俞振飞艺术论集（增订本） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中西书局

作者:俞振飞

出品人:

页数:356

译者:

出版时间:2016-8

价格:68.00元

装帧:平装

isbn号码:9787547510209

丛书系列:

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《艺海求索：中国古典戏曲的传承与创新》 第一章：薪火相传——戏曲艺术的生命力 中国古典戏曲，这颗璀璨的东方艺术明珠，历经数百年风雨，依然散发着迷人的光彩。其生命力之顽强，既在于其深厚的文化底蕴，更在于一代代艺术家们不懈的探索与创新。《艺海求索》一书，旨在深入剖析中国古典戏曲的独特魅力，追溯其艺术发展的脉络，并着重探讨如何在现代社会中，传承与弘扬这一宝贵的文化遗产。 戏曲的魅力，首先体现在其高度的综合性。它集唱、念、做、打、舞于一体，将音乐、文学、表演、美术、杂技等多种艺术形式巧妙地融合在一起。一出戏，既有抑扬顿挫的唱腔，引人入胜的故事情节，又有程式化的身段动作，淋漓尽致的情感表达。这种全方位的感官体验，能够迅速将观众带入戏剧情境，产生强烈的共鸣。 在音乐方面，戏曲唱腔的设计，讲究声情并茂，与人物的身份、性格、情感紧密结合。不同的行当，拥有各自独特的曲牌和演唱技巧，例如花旦的婉转俏皮，老生的浑厚苍劲，青衣的端庄大气，净角的粗犷有力。这些唱腔不仅悦耳动听，更承载着丰富的叙事功能，能够传递人物内心的活动，推动剧情的发展。 文学性是戏曲的另一大特色。许多经典的戏曲剧本，都出自名家之手，其语言凝练优美，意境深远，具有极高的文学价值。这些剧本往往取材于历史故事、民间传说、小说评话，经过艺术加工，呈现出引人入胜的情节和鲜活的人物形象。 表演艺术方面，戏曲的“做”与“打”更是独树一帜。程式化的表演，看似僵硬，实则蕴含着丰富的表现力。一个眼神，一个手势，一个亮相，都经过严格训练和精巧设计，能够传达细腻的情感和复杂的心理活动。武打动作，更是将杂技的技巧融入其中，既有观赏性，又能展现人物的勇猛果敢。 美术元素的运用，也为戏曲增添了色彩。精美的戏服，考究的妆容，逼真的道具，以及写意化的舞台布景，共同营造出浓厚的艺术氛围。这些视觉元素，不仅烘托了人物的身份和性格，也增强了戏曲的观赏性。 然而，戏曲的生命力并非一成不变。它在漫长的历史发展中，不断吸收外来艺术精华，并根据社会变迁进行调整。从宋元时期的说唱勾栏，到明清时期的昆曲、京剧、越剧等地方剧种的繁荣，戏曲艺术始终保持着生机勃勃的面貌。这种不断融合与创新的能力，是其能够穿越时空，至今仍吸引着观众的重要原因。 《艺海求索》将从戏曲的各个维度出发，深入探究其艺术精髓，并以此为基础，探讨如何在新的时代背景下，让戏曲艺术焕发新的生命力。 第二章：程式的魔力——戏曲表演的奥秘 中国古典戏曲表演，以其高度程式化的特点而闻名于世。这种程式并非僵化的套路，而是经过历代艺术家们提炼、总结、升华而成的精炼表现手法，蕴含着深厚的艺术规律和美学追求。理解戏曲的程式，是领略其独特魅力的关键。 程式，首先体现在戏曲演员的训练体系中。从基本功的扎实训练，到各种身段、唱腔、念白、武功的反复演练，演员需要经过漫长而艰苦的磨砺，才能掌握一套完整的表演体系。这套体系，包含了“唱、念、做、打”等各个方面，每个动作，每个表情，都经过精心设计，并有其约定俗成的规范。 例如，“做”功的程式，便是演员通过肢体语言来塑造人物。一个“拧身”，可以表现人物的犹豫不决；一个“圆场”，可以渲染气氛的紧张；一个“亮相”，则可以集中展现人物的某种情感状态或重要时刻。这些程式化的动作，通过演员精湛的技艺和丰富的内心情感注入，变得生动而富有表现力。 “念白”的程式，同样至关重要。戏曲的念白，并非简单的说话，而是具有音乐性的语言。它讲究声调的高低起伏，节奏的快慢缓急，以及情绪的抑扬顿挫，与唱腔有机地结合。不同的行当，有不同的念白风格，例如老生的韵白，旦角的数白，净角的说白，都各有其特色。 “唱”的程式，更是戏曲的灵魂。戏曲唱腔的设计，讲究旋律与情感的统一，节奏与人物性格的贴合。演员演唱时，不仅要发出悦耳的声音，更要通过声音的力度、音色、颤音等变化，来传达人物内心的喜怒哀乐。各种曲牌的运用，都有其特定的情感指向和场景功能。 “打”功的程式，则体现在戏曲的武戏表演中。它将杂技、武术的技巧与戏曲表演相结合，形成一套独特的武打体系。演员在表演中，通过干净利落的动作，精准的配合，以及富有张力的表现，展现出人物的英勇善战或激烈的冲突场面。 程式的力量，还在于其“写意”的特点。戏曲舞台，往往不追求写实的场景，而是通过简单的道具，如一根马鞭，就可以代表骑马；一个窗户，就可以象征一座房屋。这种“以少胜多”的艺术手法，将观众的想象力调动起来，与演员的表演共同完成对场景的塑造。 程式的背后，是戏曲表演者对人情事理的深刻洞察和对艺术规律的精准把握。它是一种高度凝练的艺术语言，能够以最经济、最有效的方式，表达最丰富的情感和最复杂的情节。 《艺海求索》将深入剖析这些程式化的表演技巧，揭示其背后的艺术逻辑和审美价值，并探讨如何在保留其精髓的同时，让程式在当代语境下，依然能够焕发活力。 第三章：声情并茂——戏曲音乐的独特魅力 中国古典戏曲的音乐，是其不可分割的重要组成部分，它以独特的旋律、节奏和演唱方式，为戏曲注入了生命，并与唱词、表演深度融合，共同营造出丰富多彩的艺术效果。 戏曲音乐的魅力，首先体现在其高度的“声情并茂”。戏曲音乐并非纯粹的器乐演奏或演唱，而是紧密围绕剧情和人物情感展开。每一段唱腔，都力求在旋律、节奏、力度上，准确地传达人物的内心世界。当人物悲伤时，唱腔可能低沉婉转，节奏舒缓；当人物激动时，唱腔可能激昂高亢，节奏明快。 唱腔的设计，是戏曲音乐的核心。不同的剧种，拥有各自独特而精美的唱腔体系。例如，昆曲的唱腔，以其婉转细腻、悠扬典雅著称，被称为“曲状元”。京剧的唱腔，则更加注重板式变化和情绪的渲染，形成“皮黄”唱腔的独特风格。越剧的唱腔，则以其清丽委婉、抒情性强而受到喜爱。 这些唱腔，并非一成不变的曲调，而是由一系列相对固定的“曲牌”组成。不同的曲牌，有着各自的旋律特点和情感指向。演唱者需要根据剧情和人物的需要，巧妙地运用和组合这些曲牌，形成连贯而富有表现力的唱段。 演唱者的嗓音条件和演唱技巧，是戏曲音乐的物质基础。戏曲演员需要经过严格的声乐训练，掌握各种吐字、归音、行腔等技巧，才能将唱腔演绎得声情并茂。例如，花旦的唱腔，需要婉转俏皮，充满活力；青衣的唱腔，需要端庄大气，富有韵味；老生的唱腔，需要浑厚苍劲，饱含情感。 伴奏音乐，在戏曲中也扮演着举足轻重的角色。不同的剧种，拥有不同的伴奏乐队和乐器配置。京剧的京胡、京二胡、月琴、鼓板等，构成了其独特的伴奏体系，它们与演唱者的唱腔相互呼应，共同营造出浓厚的音乐氛围。 戏曲音乐的节奏感，也十分独特。它与念白、表演紧密结合，形成一种有机的整体。演唱者在演唱时，需要准确把握节奏，并根据情境的变化，进行适度的快慢、强弱处理，以增强音乐的表现力。 除了演唱和伴奏，戏曲音乐还包括锣鼓经的设计。锣鼓在戏曲中，不仅起着渲染气氛、提示上下场的作用，更是一种重要的叙事元素。锣鼓的敲击，可以表现人物的动作，暗示事件的发生，甚至可以传达人物的心理状态。 《艺海求索》将深入探讨中国古典戏曲音乐的独特魅力，分析不同剧种的音乐特点，并探讨在当代，如何传承和发展这些宝贵的音乐遗产，使其在新的时代背景下，继续焕发艺术的光彩。 第四章：笔墨丹青——戏曲的舞台美术与视觉呈现 中国古典戏曲的舞台美术，是其整体艺术构成中不可或缺的重要组成部分，它以独特的视觉语言，为观众构建起一个虚拟而又意味深长的艺术世界，并与表演、音乐、唱念等元素共同作用，共同塑造出戏曲的独特魅力。 戏曲舞台美术的第一个显著特点，便是其“写意”的风格。与西方写实主义的舞台布景不同，中国戏曲的舞台，往往只用简单的道具和有限的布景，就能勾勒出一个完整的场景。例如，一张桌子、两把椅子，就可以组合成宫殿、书房、客栈等多种场所。一根马鞭，就能代表骑马的场景。这种“以虚代实”的手法，需要观众调动自己的想象力，与舞台上的表演者共同完成场景的构建，从而获得更深刻的艺术体验。 这种写意的舞台美术，使得戏曲的转换灵活而快速，能够适应各种情节的需要。它不拘泥于具体的形体，而是注重传达场景的意境和氛围。通过简单的道具和简洁的布景，将观众的注意力集中在人物的表演和情感的表达上。 戏服，是戏曲舞台美术中，另一项极具表现力的元素。戏服的设计，并非追求完全写实的服装，而是通过颜色、图案、样式等，来象征人物的身份、性格、地位，以及所处的时代背景。