态触动着我们的心灵，唤醒我们内心的情感，甚至塑造着我们的认知。然而，音乐究竟是什么？它仅仅是悦耳的音符组合，还是蕴含着更深层的意义？它是如何形成的？又为何能产生如此强大的力量？《音乐概论》正是为了回应这些根本性的问题而生。本书的创作初衷，是希望打破音乐学习中常有的技术壁垒和风格偏见，让读者能够以一种更宏观、更具洞察力的视角来审视音乐。我们相信，理解音乐的本质，并不需要成为演奏家或作曲家。正如理解一幅画的魅力，并不需要掌握绘画技巧一样。我们关注的是音乐的“是什么”和“为什么”，而非“怎么做”。我们将带领读者穿越历史的长河，探寻不同文化背景下的音乐实践，理解技术革新对音乐形态的影响，以及音乐在社会、心理和精神层面的多重价值。第一部分：音乐的构成元素——声音的逻辑在深入探索音乐的宏大图景之前，我们首先需要理解构成音乐的最基本要素。这部分内容将以一种非技术的、概念性的方式，阐释声音的物理属性如何被转化为音乐语言，以及这些语言如何被组织起来，形成我们所感知到的音乐。音高（Pitch）：高度的感知音高并非孤立存在，而是相对的。我们对音高的感知，与频率的高低息息相关。但音乐的魅力在于，它并非简单地线性排列频率，而是通过音程（Intervals）——两个音高之间的关系——来构建旋律和和声。我们将探讨不同的音程所带来的听觉感受，以及它们在不同文化中的意义。从简单的二度、三度，到更复杂的七度、八度，这些“距离”是音乐情感表达的基石。调性（Tonality）与无调性（Atonality）：音高关系的组织方式。调性系统，如我们熟知的“主音、属音”等，为音乐提供了一个稳定的中心，使得旋律和和声的进行具有方向感和预设性。无调性音乐则打破了这种传统的约束，追求声音的自由组合，这同样是一种有意识的选择，带来独特的听觉体验。我们将审视这两种组织方式的出现背景和艺术效果。节奏（Rhythm）：时间的编织节奏是音乐的生命线，它赋予了音乐动感和呼吸。我们将在这一部分探讨节奏的构成——节拍（Beat）、拍号（Time Signature）、速度（Tempo）。节拍是音乐的脉搏，而拍号则定义了节拍的组织单位和强弱模式。速度的变化，则直接影响着音乐的情绪和能量。律动（Groove）与韵律（Meter）：节奏的深层结构。律动是指一种可感知的、反复出现的节奏模式，它往往与特定的文化或音乐风格紧密相连，是音乐“好听”或“有感染力”的关键。韵律则关注拍号下强弱的自然流动，理解了这一点，才能真正体会到音乐的内在律动。我们将通过简单易懂的例子，让读者感知这些概念。音色（Timbre）：声音的色彩音色，又称音质，是区分不同乐器或人声的根本依据。即使演奏相同的音高和节奏，小提琴与钢琴的声音也截然不同。这涉及到声音的泛音结构、发声方式等复杂因素。本书将以直观的方式，引导读者去分辨和欣赏不同音色所带来的独特情感联想。乐器与人声：音色的载体。我们将简要介绍不同类别的乐器（弦乐、管乐、键盘、打击乐等）以及人声的生理构造，理解它们如何产生各自独特的音色。这将帮助读者在聆听时，更能辨识和欣赏声音的丰富性。力度（Dynamics）：情感的张力力度变化，从极弱（pianissimo）到极强（fortissimo），是音乐表达情感张力的重要手段。我们将探讨力度是如何影响听众的情绪，以及作曲家如何通过精妙的力度对比来营造戏剧性。渐强（crescendo）和渐弱（decrescendo）的运用，更是音乐叙事不可或缺的部分。第二部分：音乐的形式与结构——逻辑的展开声音的元素是如何被组织成一部完整的音乐作品的？这涉及到音乐的结构和形式。本部分将探索音乐的“建筑学”，理解作曲家如何通过重复、对比、变奏等手法，构建出具有内在逻辑和艺术美感的音乐篇章。动机（Motive）与乐句（Phrase）：音乐的细胞与呼吸动机是音乐作品中最小的、具有独立意义的音乐片段，它可能仅仅是一个简短的音高或节奏组合，但却是整个作品发展的基础。乐句则像语言中的句子，包含着一个相对完整的意思，具有起承转合的特性。理解动机和乐句，是理解音乐发展逻辑的关键。曲式（Form）：宏观的框架我们将介绍几种最基本、最常见的音乐曲式，如：二部曲式（Binary Form）：ABAB的简单结构。三部曲式（Ternary Form）：ABA的对比与回归。