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出版者:Hal Leonard

作者:Tom Kolb

出品人:

页数:104

译者:

出版时间:2005-5-1

价格:USD 19.99

装帧:Paperback

isbn号码:9780634066511

丛书系列:

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• Guitar
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《乐理的奥秘：解锁吉他音乐的潜能》 内容概要： 本书《乐理的奥秘：解锁吉他音乐的潜能》并非一本直接教授吉他演奏技巧的教材，而是深入探索了构成音乐的基石——乐理。它旨在为吉他演奏者提供一个坚实的理论框架，帮助他们理解音乐的运作方式，从而提升创作、即兴、编曲以及演奏表现力。本书的视角独特，不拘泥于枯燥的理论概念，而是将其巧妙地融入吉他音乐的语境中，让吉他手在实践中体会乐理的魅力。 第一部分：音符的语言——理解音乐的基本单元 音高与音名： 本部分将从最基础的音高概念出发，介绍十二个基本音名（C, D, E, F, G, A, B）以及它们在不同八度中的变化。我们将探讨全音和半音的概念，这是构建音阶和和弦的基石。通过形象的比喻和简单的听觉练习，帮助读者建立对音高的直观认识。 音程的距离： 在理解了音高之后，本书将深入讲解音程，即两个音之间的距离。我们将详细介绍大二度、小三度、纯五度等各种音程的名称、计算方法以及它们在音乐中所带来的不同听觉感受。通过分析吉他指板上音程的排列规律，让读者能够直观地看到和弦与旋律是如何通过音程构建起来的。 音阶的体系： 本部分将系统地介绍各种重要的音阶，包括自然大调、和声小调、旋律小调、五声音阶、布鲁斯音阶以及各种调式（如伊奥尼亚、多利安、弗里几亚等）。我们将详细解析这些音阶的构成音、全半音结构，并重点强调它们在不同音乐风格中的应用。例如，我们将探讨大调音阶在流行音乐中的广泛使用，布鲁斯音阶在摇滚和爵士中的关键作用，以及调式如何为即兴演奏带来更丰富的色彩。本书会提供大量的吉他指板图例，直观展示每个音阶在指板上的指法，并配以简单乐句示范，让读者能够立刻上手练习。 节奏与节拍： 音乐的灵魂在于律动，节奏与节拍是律动的核心。本部分将讲解基本的节奏符号（全音符、二分音符、四分音符、八分音符等）以及它们与拍号（如4/4拍、3/4拍）的关系。我们将深入探讨切分音、附点音符、三连音等更复杂的节奏技巧，并通过分析经典吉他歌曲的节奏型，帮助读者理解节奏是如何塑造音乐的情感和动力的。 第二部分：和弦的构建——音乐的色彩与和谐 三和弦的生成： 本部分将从基础的三和弦开始，讲解如何通过叠加三度音程来构建大三和弦、小三和弦、增三和弦和减三和弦。我们将详细解析这些和弦的构成音以及它们各自的听觉特点。通过在吉他指板上展示这些基本和弦的各种指法（开放和弦、封闭和弦、 Barre Chords），让读者能够快速掌握常用和弦的演奏。 七和弦的扩展： 在掌握了三和弦之后，本书将进一步介绍七和弦，包括属七和弦、大七和弦、小七和弦、半减七和弦、减七和弦等。我们将讲解这些七和弦的构成以及它们在音乐中扮演的重要角色，特别是属七和弦在解决到主和弦时的强大功能性。同样，本书将提供丰富的吉他指法图例，并分析常见流行歌曲中七和弦的应用。 和弦的连接与进行： 和弦的连接是构成音乐旋律和和声的基础。本部分将深入讲解和弦进行的原理，包括最基本的I-IV-V-I进行，以及更复杂的二级、三级等和弦功能分析。我们将介绍常见的和弦进行模式，如ESG (E-A-B7-E) 的Blues进行，以及在流行、摇滚、爵士等不同风格中常用的和弦套路。通过对这些和弦进行的深入剖析，读者将能够理解为什么某些和弦组合听起来如此悦耳，并学会如何运用这些进行来创作自己的歌曲。 转位与挂留： 本部分将介绍和弦的转位（第一转位、第二转位）以及挂留音（sus2, sus4）的概念。