例如，红色代表喜庆和热情，黄色代表尊贵和帝王，黑色代表刚毅和正直。不同颜色、不同款式的戏服，能够迅速地在观众心中形成对人物的初步认知。 戏曲的脸谱，更是中国戏曲独有的视觉符号。脸谱通过不同的颜色和图案，来高度概括人物的性格特征。例如，红色脸谱代表忠诚和勇敢，白色脸谱代表奸诈和阴险，黑色脸谱代表正直和粗犷。脸谱的运用，将人物的性格特征以最直观、最强烈的方式呈现给观众，极大地增强了戏剧的观赏性和象征性。 化妆，同样是戏曲舞台美术的重要组成部分。戏曲的化妆，不同于日常化妆，而是根据人物的身份、性格、年龄等，进行夸张而程式化的处理。例如，老生通常需要化出皱纹，旦角需要化出秀丽的眉眼，净角则需要化出粗犷的面部线条。这些程式化的化妆，能够帮助演员更好地塑造人物形象，并与脸谱、戏服等元素相互呼应。 道具，在戏曲舞台上，也扮演着重要的角色。戏曲的道具，并非追求逼真，而是具有象征意义。例如，一杆枪可以代表武将的身份，一本书可以代表文人的学识，一面旗子可以代表军队的指挥。这些道具的使用，需要演员赋予其生命，使其成为表演的一部分。 灯光，在现代戏曲舞台美术中，也扮演着越来越重要的角色。恰当的灯光运用，能够突出人物，渲染气氛，营造空间感，并引导观众的视线。 《艺海求索》将深入探讨戏曲舞台美术的独特之处，分析写意风格、戏服、脸谱、化妆、道具等元素的艺术价值，并探讨在现代舞台上，如何继承和创新这些视觉呈现方式，让戏曲的舞台美术，继续为观众带来耳目一新的艺术享受。 第五章：传承与创新——戏曲艺术的未来之路 中国古典戏曲，作为一项宝贵的非物质文化遗产，其传承与发展，关乎民族文化的根脉。在快速变化的现代社会，如何让古老的戏曲艺术焕发新的生命力，是摆在我们面前的重要课题。《艺海求索》一书，将重点探讨戏曲艺术的传承与创新之路，为戏曲艺术的未来发展提供一些思考。 一、 坚守根脉，传承精华 传承，是戏曲艺术得以延续的生命线。首要的是，要系统地、完整地将优秀的戏曲剧目、表演技巧、音乐唱腔等，传承下去。这包括： 人才培养： 加强戏曲专业院校的建设，吸引更多热爱戏曲的年轻人投身于艺术创作和表演。建立完善的师徒传承制度，让老一辈艺术家将毕生所学毫无保留地传授给年轻一代。 经典剧目保护与挖掘： 对濒临失传的经典剧目进行抢救性挖掘和整理，并对其进行高水平的复排和演出。同时，深入研究和解读经典剧目的艺术价值，让更多观众了解和喜爱。 学术研究与资料整理： 加强戏曲理论研究，系统地整理和出版戏曲文献、演出资料、音乐唱谱等，为学术研究和艺术传承提供坚实的基础。 二、 拥抱时代，创新求变 创新，是戏曲艺术保持活力的不竭动力。在继承传统的基础上，戏曲艺术需要积极适应时代的需求，进行有益的探索和尝试： 题材的拓展与更新： 在尊重传统的基础上，可以尝试将当下社会的热点话题、人民群众的生活故事等，融入到戏曲创作中，创作出更贴近时代、更具现实意义的新剧目。 表现手法的现代化： 探索运用现代舞台技术，如多媒体、虚拟现实等，增强舞台的视觉冲击力和艺术表现力。但需要注意的是，现代化技术的运用，应以服务于戏曲本体艺术为前提，避免喧宾夺主。 音乐与唱腔的革新： 在保留传统唱腔韵味的同时，可以尝试吸收一些现代音乐元素，探索新的旋律和编曲方式，创作出更具时代感和吸引力的唱腔。 表演形式的多元化： 鼓励对传统表演程式进行有益的探索和微调，使其更符合现代观众的审美习惯。可以尝试将戏曲与其他艺术形式进行跨界融合，碰撞出新的火花。 传播渠道的拓宽： 积极利用互联网、新媒体等平台，进行戏曲的推广和传播。通过线上演出、短视频、直播等形式，让更多年轻人接触和了解戏曲。 三、 政策支持与市场运作 戏曲艺术的传承与创新，离不开国家政策的支持和社会各界的关注。 政府扶持： 加大对戏曲艺术的投入，在资金、场地、人才等方面给予更多支持。出台鼓励戏曲创作、演出和传承的政策法规。 市场化运作： 在坚持艺术性的前提下，可以探索更灵活的市场化运作模式，吸引社会资本参与，提高戏曲演出的市场竞争力。 观众培养： 加强戏曲普及教育，通过进校园、进社区等活动，培养和引导更多观众走进剧场，欣赏戏曲艺术。 《艺海求索》一书，将通过对戏曲艺术各个层面的深入剖析，为读者展现中国古典戏曲的独特魅力，并以开放的视野，探讨其传承与创新的未来之路，希望能够引发更多人对戏曲艺术的关注和思考，共同为这一宝贵的文化遗产贡献力量。