回旋曲式（Rondo Form）：AABA CA DA…的不断反复主题。奏鸣曲式（Sonata Form）：呈示、展开、再现的复杂叙事结构。这些曲式并非僵化的教条，而是作曲家用来组织音乐材料、引导听众体验的有效工具。我们将强调它们在不同时代、不同体裁音乐中的应用和演变。主题（Theme）与变奏（Variation）：音乐的生长与演化主题是音乐作品的灵魂，是贯穿始终的、具有代表性的音乐形象。变奏则是对主题进行各种改编和发展的技巧，它能够展现出音乐的丰富性和作曲家的创造力。我们将探讨几种常见的变奏手法，如旋律变奏、节奏变奏、和声变奏等。第三部分：音乐的流变与文化——历史的印记音乐并非孤立存在于时间与空间之外，它深深地根植于人类的历史与文化土壤之中。《音乐概论》将带领读者穿越时空，感受不同历史时期和文化背景下音乐的独特风貌。西方音乐史的脉络从古希腊的音乐理论萌芽，到中世纪的宗教音乐，再到文艺复兴时期的人声复调，巴洛克时期的华丽繁复，古典主义时期的均衡典雅，浪漫主义时期的情感奔放，以及20世纪至今的多元探索。我们将重点关注每个时代音乐风格的形成原因、代表性作曲家以及对后世的影响，而不是堆砌史实。教会音乐的起源与发展：格里高利圣咏（Gregorian Chant）为何能影响几个世纪？复调音乐（Polyphony）的诞生如何改变了音乐的听觉体验？世俗音乐的兴起：吟游诗人（Troubadours）的作品如何反映了当时的社会生活？歌剧（Opera）的出现又带来了怎样的革命？乐器与技巧的进步：钢琴、小提琴等乐器的发展，如何解放了作曲家的想象力？世界音乐的多元视角本书并非局限于西方音乐，我们将把目光投向世界各地，展现音乐文化的多样性。亚洲音乐的智慧：中国古代的宫廷雅乐、民间小调，印度音乐的复杂节奏与旋律体系，日本雅乐（Gagaku）的独特美学。非洲音乐的韵律与社区：部落的鼓乐、呼应式的合唱，以及它们在仪式中的重要作用。拉丁美洲音乐的热情：桑巴（Samba）、探戈（Tango）等风格背后所蕴含的文化融合与情感表达。原住民音乐的古老传承：它们与自然、精神世界的紧密联系。我们将强调，不同文化下的音乐，虽然表现形式各异，但都服务于人类在情感、精神、社会层面的需求。技术革新与音乐的未来印刷术、乐谱的标准化如何促进音乐的传播？录音技术的诞生如何彻底改变了音乐的创作、表演和消费方式？电子音乐、计算机音乐的兴起，又为音乐带来了哪些新的可能性？数字时代下的音乐版权、流媒体播放、人工智能作曲，这些都将是未来音乐发展的重要议题。第四部分：音乐的意义与影响——人性的回响音乐为何如此重要？它如何影响我们，又如何与我们自身的情感、认知和社会存在联系？这部分内容将探讨音乐在更深层次上的价值。音乐与情感：为什么某些旋律能让我们悲伤，某些节奏能让我们兴奋？我们将探讨音乐与人类情绪的生理和心理机制，以及音乐如何成为我们情感的出口和慰藉。音乐疗法（Music Therapy）的原理与应用。音乐与认知：关于“莫扎特效应”的讨论，音乐是否真的能提升智力？音乐训练对大脑发展的影响，尤其是在儿童时期。音乐在语言学习、记忆力提升方面的作用。音乐与社会：音乐在仪式、庆典、战争、政治运动中的作用。音乐作为身份认同的载体，如何构建群体归属感。流行音乐（Popular Music）的社会学意义，它如何反映和塑造大众文化。音乐与哲学/精神：不同哲学家对音乐本质的思考，如柏拉图、亚里士多德、尼采。音乐在宗教、冥想、精神追求中的地位。音乐作为一种超越语言的沟通方式，其普世性与神秘性。结语：永不止息的旋律《音乐概论》并非一本终结性的著作，而是一扇开启音乐探索之旅的门。我们希望通过本书，激发读者对音乐的持续兴趣，鼓励他们去主动聆听、去感受、去思考。音乐的世界是无限广阔的，每一次聆听都是一次新的发现，每一次感受都是一次心灵的触动。本书的写作，力求以最通俗易懂的语言，最富启发性的视角，带领读者领略音乐的博大精深。我们回避了枯燥的技术术语，而是专注于音乐的“感觉”和“意义”。希望这本书能成为你走向音乐世界的一位真诚向导，让你在声音的海洋中，找到属于自己的那份独特体验。这是一次关于声音的旅程，一次关于情感的对话，一次关于人类文明的低语。让我们一起，重新倾听这个充满音乐的世界。

