具体描述
This full-color booklet--available for free when shrink-wrapped with the book or Study Guide--offers fill-in-the-blank style concept charts that allow students to apply their understanding of the concepts to real-life situations(with answers in an appendix). Some of the Concept Reviews focus on the biopsychosocial approach, thus extending the levels of analysis theme that David Myers has further applied in the text, for this edition.
探索未知领域：一本关于现代艺术史与哲学思潮的深度论著 书名： 图像的迷宫：20世纪中后期的视觉文化、认知结构与后现代断裂 作者： [此处填写一个虚构的、听起来专业的作者名，例如：阿莱斯特·格雷厄姆] 出版社： 启明文粹出版社 定价： 128.00 元 开本与装帧： 16开，精装，附录包含大量高清黑白及彩色图版 --- 内容简介 《图像的迷宫：20世纪中后期的视觉文化、认知结构与后现代断裂》并非一本传统的艺术史编年体著作，它是一次对1945年至2000年间西方乃至全球视觉语境的深度考古。本书的核心关切在于：图像是如何在技术、政治和哲学三重挤压下，从“再现的工具”异化为“意义的生产场”？ 作者摒弃了基于风格流派的线性叙事，转而采用一种跨学科的、现象学与批判理论交织的视角，解构了战后艺术实践中那些最具颠覆性的运动与思潮。全书结构严谨，分为五个相互关联的部分，每一部分都致力于揭示视觉体验背后深藏的认知陷阱与权力运作。 第一部分：战后基底的消解：从表现主义到偶发艺术的符号崩塌 本部分着重考察二战结束后，欧洲和北美艺术界对传统再现模式的集体背叛。作者细致分析了抽象表现主义如何通过尺幅的无限扩张和笔触的内在性，试图逃离“被观看”的客体化命运，却意外地滑入了主体性英雄主义的窠臼。随后，研究转向了对“物”的本体论挑战——杜尚的遗产如何被新达达和偶发艺术（Happenings）重新激活。重点分析了约翰·凯奇的音乐哲学如何渗透到视觉领域，以及这种随机性如何预示了信息爆炸时代下意义的不可控性。 此处探讨了“场域”（Field）概念的转变，即艺术不再是关于物体本身，而是关于物体与观看者、空间、时间之间的动态关系。我们审视了美国早期环境艺术的萌芽，那些试图将画布上的空间延伸至现实地景的尝试，如何为后来的装置艺术铺平了道路。 第二部分：媒介的考古学：技术、复制与光电时代的感知重塑 在信息技术高速发展的背景下，视觉艺术被迫面对自身的媒介属性。本章是全书的理论高地之一，深度挖掘了媒介理论家（如麦克卢汉、鲍德里亚）的洞见，并将其应用于具体的艺术实践中。 作者详细剖析了波普艺术（Pop Art）的“平面化”倾向。安迪·沃霍尔的丝网印刷并非简单的复制，而是一种对资本主义文化中“原创性”概念的解构性模仿。通过对批量生产图像的机械性复制的考察，本书揭示了图像如何从具有“灵光”（Aura）的独特性对象，沦为可无限替换的商品符号。同时，对光电媒介，如电视和早期视频艺术的分析，展现了艺术家如何试图利用电子信号的瞬时性和流动性，来挑战固化的视觉观看习惯，探索“时间作为媒介”的可能性。 第三部分：结构的转向：符号学、结构主义与后结构主义的视觉语言学 本部分将艺术分析的焦点从“物”转向“结构”和“系统”。作者引入了皮尔斯、索绪尔的符号学理论，解释了20世纪60年代中期，艺术界为何热衷于寻找和暴露那些支配视觉世界的底层规则。 极简主义（Minimalism）在此被视为一场严苛的结构实验。它试图剥离艺术的修辞、情感和叙事，只留下纯粹的几何形式、材料的物理存在以及它们在特定空间中的相互关系。通过对唐纳德·贾德和卡尔·安德烈的作品的分析，本书阐明了极简主义如何通过强调“物件本身”（Specific Object）的物质性，来抵抗传统审美经验的形而上学诱惑。 随后的讨论转向后结构主义的介入，重点分析了概念艺术（Conceptual Art）对“视觉化”的反叛。当观念取代了物质的实体，视觉的呈现方式（如文本、图表、档案）本身成为质疑的对象。这种对“看”的质疑，预示了后现代对“客观真相”的彻底否定。 第部分：身体的回归与异化：表演、性别与权力空间的场域化 随着对纯粹形式的探索达到极限，艺术的注意力重新转向了身体——艺术家的身体、观看者的身体、以及被规训的社会身体。本章探讨了表演艺术（Performance Art）的兴起，它将艺术行为从画廊的白墙中解放出来，置入到日常的、充满风险的现实空间中。 重点关注了女性主义艺术家如何利用身体的可见性与不可见性来挑战父权制的凝视（The Gaze）。从玛丽娜·阿布拉莫维奇的耐力挑战，到克里斯·伯顿对女性身体的符号化运用，本书分析了身体如何成为抵抗、记忆和政治宣言的战场。此外，还探讨了身份政治如何在90年代的艺术语境中爆炸性地涌现，迫使博物馆和画廊重新思考其收藏、策展和知识生产的权力结构。 第第五部分：后现代的碎片化与语境的无限延伸：从装置到数字前夜 在世纪末的语境下，艺术不再寻求宏大叙事，而是拥抱碎片、拼贴与断裂。本章考察了大规模装置艺术（Installation Art）如何创造出沉浸式的、多感官的“世界”，迫使观众彻底放弃传统的单点透视观看。 本书最终落脚于对“超真实”（Hyperreality）的审视。当图像与现实的界限日益模糊，艺术家开始运用讽刺、挪用和戏仿来处理信息过载的文化景观。这种对“意义的过度生产”的应对，构成了对未来数字时代的深刻预演。 --- 撰写特色与价值 本书最大的价值在于其宏观的理论框架与微观的案例分析的完美结合。作者的论述风格既有欧洲大陆哲学思辨的深度，又具备当代艺术史学研究的清晰度和严谨性。它避免了对特定流派的盲目赞扬或批判，而是将每一场艺术运动视为人类认知系统在特定历史阶段对“我们如何看待世界”这一根本问题的实验性回答。 学术受众： 本书是艺术史、视觉文化研究、符号学、哲学（现象学与后结构主义）领域研究生及专业人士的必备参考书。它为理解战后艺术的复杂性，提供了一套强有力的分析工具。 非专业读者： 对于任何对现代社会如何被视觉信息重塑感兴趣的读者，本书都能提供一个深刻且引人入胜的指南，帮助读者穿透日常图像的表象，理解其背后的权力运作与认知陷阱。它将改变您看待博物馆、广告牌，乃至您手机屏幕的方式。 本书不包含以下内容： 对文艺复兴或巴洛克艺术的详尽回顾。 对早期现代主义（如立体派、野兽派）的侧重分析。 关于艺术品市场运作或艺术品金融化的专门章节。 对传统绘画或雕塑技法复兴的详细讨论。 任何关于“如何进行艺术创作”的实用指导。
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