Remarques sur art - sculpture - espace pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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☆☆☆☆☆

出版者:Rivages

作者:Martin Heidegger

出品人:

页数:46

译者:

出版时间:2015-4-21

价格:EUR 5.10

装帧:Poche

isbn号码:9782743631864

丛书系列:

图书标签:

• français
• Heidegger,Martin
• @译本
• =B
• 2081
• #Payot&Rivages
• 艺术
• 雕塑
• 空间
• 评论
• 美学
• 创作
• 形式
• 维度
• 视觉
• 反思

好的，这是一本关于艺术、雕塑和空间的著作的详细简介，该书内容与《Remarques sur art - sculpture - espace》无关。 --- 《空间的物质性：从具象到抽象的雕塑语境》 导言：重塑观者与场域的关系 本书深入探讨了雕塑艺术在二十世纪中叶至今的发展轨迹，尤其关注物质性、空间介入以及艺术作品与特定场域（site）之间日益复杂的对话。《空间的物质性》并非对既有雕塑史的全面回顾，而是聚焦于一系列关键的转向：从对传统形式的模仿与再现，转向对构成作品的材料本身属性的探索；从将雕塑视为独立的、自足的“物体”，转向将其理解为一种组织和重构其周围空间能量流动的“事件”。 本书的核心论点在于，自战后现代主义的兴起，雕塑已不再仅仅是“在场”的纪念碑，而成为一种介入现实、挑战既定感知框架的媒介。我们将考察艺术家如何运用非传统材料——如光线、空气、声音、甚至时间本身——来消解雕塑的传统界限，使其与环境融为一体，或在极简的姿态中揭示空间的内在结构。 第一部分：材料的解放与场域的觉醒 (1950s – 1970s) 本部分追溯了欧洲与北美艺术界如何从战后对物质稀缺的反应，转向对材料本质的哲学反思。 1. 极简主义的几何语言与物质的“诚实性” 我们详细分析了唐纳德·贾德（Donald Judd）和卡尔·安德烈（Carl Andre）的作品，重点探讨了“特定物体”（Specific Object）概念的演变。关键不在于他们创造了什么形状，而在于他们如何处理材料的表面、重量和边缘。安德烈的地板作品如何迫使观者以身体的移动来体验空间，以及贾德的箱体结构如何通过其重复性与工业生产的关联，质疑了艺术品的“光环”。 2. 过程艺术与物质的瞬变 与极简主义的静态性形成对比，过程艺术（Process Art）将艺术品的“完成”状态置于次要地位。我们考察了理查德·塞拉（Richard Serra）早期的铅板作品——材料的沉重感和脆弱性如何同时存在——以及罗伯特·莫里斯（Robert Morris）对重力和时间的实验。在此阶段，雕塑不再是永恒的，而是被时间、重力或环境因素所塑形或侵蚀的动态系统。 3. 土地艺术（Land Art）：超越画廊的尺度 土地艺术的兴起标志着雕塑彻底脱离了传统展陈空间。史密森（Robert Smithson）的《螺旋堤》不仅仅是物质的堆积，更是一种对地理、历史和时间的“记录”。我们探讨了这些宏大尺度的作品如何迫使观者重新思考“观赏”行为，将其转化为一种朝圣或探险。土地艺术家的实践揭示了物质性与景观（Landscape）之间无法分割的联系，以及人类干预在地球尺度上的短暂性。 