我们将讲解转位如何改变和弦的音响效果，以及挂留音如何为和弦增添色彩和张力。本书将通过实例展示这些技巧如何在吉他演奏中应用，以丰富和声的表现力。 高级和弦概念： 为了进一步拓展读者的和声视野，本部分还将简要介绍一些更高级的和弦概念，如九和弦、十一和弦、十三和弦，以及属九、属十一、属十三等。我们将简述这些和弦的构成，并重点强调它们在爵士乐和其他现代音乐风格中的应用，为有兴趣深入探索的读者提供方向。 第三部分：旋律与即兴——音乐的灵魂与自由 旋律的构成： 本部分将从乐理的角度分析旋律的构成。我们将探讨旋律线的走向（上行、下行、级进、跳进），旋律的乐句划分，以及旋律与和弦之间的关系。本书将通过分析一些经典吉他旋律，如独奏、riff，来讲解旋律是如何在和弦背景下展开的，以及如何让旋律听起来更具吸引力。 调式在即兴中的应用： 基于第一部分介绍的各种音阶和调式，本部分将重点讲解它们在吉他即兴演奏中的具体应用。我们将探讨如何运用大调音阶、小调音阶、五声音阶、布鲁斯音阶以及各种调式来为特定和弦进行创造性的Solo。本书将提供大量的即兴练习方法，包括音阶练习、琶音练习、音程连接练习，以及如何将这些元素融合成富有表现力的乐句。 琶音与音阶的结合： 本部分将讲解如何将琶音和音阶的演奏技巧有效地结合起来，以创造出更流畅、更具技术性的即兴乐句。我们将分析一些大师的Solo，学习他们如何巧妙地运用琶音来强调和弦音，以及如何用音阶来连接这些和弦音。 节奏型与音型发展： 本部分将深入探讨即兴演奏中的节奏处理和音型发展。我们将讲解如何通过改变节奏、切分音、休止符等方式来增加即兴的趣味性，以及如何通过重复、变化、移位等方法来发展一个简单的音乐动机，使其扩展成一段完整的Solo。 布鲁斯与摇滚即兴技巧： 针对吉他手最常接触的音乐风格，本部分将提供一套系统性的布鲁斯和摇滚即兴练习方法。我们将详细讲解布鲁斯音阶的各种指法和常用技巧，如推弦（Bending）、揉弦（Vibrato）、闷音（Muting）、击弦（Hammer-on）、勾弦（Pull-off）等，并结合具体的和弦进行进行示范。 第四部分：创作与编曲——音乐的表达与创新 和弦功能的延伸与变化： 本部分将超越基础的和弦进行，介绍更多高级的和弦功能概念，如副属和弦（Secondary Dominants）、减七和弦作为属七和弦的替代、以及各种转调手法。我们将分析这些技巧是如何被用于增加音乐的色彩、张力以及情感深度的。 配器与声部写作： 虽然本书是为吉他手而写，但理解基本的配器原则对于吉他手的编曲至关重要。本部分将简要介绍不同乐器的音域、音色特点，以及如何在编曲中为吉他找到合适的位置，与其他乐器进行互动。我们将探讨吉他与其他乐器（如贝斯、鼓、键盘）的配合方式，以及如何通过吉他的不同演奏技法来丰富音乐的层次。 歌曲结构分析： 了解歌曲的结构（如主歌-副歌、桥段、前奏、尾奏）是进行创作和编曲的基础。本部分将分析各种常见歌曲结构的特点，并指导读者如何运用乐理知识来构建具有逻辑性和吸引力的歌曲。 音乐风格的融合： 本部分将鼓励读者打破风格的界限，尝试将不同音乐风格的乐理元素进行融合。我们将探讨如何在摇滚歌曲中加入爵士的和声，或者在乡村音乐中运用古典的和声进行。本书旨在激发读者的创造力，让他们能够运用所学的乐理知识来表达独特的音乐理念。 创作练习与思维启发： 本部分将提供一系列的创作练习，引导读者将理论知识转化为实际的创作成果。这些练习可能包括：根据给定的和弦进行写旋律、根据一段旋律创作和弦伴奏、或者尝试改编一首已有的歌曲。本书更侧重于启发读者的音乐思维，让他们能够自主地探索和创造。 本书的独特之处： 《乐理的奥秘：解锁吉他音乐的潜能》并非一本堆砌理论的枯燥读物。它以吉他手的视角出发，将抽象的乐理概念转化为吉他指板上的具体实践。书中充满了大量的吉他指板图例、乐句示范、以及对经典吉他作品的乐理分析。作者注重将乐理知识与音乐情感、艺术表达相结合，引导读者不仅仅是“知道”乐理，更是“理解”和“运用”乐理，从而真正解锁他们的吉他音乐潜能，无论是创作、即兴，还是对音乐的深度理解，都能达到一个新的高度。本书将成为吉他手在音乐道路上不可或缺的理论指南。

