B.B. King and Eric Clapton - Riding with the King (Guitar Recorded Versions) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Hal Leonard Corporation

作者:B.B. King

出品人:

页数:152

译者:

出版时间:2000-09-01

价格:USD 19.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780634021862

丛书系列:

图书标签:

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摇滚巨匠的吉他圣典：探索指弹艺术的精髓 献给所有执着于六弦琴声的求知者，一份跨越流派、直抵灵魂深处的吉他技艺指南。 本书并非聚焦于任何特定的蓝调或摇滚专辑，而是深入挖掘了吉他演奏艺术的普适性原理、技法精进的哲学，以及如何在你的指尖下释放出无尽的音乐潜能。我们相信，真正的吉他大师之境，在于对乐器本身的深刻理解与对音乐情感的精准表达，而非仅仅是模仿某几首经典曲目的和弦走向。 第一章：基石的构建——从零到精通的系统路径 本章致力于为初学者和希望系统性提升自我的中级演奏者打下坚实的基础。我们摒弃了碎片化的技巧介绍，转而构建一个逻辑清晰、循序渐进的学习框架。 1. 声音的物理学与吉他构造的奥秘： 我们首先探讨了声音是如何在木材、金属与空气的共振中诞生的。深入解析了不同木材（如云杉、桃花心木、玫瑰木）对音色特性的影响，以及拾音器（单线圈与双线圈）在电声转换中的作用。理解了这些“硬件”层面的知识，能让你在选择和调试设备时，做出更符合自身音乐追求的决策。 2. 乐理的“实用主义”：超越背诵，走向理解： 吉他手常因“乐理枯燥”而却步。本书采用完全以指板为导向的方式讲解乐理。我们将音阶、琶音、和弦结构，全部置于指板的直观视图中。重点讲解了“功能和声”在即兴演奏中的实际应用，例如，如何快速识别调式色彩的变化，以及如何运用属七和弦的导向性进行色彩转换。书中附有大量手绘指板图，清晰标注了关键音阶的指型和音程关系。 3. 右手技术的精雕细琢：拨弦的哲学： 右手技术是决定音色干净度与律动的关键。本章详细拆解了交替拨弦（Alternate Picking）的效率优化，包括如何减少不必要的垂直移动，实现“最小阻力”拨弦。更深入地探讨了推弦（Bending）的精确度控制——如何确保推弦的音高准确无误，并介绍了不同指法（单指、双指、三指推弦）在应对不同和弦结构时的优劣。扫弦（Strumming）部分则超越了基础的上下扫，讲解了如何运用手腕的爆发力来制造切分节奏的律动感（Groove）。 第二章：左手魔术——音色雕刻的细节艺术 左手的每一次按压、推拉、颤动，都赋予了音符以生命。本章聚焦于那些区分“弹奏”与“表演”的关键技术。 1. 揉弦（Vibrato）的个性化表达： 揉弦是吉他手的“签名”。我们没有提供单一的揉弦模板，而是分析了不同大师的揉弦风格——从缓慢、宽广的波浪式到快速、紧凑的颤音。通过频谱分析的视角，指导演奏者如何调整按压力度、手腕旋转角度，找到最能表达自己情绪的“个性化揉弦”。 