第二部分：去物质化与现象学的转向 (1970s – 1990s) 随着后结构主义思潮的涌入，雕塑开始探索其非物质维度，并将焦点转向观者的感知经验。 1. 身体、空间与感知（Minimalism & Phenomenology） 本章聚焦于伊娃·海瑟（Eva Hesse）的作品，特别是她对乳胶、玻璃纤维等柔软、有机材料的使用。这些材料的延展性、可塑性和非永久性，挑战了雕塑传统上坚固、持久的规范。我们分析了海瑟如何通过这些材料，引入了关于身体性、焦虑和不确定性的主题。她的作品迫使观者进入一种更具触觉和情感共鸣的空间。 2. 光线与空气的雕塑化 詹姆斯·特雷尔（James Turrell）和罗伯特·欧文（Robert Irwin）的工作被视为雕塑边界的终极拓展。他们不再雕刻物质，而是雕刻光与视觉的错觉。我们详细分析了特雷尔“视场作品”（Field Work）的结构，即如何通过精确的几何布局和光照控制，使观众体验到空间本身的深度和饱和度。他们的实践证明，当物质性被降到最低时，感知本身成为主要的创作媒介。 3. 叙事空间的构建：装置艺术的崛起 自1980年代起，雕塑越来越多地以“装置”（Installation）的形式出现，模糊了雕塑与建筑、场景设计之间的界限。我们研究了像克里斯蒂安·波尔坦斯基（Christian Boltanski）那样，通过利用现成物品（found objects）、照片和光线，构建出充满记忆和集体创伤的沉浸式空间。这些装置不再是单一物体的集合，而是围绕特定主题、邀请观众参与叙事的复杂环境。 第三部分：当代语境下的物质性回归与批判性介入 (2000年至今) 进入新千年，面对全球化和数字图像的泛滥，一些艺术家重新转向对“真实”材料的执着，但其意图已不再是纯粹的物质探索，而是带有强烈的社会批判性。 1. 后工业时代的“拙劣”与再利用 我们探讨了当代艺术家如何利用回收材料、废弃物和工业副产品进行创作。例如，一些艺术家对塑料和电子垃圾的运用，并非是对材料美学的追求，而是对消费主义和全球物流体系的直接评论。这种“拙劣的”或“非艺术的”材料，反过来赋予了作品一种强烈的时代印记和政治重量。 2. 数字化形态的物理体现 随着三维打印和参数化设计的发展，雕塑的创作过程发生了根本性变化。本章分析了当代作品如何体现了“数字蓝图”与“物理现实”之间的张力。艺术家们探索的不再是传统的铸造或雕刻，而是算法生成的形式如何在现实空间中获得重量和体积。这引发了关于“原创性”和“复制”在数字时代的新问题。 3. 互动性与动态雕塑 当代雕塑越来越多地融入了传感器、机械和实时数据流。这些动态雕塑与环境、观众的行为，甚至是天气数据进行实时互动。它们挑战了雕塑的静止本质，将作品塑造成一个持续演变的系统。这种动态性迫使观众接受艺术作品的“开放性”和“不可预测性”，从而使空间体验更加个人化和短暂。 结论：空间即作品 《空间的物质性：从具象到抽象的雕塑语境》总结道，现代雕塑的演变史，就是一部不断拓展艺术领域、挑战观众既有感官习惯的历史。从对铅块的诚实展示，到对光线的精密调控，再到对数据流的物理转化，雕塑的终极目标已经从“创造一个物体”转变为“组织一个空间体验”。未来的雕塑将继续在物质的坚实与意义的流动之间，开辟出新的感知领域。 --- 目标读者： 本书适合艺术史学生、当代艺术策展人、雕塑家、建筑师，以及对现象学、物质文化研究感兴趣的广大读者。书中配有大量高质量的图像资料和详细的文献注释，旨在提供一个严谨且富有启发性的学术视角。