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这本书的语言风格是一种独特的、混合了严谨学术性和亲切导师感的交织体。它避免了那种高高在上、令人望而生畏的学院派术语堆砌，转而采用一种非常鼓励和引导的语气进行讲解。想象一下，你不是在面对一本冰冷的教材，而是在一位经验丰富、耐心十足的导师的陪同下学习。当涉及到一些相对枯燥的数学原理或历史渊源时，作者总能找到一个有趣的类比或一个著名的音乐案例来支撑论点，瞬间就能将读者的注意力拉回到音乐本身的美感上。例如，在介绍音程构成时，作者引用了一段中世纪圣歌的例子来说明纯五度的稳定性和重要性，这种跨越时空的对话感，极大地增强了学习的代入性。即便是那些需要大量记忆的乐理术语，作者也设计了一些巧妙的记忆口诀或者联想方法，让记忆过程变得不那么痛苦。更值得称赞的是，作者似乎深知“知道”和“做到”之间的鸿沟，因此，每一个理论章节的末尾，都附带了详尽的“实践挑战”或“即兴练习”，确保读者能够立即将学到的知识转化为手指的肌肉记忆。这种教学法，真正做到了理论与实践的无缝对接。

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我必须承认，这本书的深度和广度远远超出了我的预期。我原本以为这只是一本针对吉他爱好者，讲解基础乐理的入门读物，但实际上，它更像是一本可以伴随演奏者从初级向高级迈进的“理论导航图”。书中对和声学的探讨，绝非停留在“什么是属七和弦”的层面。作者深入剖析了功能和声的内涵，并巧妙地将其与吉他指板上的实际应用场景结合起来。比如，关于“二次属音”的运用，书中不仅给出了复杂的和声进行示例，还特别指出在不同把位上如何用最流畅的手指动作来演奏这些复杂的和弦转换，这才是真正面向吉他手的“干货”。此外，对节奏和律动的解析部分也极为精妙。它没有固守传统的节拍器思维，而是引入了“律动感”和“切分”在不同音乐风格中的微妙差异，这对于提升演奏的音乐性和表现力至关重要。读完关于节奏的部分，我甚至开始重新审视自己过去对一些经典布鲁斯乐句的理解，感觉自己的音乐“耳朵”都被提升了一个层次。这本书的知识密度非常高，需要反复咀嚼，但每一次重读都会有新的领悟，这正是优秀教材的标志。

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我过去尝试过好几本吉他乐理书籍，它们往往要么过于侧重于“弹奏技巧”而忽略了背后的原理，要么就是纯粹的音乐学院教材，与吉他指板的实际操作脱节。然而，这本书完美地找到了那个甜蜜点——它深刻理解吉他演奏者在学习乐理时所面临的实际困境。例如，书中在讲解“五度圈”时，没有仅仅停留在图表上，而是专门开辟了一个章节，详细演示了如何在吉他上“看见”和“弹奏”这个五度圈，从C大调出发，如何通过最少的移动到达A小调，以及如何利用指板上的特定空弦和开放音来构建和弦色彩。这种以吉他为核心的视角，使得每一个理论点都有了明确的物理载体。它不是告诉你“你应该知道这个”，而是告诉你“在你的吉他上，这个东西长这样，你可以这样弹”。此外，书中对不同音乐风格（如爵士、融合、摇滚）中乐理的特定应用案例分析也十分到位，这些案例都配有清晰的乐谱和和弦进行，读者可以立即拿起吉他进行模仿和内化。这本书真正实现了理论与实践的同频共振，绝对是每一位希望提升自身音乐内涵的吉他手案头必备的工具书。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴。封面采用了低饱和度的深蓝色调，配以手绘风格的五线谱和吉他琴颈的线条勾勒，透露出一种既专业又充满艺术气息的氛围。纸张的质感非常出色，不是那种廉价的反光纸，而是略带哑光和纹理的优质纸张，拿在手里就能感觉到制作者的用心。内页的排版布局堪称教科书级别的典范。作者显然对阅读体验有着极高的要求，每一个和弦图、每一个音阶的标注都清晰可见，间距和字号的设置都恰到好处，即使是初学者长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。更令人惊喜的是，书中许多关键概念的阐述部分，都配有精心绘制的示意图，这些图示不仅仅是简单的符号堆砌，而是真正能够帮助读者理解复杂乐理的视觉辅助工具。例如，在讲解调式转换时，作者用色彩编码来区分不同的音级关系，这种细腻的处理方式，让抽象的理论瞬间变得立体和直观。翻阅全书，你会发现从目录到索引的设计都体现了极强的逻辑性和实用性，每一次查找都能迅速定位到所需知识点，这无疑为提高学习效率打下了坚实的基础。对于那些注重阅读体验和产品细节的读者来说，光是捧着这本书，就已经是一种享受了。

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从结构安排上看，这本书的逻辑脉络简直是一条精心铺设的康庄大道。它不是简单地将乐理知识点罗列在一起，而是建立了一个清晰的、层层递进的知识体系。开篇部分用非常简洁的方式梳理了吉他演奏的基础概念，为后续的深入学习扫清了障碍。随后，内容开始逐步过渡到音阶和调式，但作者的巧妙之处在于，他没有急于展示复杂的大调、小调体系，而是先从吉他手最常用的五声音阶和布鲁斯音阶入手，让读者立刻尝到“有效学习”的甜头。这种“先得甜头，再探深井”的策略，极大地保持了读者的学习动力。进入到中段，关于和声功能和转调的讲解，采用了“模块化”的设计，每个模块都是一个相对独立但又紧密关联的小系统，读者可以根据自己的学习进度和兴趣点进行选择性深入。最让我印象深刻的是，书中后半部分对即兴创作的指导部分，它将所有的乐理知识点进行了一次整合性的运用展示，清晰地告诉读者：我们学了这么多理论，最终目的就是为了更好地表达音乐。这种结构上的宏大叙事感和微观操作的精确指导相结合，使得全书的阅读体验流畅且富有成效。

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