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出版者:Alfred Music

作者:Michele Weir

出品人:

页数:96

译者:

出版时间:2005-2

价格:USD 19.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780739033876

丛书系列:

图书标签:

• 声乐
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《爵士歌手手册》是一本旨在为所有对爵士演唱充满热情的人士提供全面指导的音乐指南。本书的重点在于揭示爵士乐的精髓，并帮助学习者掌握这项充满挑战又极具艺术性的演唱形式。 本书将从爵士乐的历史渊源和风格演变开始，带领读者穿越爵士乐的黄金时代，了解不同时期大师们的贡献，以及他们如何塑造了这一音乐流派的独特魅力。我们将深入探讨爵士乐的核心元素，包括节奏、和声、即兴演奏以及人声的运用，并在此基础上，为读者提供一套系统性的学习方法。 对于初学者，《爵士歌手手册》将提供一个坚实的基础。我们将详细讲解爵士乐的常用和弦进行，以及如何理解和应用这些和弦来构建富有表现力的旋律。乐句的构建、节奏的训练、以及如何准确地把握摇摆（swing）的感觉，都将是本书的重点内容。我们会通过大量的示例，让读者直观地理解抽象的音乐理论，并提供实用的练习方法，帮助读者逐步建立爵士演唱的节奏感和乐感。 对于有一定演唱基础的学员，《爵士歌手手册》将重点放在即兴演奏的艺术。即兴，是爵士乐的灵魂所在。本书将从基础的音阶和琶音练习入手，引导读者理解和声框架下的旋律创作。我们将探讨各种即兴技巧，如乐句连接、节奏变化、动机发展等，并提供大量的乐句示范，帮助读者积累即兴素材。同时，我们也会强调情感的表达和个人风格的塑造，鼓励学习者在规则的框架内展现独特的创造力。 本书还将聚焦于爵士演唱的技巧训练。我们将讨论声音的运用、气息的支持、音准的控制、以及如何通过声音的色彩和质感来传达歌曲的情感。从发声练习到对不同演唱风格的模仿与借鉴，本书都将提供细致的指导。我们将分析不同爵士歌手的演唱特点，并提供模仿练习，帮助学习者拓宽自己的声音表现力。 此外，《爵士歌手手册》还会深入探讨爵士歌曲的演唱实践。我们将分析经典爵士歌曲的演唱处理，包括如何理解歌词的含义、如何将情感融入旋律、如何进行人声的装饰音处理等。我们会提供一些具有代表性的爵士标准曲目，并对其进行细致的解析，帮助学习者更好地理解和演绎这些作品。 本书不仅仅是一本技术指南，更是一本关于爵士乐精神的探索。我们将强调爵士乐中的交流、协作和自由精神，鼓励学习者在演唱中倾听他人，并勇敢地表达自己的想法。音乐的生命在于不断的探索和创新，而爵士乐尤为如此。 《爵士歌手手册》的目标是 empowering 每一个热爱爵士乐的人，让他们能够自信地站上舞台，用自己的声音去讲述爵士的故事。无论你是渴望掌握即兴技巧的业余爱好者，还是希望提升专业演唱能力的音乐学生，本书都将是你不可或缺的良师益友。我们将帮助你理解爵士乐的奥秘，培养你的音乐直觉，让你在爵士演唱的道路上，不断前进，不断成长。 本书的结构安排合理，从基础到进阶，循序渐进，力求让每一个环节都对读者有所启发。我们将穿插经典的爵士乐段落分析，让你在理论学习的同时，也能感受到真实的爵士乐魅力。大量的乐谱示例、音频链接（如果适用）以及练习提示，都将使本书的内容更加生动和实用。 总而言之，《爵士歌手手册》是一份为所有爵士演唱爱好者精心准备的礼物，它将引领你进入一个充满无限可能的音乐世界，让你在爵士的旋律中，找到属于自己的声音。

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这本书的装帧和设计，透露出一种对音乐的敬畏感。它不是那种为了迎合现代审美而采用的扁平化设计，而是带有明显的复古质感，仿佛是直接从上世纪三十年代的某个音乐学院图书馆里借出来的珍本。我尤其喜欢它在每一首选曲的开头，都附带的一小段关于该曲目历史背景或原唱者的轶事介绍。这些零散的“八卦”和文化碎片，虽然看似与技术无关，却极大地丰富了我的演绎动机。比如，了解某段旋律是歌手在战后某一刻的即兴爆发，能让你在演唱时自然而然地带入那种历史的沉重感和生命力的迸发。从技术层面来说，我对它对复杂滑音和装饰音的记谱方式非常满意。很多时候，其他教材会把这些精妙的装饰写得过于繁琐，让人在演唱时不得不分心去“解读谱子”。而这本书的处理方式极其简洁高效，几个关键的点到位了，剩下的就交给了歌手的直觉和训练有素的耳朵。它成功地将书面语言的精确性与爵士乐即兴的流动性达到了一个完美的平衡点，让我在舞台上感觉自己像是在进行一场精彩的口述历史。