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读完这本书，我最大的感受是，我们对“雕塑”的定义可能太过狭隘了。作者似乎在用一种近乎诗意的方式，重新定义了“物”与“非物”的界限。书中对“动态雕塑”的探讨，尤其令人耳目一新，那些依赖风力、水流甚至电力驱动的作品，被置于一个探讨“永恒变迁”的哲学框架下。这使得那些看似短暂易逝的艺术行为，获得了与青铜像相媲美的持久性。我特别喜欢那种娓娓道来的叙事风格，它不急于给出结论，而是引导读者沿着作者的思路，一步步剥开作品的表层肌理，触及更深层的结构性问题。例如，关于光线在雕塑中的作用，书中并未将其视为装饰或照明，而是将其视为一种“可被雕刻的物质”，这种视角的转换，极大地丰富了我的审美体验。这本书的深度在于，它不仅仅描述了“什么”被创造出来，更深入地挖掘了“为何”以这种特定的空间形式被创造出来，以及这种创造如何反过来重塑了我们的存在感。

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这本书的价值，很大程度上体现在其批判性的视角上。它没有盲目歌颂所有的新颖形式，而是对那些打着“空间解放”旗号，实则进行“环境霸权”的作品进行了犀利的剖析。作者对大型公共艺术项目中的“权力空间”进行了非常尖锐的批判，指出某些看似开放的作品，实际上是如何通过其规模和选址，巩固了特定的社会等级或意识形态的。我尤其欣赏书中对比了两种截然不同的纪念碑性——一种是自上而下的强制性灌输，另一种则是基于个体经验的、自下而上的“偶然纪念”。这种对比分析，使得全书的论述充满了张力和现实意义。文字的密度很高，需要集中精力去阅读每一个句子的内在逻辑，但回报是巨大的，它提供了一套强有力的工具，去审视我们周围那些被精心设计的、试图定义我们行动范围和思想边界的空间结构。对于任何想成为一个更具批判性思维的艺术观察者的人来说，这本书都是必不可少的指南针。

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老实说，一开始我对这种高度学术化的探讨感到有些畏惧，毕竟“空间”和“雕塑”的结合，很容易陷入晦涩难懂的理论迷宫。然而，作者展示了惊人的驾驭能力，将复杂的现象学概念，通过具体且极富画面感的实例串联起来，使得阅读过程既有挑战性又充满了发现的乐趣。我对其中关于“非人类主体性”在当代雕塑中的体现感到尤为震撼。书中探讨了那些故意设计成抵御人类触摸、甚至带有轻微危险性的作品，是如何反过来确立了人类在观看关系中的主体地位的。这是一种非常辩证且深刻的观察。更妙的是，作者在分析时，总能巧妙地引入不同文化背景下的空间观念——比如从日本的“间（Ma）”到拉丁美洲的集体广场意识，这种跨文化的参照，极大地拓宽了我们对“何为界限”的理解。这本书的行文流畅自如，论证严密，绝非那种堆砌术语的空洞之作，它真正做到了让理论为视觉体验服务，而不是反过来束缚思考。

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这本关于艺术、雕塑和空间的著作，无疑是一次对我们感知世界的深刻挑战与拓展。从翻开扉页的那一刻起，我就被作者那种近乎偏执的对“物质性”与“虚无”之间张力的捕捉所吸引。书中对古希腊雕塑中“未完成”部分的解读，并非仅仅停留在考古学或美学鉴赏的层面，而是将其视为一种主动的、邀请观者参与构建的“缺席的在场”。作者巧妙地将这种古老的哲学思辨，嫁接到当代装置艺术的语境中，特别是探讨了那些利用光影、噪音甚至是时间流逝本身作为媒介的作品。我尤其欣赏其中关于“空间作为一种可塑的、可被情感渗透的实体”的论述。例如，对一个空旷工业遗址的分析，它不再是背景，而是成了雕塑本身不可分割的一部分。那种细腻入微的笔触，仿佛能让人触摸到混凝土的粗粝感，听到空气在巨大空间中回荡的微小震颤。这本书迫使我重新审视那些被我们习以为常的“环境”，思考我们是如何被这些无形的边界和界限所塑造和限制的。它不是一本轻松的读物，需要反复咀嚼，但每一次回味，都能带来新的理解维度，关于存在、感知和被感知的复杂互动。

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简直是一场思维的飓风！我很少读到一本能如此酣畅淋漓地解构“形式”与“功能”之间那种微妙的、时常是相互抵触的关系的艺术评论。作者对现代主义雕塑中“平面性回归”的论述，简直是教科书级别的精彩。他们没有满足于简单的风格归类，而是深入挖掘了那些试图打破画框、挑战视觉惯性的艺术家们的内心挣扎。书中引用的案例非常新颖，那些上世纪六七十年代在北美和欧洲边缘地带出现的，与大地艺术若即若离的作品，被赋予了全新的生命力。我特别关注到关于“材料的记忆”这一章节，作者提出，一块大理石或一块锈蚀的钢铁，其携带的历史信息量，远超其物理形态所能承载的。这不仅仅是历史的沉淀，更是人类活动留下的“精神烙印”。阅读过程中，我不断地在脑海中重构那些被描述的艺术现场，那种沉浸式的体验，甚至让我感觉自己能闻到工作室里松节油的味道，感受到艺术家挥汗如雨的瞬间。对于那些试图理解艺术如何超越其物质载体，直抵人类共同情感深渊的读者来说，这本书简直是打开了一扇通往全新视角的门。

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