2. 击弦与勾弦（Hammer-ons & Pull-offs）的流畅性训练： 流畅的连奏是现代吉他演奏的标志。本章提供了一套渐进式的“无声练习法”，旨在消除击勾时产生的多余噪音，确保每一个音符的清晰度。重点分析了如何在复杂的琶音进行中，维持均匀的音量和节奏感。 3. 掌控失真：滑音与闷音的艺术： 滑音（Slide）的运用不仅仅是音高的转移，更是情绪的铺垫。我们探讨了如何使用不同的指腹部位实现平滑或粗粝的滑动效果。在失真音色下，闷音（Palm Muting）的力度控制至关重要，本书提供了衡量“闷”与“松”之间平衡点的量化标准，以确保节奏驱动力的最大化。 第三章：即兴的自由疆域——构建你的个人语言 掌握了技术后，挑战在于如何将技术转化为有意义的音乐表达。本章是关于即兴思维的“认知地图”。 1. 模式的突破：超越五声音阶的束缚： 虽然五声音阶是蓝调和摇滚的基石，但过度依赖会导致听觉疲劳。我们系统性地引入了调式（Modes）的指板布局，但强调“音阶驱动”不如“和弦驱动”。教授如何围绕和弦的特定音（如三音、七音）来构建乐句，使得即兴旋律与背景和声产生精准的色彩对比。 2. 节奏的解构与重组：切分与休止的魔力： 伟大的即兴演奏，往往不是“弹得有多快”，而是“弹得有多巧妙”。本章着重分析了休止符（Silence）在构建音乐张力中的关键作用。通过分析爵士乐和放克（Funk）的节奏结构，我们指导演奏者如何将简单的音符放置在非预期的位置，从而创造出令人耳目一新的切分感。 3. 旋律构建的叙事结构： 每一个优秀的吉他独奏都应该像一个微型故事。我们介绍了一种“动机发展法”——选取一个短小的核心旋律动机，然后系统地对其进行节奏变化、音高转移、甚至音色处理的变形，最终形成一个完整、有逻辑的音乐叙事线索。 第四章：音色塑造——从单块效果器到数字模拟 声音的个性，是区分艺术家的重要因素。本章旨在帮助演奏者理解并掌控他们信号链中的每一个环节。 1. 效果器的“功能性”分类与应用： 本书将效果器分为四大类：动态控制（压缩/噪声门）、时值修饰（延迟/混响）、音色塑形（失真/过载/EQ）和调制效果（镶边/颤音）。我们详细解释了每种效果器的内部工作原理，并提供了“何时使用”的实用指南。例如，如何区分过载（Overdrive）的柔和激励与失真（Distortion）的硬饱和音墙。 2. 放大器的“脾气”与箱体模拟： 放大器不仅仅是音量的提升器。我们深入研究了“增益结构”（Gain Staging）——如何在效果器前级、后级以及放大器本身的通道之间分配增益，以达到最理想的动态响应。针对家庭练习环境，本章也提供了现代数字建模技术（Amp Modeling）的校准方法，确保数字信号能最大程度还原经典真空管机的复杂谐波特性。 3. 动态与空间感的融合： 混响（Reverb）和延迟（Delay）是构建演奏空间感的工具。我们指导读者如何根据演奏的风格（如摇滚的紧凑感，布鲁斯的广阔感）来选择合适的混响类型（板式、弹簧、厅堂），以及如何运用交错延迟（Dotted Delay）来创造出复杂的节奏层次。 本书的宗旨是提供一把通往精湛吉他技艺的钥匙，它不依附于任何特定的明星演奏家，而是致力于激发你自身的创造力和对音乐的深刻洞察力。拿起你的吉他，开始这段探索之旅吧。