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我注意到这本书的编辑工作做得相当出色，特别是对引文和注释的处理，体现了极高的学术规范性。在许多关键论点的提出处，都能看到详实且准确的来源标注，这极大地增强了文本的可信度和研究价值。更值得称赞的是，对于那些源自不同历史时期、语境迥异的文献材料，编者们似乎花了很多心思去进行校勘和注释的梳理，使得读者在对照原典时，能够清晰地把握住作者的引述意图，避免了因信息碎片化而产生的理解偏差。对于严肃的学者或希望进行深度研究的爱好者而言，这种严谨细致的学术支撑是至关重要的，它将一本理论集提升到了工具书的层面，让它成为一个可靠的、可信赖的研究基石，这一点上，我给与最高的评价。

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这本书的装帧设计非常考究，从封面材质的选择到内文的排版，都透着一股古典韵味与现代审美的完美结合。我尤其欣赏那种略带粗粝感的纸张，它不仅触感舒适，更能让油墨的质感得到恰到好处的展现，仿佛每一笔笔触都带着历史的沉淀。至于字体选择，那仿宋体的运用，既保证了阅读的流畅性，又在视觉上营造出一种庄重、典雅的氛围，非常符合艺术理论著作的调性。翻开书页，章节之间的过渡处理得十分自然，标题的醒目程度和正文的留白处理都拿捏得恰到好处，让人在长时间阅读时，眼睛不容易感到疲劳。这种对细节的打磨，体现了出版方对内容本身的尊重，也让读者在翻阅的过程中，获得了一种仪式感和享受。毫不夸张地说，单是捧着这本书，就感觉已经进入了一种沉浸式的艺术氛围之中，它不仅仅是一本知识的载体，更像是一件精心制作的工艺品，值得细细品味和收藏。