作者简介

目录信息

读后感

评分☆☆☆☆☆

用户评价

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我感觉自己仿佛经历了一次音乐史的马拉松。它的叙事方式非常独特，没有采用传统的编年体，而是选择了一种主题性的切入角度。比如，它会花很大篇幅去探讨“歌剧的戏剧性张力是如何随着时代演变的”，而不是简单地罗列作曲家的生卒年月。作者的笔触充满了洞察力，他总能精准地捕捉到不同音乐时期风格转变背后的社会文化驱动力。我特别欣赏他将巴洛克时期的装饰音与洛可可艺术风格进行类比分析的那一段，那种跨学科的视角，极大地拓宽了我对音乐语汇的理解。不过，对于完全没有接触过音乐史的新手来说，这种跳跃式的叙事可能会显得有些吃力，因为你需要在脑海中不断地将分散的知识点串联起来。它更像是一份高度提炼的思维导图，需要读者本身就具备一定的背景知识作为参照系，才能最大限度地发挥其价值。但对于一个有一定积累的乐迷而言，这本书无疑是提供了一个全新的、高维度的观察视角。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那种沉稳的墨绿色封皮，配上烫金的字体，一股古典而又严肃的气息扑面而来。初次翻开，我就被它那种近乎教科书般的严谨性所吸引。作者似乎对乐理的每一个细枝末节都进行了地毯式的梳理，从最基础的音高、节奏概念，到复杂的和声进行分析，都处理得井井有条。它不像市面上那些轻快的普及读物，更像是一本需要你静下心来，配着乐谱，逐行逐句啃读的专业手册。尤其是在讲解对位法的那几个章节，作者的论述逻辑性极强，每一步推导都如同数学公式般精确无误。我花了整整一个下午，才彻底理清了卡农的几种主要结构模式，这绝对不是那种“听听就好”的书，它要求读者具备一定的音乐背景，或者至少愿意投入大量精力去学习那些看似枯燥却至关重要的技术细节。如果你想建立一个坚实、无懈可击的音乐基础框架，那么这本书的深度和广度绝对是令人信服的。它不提供太多逸闻趣事，而是专注于构建知识的骨架，让读者自己去填充血肉。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书的排版设计简直是一场灾难，让我多次想要合上它去休息。大量密集的文字占据了几乎所有的页面空间，偶尔出现的乐谱示例也小得可怜，仿佛是印刷厂不小心印上去的脚注。如果不是我对其中探讨的“音色心理学”课题实在太感兴趣，我恐怕早就将其束之高阁了。作者的理论非常前沿，他试图用现代认知科学的框架来解析听众对特定和弦情绪反应的神经基础，这部分内容极其引人入胜。他提出的“听觉预期偏差”模型，让我重新审视了自己多年来被动接受的音乐审美标准。然而，理论的阐述过程却异常晦涩，充斥着大量的专业术语和复杂的论证链条，这使得阅读体验大打折扣。我常常需要对照其他资料，反复阅读同一段落三四遍，才能勉强跟上作者的思路。这本书更像是给学者看的研究报告汇编，而不是面向大众的科普读物，急需一位优秀的编辑来重新梳理结构和优化视觉呈现。

评分☆☆☆☆☆

我不得不承认，这本书的语气有一种让人难以抗拒的“精英感”。作者似乎坚信，只有经过最严格的训练和最高程度的专注，才能真正领略到音乐的“真谛”。他对于流行音乐和通俗文化中的许多现象持有一种近乎不屑的态度，观点鲜明，立场坚定，但也因此显得有些偏颇。例如，他对二十世纪后半叶电子音乐的论述，显得敷衍且缺乏深入的分析，仿佛只是将其视为一种技术上的“异端”而非艺术探索的必然产物。尽管如此，作者在讨论西方古典音乐的“形式美学”方面，展现了无与伦比的洞察力。他对奏鸣曲式结构中张力与释放的哲学探讨，极具启发性，迫使我重新思考“结构”与“情感”之间的辩证关系。读这本书就像是和一位学识渊博但性格有些固执的老教授进行辩论，你会受益匪浅，但也会时常因为他拒绝接受新观念而感到一丝挫败。这是一部能让你思考，但未必能让你感到愉悦的作品。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我惊喜的地方，在于它对“即兴创作”这一主题的深度挖掘。通常的音乐书籍要么避谈即兴，要么只是浅尝辄止地介绍几种和弦模式。但这本书，花费了近三分之一的篇幅，详细解剖了从蓝调的Call-and-Response到爵士乐中Bebop语汇的演变过程。作者似乎本身就是一位演奏家，他对指板、键盘上的可能性有着近乎本能的理解。他不是在纸面上推导理论，而是在描述一种“手感”和“思维瞬间”的转化。书中的案例分析，选取了多位大师级的演奏片段进行微观剖析，比如对Miles Davis某次Solo的乐句动机的拆解，细致到每一个音符的选择和时值的处理。这种极度聚焦于实践操作层面的论述，对于想要提升演奏技巧和即兴能力的读者来说，简直是无价之宝。它超越了学院派的僵硬教条，真正触及了创造力的核心——那种在规则之内游刃有余的自由感。

评分☆☆☆☆☆

The first Mahler biography written in English, in fact it's one of the best introductions to Mahler and his music. There is an electronic text here: http://homepage.mac.com/jgreshes/mahler/bio/chapter_1.html

评分☆☆☆☆☆