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当我开始翻阅目录和前言的时候，那种“哇，这才是专业水准”的感觉就油然而生了。排版简直是教科书级别的清晰度，每一页的布局都经过了深思熟虑，完全不会让人在学习复杂乐句时感到视觉疲劳。要知道，很多出版的吉他谱，要么是字体小到需要老花镜，要么就是和弦图挤在一起，让人看了直犯迷糊，但这本完全没有这个问题。每一个音符、每一个指法标记都像是精心雕琢过一样，界限分明，即便是像我这种业余爱好者，也能迅速定位到演奏的关键点。更让我惊喜的是，它似乎不仅仅是简单地把录音扒下来，而是融入了对两位大师演奏风格的深刻理解。比如，在某些慢推弦的段落，它标注的揉弦幅度或者推弦的力度建议，简直比单纯的音符更有价值，让人感觉不是在“弹”音符，而是在“模仿”他们的呼吸和情感。这已经超越了普通的乐谱范畴，更像是一份由资深乐手撰写的、针对性的演奏指导手册，让人感觉自己仿佛真的坐在了录音棚里，偷师两位巨匠的独门秘籍。这种细致入微的处理，体现了出版方对音乐原著的极度尊重和对学习者的最大诚意。

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哇塞，这本书的封面设计简直是太抓眼球了！那种经典的黑白搭配，加上两位吉他大师的名字，就让人忍不住想立刻翻开看看里面到底藏着什么“宝藏”。我拿到手的时候，首先就被它沉甸甸的质感吸引住了，这绝对不是那种随便印印就出来的廉价乐谱集。光是拿在手里，都能感受到一股浓浓的致敬意味，仿佛在向所有热爱布鲁斯摇滚的乐迷宣告：这是硬货，是需要你认真对待的音乐圣经。我特别喜欢封面上那种略带复古的字体选择，既突出了B.B. King和Eric Clapton两位传奇的地位，又没有显得过于老气横秋，完美平衡了经典与现代感。而且，我注意到纸张的质量非常好，即便是经常翻阅和使用，也不容易出现折痕或者墨水晕染的问题，这一点对于需要经常在谱子上做标记的演奏者来说，简直是太贴心了。这封面，就好像是为那张传奇专辑量身定做的一张名片，简洁、有力，却蕴含了无尽的故事和音乐能量，每次看到它，都像是重新回到了那个音乐最纯粹、最动人的时刻，让人对内页的期望值瞬间拉满，深信不疑，这绝对是一次值得收藏的音乐体验的开端。

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说实话，我通常对“Guitar Recorded Versions”（吉他录音版本）的乐谱抱持着一半的期待和一半的警惕，因为太多时候它们只是机械地照搬旋律，却遗漏了那种让音乐“活起来”的灵魂。然而，这本书在这方面做得极其出色，它成功地捕捉到了B.B. King标志性的“颤音艺术”和Eric Clapton那种干净利落又不失蓝调味道的推弦技巧的精髓。我特意对照着原声专辑试奏了几段标志性的Riff，发现这本书在处理“空间感”和“休止符”方面，做得比我预想的要高明得多。很多乐谱会把所有能挤进来的音符都塞进去，结果弹出来干巴巴的，但这里的版本，却留出了恰到好处的呼吸空间，让你能感受到那种“Less is More”的布鲁斯哲学。对于我个人而言，学习吉他很多时候不只是为了技术上的精确，更是为了情感上的共鸣，而这份乐谱似乎理解这一点，它提供的不仅仅是“弹什么”，更多的是“怎么弹出那种味道”。这对于希望将自己的演奏从“准确”提升到“富有表现力”的进阶学习者来说，无疑是一笔巨大的财富，让人对每一次的练习都充满了期待。

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让我感到非常满意的一点是，这本书在细节处理上展现出的严谨性，几乎达到了学术研究的级别。我发现它在处理一些涉及到复杂和弦转换和即兴独奏段落时，没有采用那种一笔带过或者模糊处理的方式。相反，它非常耐心地用不同的记号来区分主旋律、伴奏织体以及客串吉他的部分，这对于理解整首歌曲的编曲层次结构非常有帮助。举个例子，在某些段落，B.B. King的吉他声部仿佛是背景中的叙述者，而Clapton则是前台的焦点，这本书的乐谱能够清晰地把这两条旋律线分离开来，让演奏者能够更好地把握何时“让位”，何时“抢戏”。这种对音乐层次的尊重和清晰的视觉呈现，极大地降低了学习多人合作乐曲的难度，使得即便是独自练习，也能在脑海中构建出完整的乐队画面。这体现了出版方对这张专辑音乐复杂性的深刻洞察，而不是简单地把它当作一张双人吉他独奏集来对待，这种对音乐整体性的考量，是很多同类出版物所欠缺的。

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总而言之，这本书远超出了我对于一本标准“吉他录音版本”乐谱的期望值，它更像是一份为吉他爱好者量身定制的深度解析指南。我特别欣赏它在不牺牲实用性的前提下，最大化了信息密度和清晰度。我可以用它来做扎实的技巧练习，也可以用它来深入研究两位大师如何将蓝调的根源与摇滚的能量完美融合。翻阅它，让我对“Riding with the King”这张专辑的理解又提升到了一个新的维度，不再只是停留在旋律的层面，而是开始触及到演奏背后的思维方式和情感逻辑。对于任何一个将B.B. King和Eric Clapton视为偶像，并希望在自己的指板上重现那种王者风范的乐手来说，这本书绝对是案头必备的工具书，它带来的价值，远远超过了其标价，因为它提供的，是通往更深层次音乐理解的钥匙。我毫不犹豫地推荐给所有认真对待吉他艺术的朋友们。

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一首《The Thrill is gone》老爷子和碧昂丝的妹妹合唱就是现场指导撩妹大全，和Eric Clapton一起就是带上吉他开着普利茅斯，去给这个江湖点颜色看看，因为音乐的世界就是这么五彩斑斓！

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