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我花了整整一个下午的时间来梳理这本书中涉及的几种核心美学观点，感到受益匪浅，特别是关于“神韵”与“气韵生动”的论述部分，作者的阐释角度极为新颖，完全跳脱了传统学院派那种刻板的教条主义。他并没有简单地罗列前人的经典定义，而是通过大量的、带有个人鲜明印记的实例分析，将这些抽象的东方美学概念具象化。比如，他对某一特定时期戏曲唱腔中“虚实相生”手法的剖析，那种细腻入微的观察力，简直令人拍案叫绝。这种深入骨髓的洞察力，显然是建立在长期浸淫和批判性思考之上的，绝非泛泛而谈的理论堆砌。读罢这些章节，我感觉自己对中国传统艺术的理解，一下子从“知道是什么”升级到了“理解为什么这样好”，极大地拓宽了我的审美视野，让人忍不住想立刻拿起笔或乐器去实践印证一番。

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这本书的价值，绝不仅仅停留在对既有艺术成就的总结和梳理上，更在于它对未来艺术发展方向的深远启发。书中对几种传统艺术门类在现代社会语境下如何保持其生命力的探讨，提出的建议充满了前瞻性。我特别留意了关于“跨界融合”和“媒介转换”的章节，作者并未盲目推崇西方的现代艺术思潮，而是提出了一个极具东方智慧的平衡点：如何在坚守本体精神内核的前提下，吸纳外来的技术和表现形式。这种审慎而又积极的态度，为当代艺术家提供了一个绝佳的思考框架。它教会我们，传承不是抱残守缺，创新也不是盲目模仿，而是在深厚根基上的自我超越，这对于当前许多感到迷茫的创作者来说，无疑是一剂清醒剂和指路明灯。

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这本书的行文风格，在我看来，是极其罕见的“理论的严谨”与“叙事的灵动”并存的典范。你不会在其中发现那种令人昏昏欲睡的学术腔调，尽管它探讨的都是高深的艺术哲学问题，但作者的笔触却像一位经验丰富的导师在与你进行一场深入而亲切的对话。他擅长运用比喻，将复杂的结构和流派的演变，用日常生活中触手可及的事物来类比说明，使得即便是初涉该领域的读者，也能轻松抓住核心脉络。而且，作者似乎有一种魔力，能让读者产生强烈的代入感，仿佛亲眼目睹了艺术大师们在创作时的心路历程。这种叙事上的魅力，成功地消解了艺术理论的距离感，让知识的传递变得有趣且高效，真正做到了雅俗共赏，难能可贵。

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越读越厚，尤其《演艺萃思录》谈表演的部分。戏不掰开揉碎反反复复看，是尝不到真滋味的，也是近日跟刘巍老师的剧目课有感吧。俞老晚年看到昆剧上座情况比不得越剧，却还是爽朗乐观地坚信着“后继有人”呢。

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谈艺部分蛮细致的。

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习曲要解对音乐白痴而言简直是灾难。

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习曲要解对音乐白痴而言简直是灾难。

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越读越厚，尤其《演艺萃思录》谈表演的部分。戏不掰开揉碎反反复复看，是尝不到真滋味的，也是近日跟刘巍老师的剧目课有感吧。俞老晚年看到昆剧上座情况比不得越剧，却还是爽朗乐观地坚信着“后继有人”呢。