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这本乐谱集简直是为那些真心热爱“蓝调歌王”那份深沉与狂野的歌手们量身定做的！我拿到手的时候，首先被它那扎实的装帧吸引住了，一看就知道不是那种随便翻几页就会散架的廉价货。里面的曲目选择眼光极其独到，完全避开了那些烂大街的、被翻唱了无数次的标准曲目，而是深入挖掘了一些真正能体现爵士乐灵魂的深层作品。尤其让我惊喜的是，它对和弦编排的精细程度简直令人发指。我以前用的很多版本，要么和弦简化得让人听不出原味，要么就是为了炫技而堆砌了一堆复杂到实际演唱中根本无法把握的延伸音。但这本书的处理方式非常巧妙，它保留了原作的和声色彩，同时又在不牺牲美感的前提下，为现场演唱提供了足够的空间和呼吸感。我特别喜欢它在一些标志性乐句旁标注的演唱建议，比如关于气流控制和颤音的细微差别，这感觉就像是有一位经验丰富的老派导师坐在你旁边耳提面命，而不是冷冰冰的符号堆砌。翻阅过程中，我甚至能闻到那种老式录音棚里特有的温暖气息，仿佛 Miles Davis 或 Ella Fitzgerald 刚刚放下他们的乐器。对于任何想把爵士演唱从“模仿”提升到“理解”层次的人来说，这绝对是一笔值得的投资，它教的不是如何唱，而是如何感受音乐的脉搏。

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说实话，我买过不下十本关于声乐技巧和爵士乐理论的书籍，但大多都流于表面，要么是空洞的理论灌输，要么就是把复杂的即兴创作流程过度简化成几个可以套用的“公式”。然而，这本乐谱集完全颠覆了我的预期。它不是一本教你如何呼吸或者如何找到高音的书，它更像是一份对“即兴对话”艺术的详尽注解。我特别欣赏它在处理“旋律变奏”部分时的思路。它没有直接给出固定答案，而是通过展示同一段主题在不同情绪、不同速度下的几种核心处理方式，引导读者去探索旋律线移动的逻辑性。这种“授人以渔”的教学方法，真正抓住了爵士乐的核心——即兴的创造力，而非死记硬背。我花了整整一周的时间，只钻研了其中一个布鲁斯套曲的八小节，但每一次重新解读，都会发现新的层次。书中的字体排版和五线谱的清晰度也是一流的，即便是灯光不佳的排练室里，关键的临时升降记号和节奏标记也能一目了然。它让你明白，爵士演唱不是站在那里唱完既定的音符，而是用你的声音参与到乐队的对话中去，而这本书，就是你的“翻译器”和“词典”。

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作为一位严肃的声乐教育者，我一直在寻找能够弥合传统声乐训练与现代爵士演唱风格之间鸿沟的教材。市面上很多爵士教材要么过于偏向器乐思维，忽略了人声的生理限制，要么就是纯粹的声乐练习，缺乏爵士乐特有的“律动感”和“人性化”。这本书找到了一个近乎完美的交集点。它将一些复杂的节奏型和连音处理，用非常易于人体器官理解和执行的方式进行了分解。例如，书中对于“切分音”在人声处理中如何避免听起来生硬的段落，简直是教科书级别的解析。它强调的不是肌肉的僵硬控制，而是呼吸与发声器官的协同放松，从而实现那种自然而慵懒的律动。更难能可贵的是，它似乎内置了一种“反审查”机制。它鼓励你去打破既定的美声规范，去拥抱那些略带沙哑、充满生命力的瑕疵。在分析一些经典女中音的演唱片段时，它提供的不是如何“修正”那些被传统认为是不完美的发声方式，而是如何将这些声音特质最大化地转化为个人风格的标志。这本书，不只是给你乐谱，它是在重塑你对“完美声音”的定义。

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我是一位资深乐手，长期在小酒吧驻唱，对那些只注重商业流行效果的速成教材深恶痛绝。我追求的是那种能让人在午夜时分，只用一把老旧的麦克风和一架钢琴，就能将全场镇住的舞台魅力。因此，当我打开这本《手册》时，最关注的是它对情绪色彩和动态控制的描述。我发现它对“弱唱”的处理尤其深刻。爵士乐的张力往往不在于大声嘶吼，而在于那些几乎要消失的、充满了故事感的低语。书中对于如何保持气流在极弱音量下依然能维持音高的稳定性，提供了一套非常实用的、带有实验性质的练习方法。这些练习不是那种枯燥的“啊——”音阶，而是结合了特定的歌词意境和身体感受来设计的。此外，它的节奏感解析也极为精妙，特别是关于“摇摆”（Swing）的非线性处理。它没有简单地将八分音符等同于三连音的感觉，而是深入探讨了不同时代、不同乐手对摇摆速度的微妙调整，这对于想要模仿特定时代风格的歌手至关重要。这绝对不是为新手准备的入门读物，它更像是为那些已经掌握了基础技巧，正准备迈入大师殿堂的求索者准备的进阶地图。

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