Reharmonization Techniques pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Berklee Press

作者:Randy Felts

出品人:

页数:190

译者:

出版时间:2002-09-01

价格:USD 29.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780634015854

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
• 和声再配置
• 和声学
• 音乐理论
• 爵士和声
• 流行音乐
• 作曲
• 编曲
• 音乐分析
• 和弦进行
• 音乐技巧

好的，这是一份不包含《Reharmonization Techniques》内容的图书简介，旨在详细介绍其他音乐理论或实践主题。 --- 图书名称：《和声进行与风格演变：从古典到现代的探索》 图书简介 本书旨在为音乐爱好者、学生以及专业人士提供一个深度探索和声学原理在不同音乐风格中演变历程的全面指南。我们聚焦于和声语言如何作为音乐叙事的核心工具，如何在历史长河中不断发展、被重新诠释，并最终塑造了我们今天所听到的丰富多样的音乐景观。 第一部分：古典主义与浪漫主义的和声基础 本书的开篇将追溯西方音乐传统中和声语言的根基。我们详细分析了巴赫、莫扎特和贝多芬等大师作品中的和声实践。这不是一本简单的“三和弦与七和弦”手册，而是着重于功能和声的内在逻辑。我们将深入探讨调性体系的建立、终止式的严格应用，以及如何通过和声的张力与释放来推动乐曲的结构发展。 调性语法的构建： 分析主、属、下属和弦的规范用法，以及它们如何构建起古典乐派的清晰、平衡的音乐框架。 模态色彩的引入： 探讨在古典晚期和浪漫主义早期，作曲家如何开始利用调式音阶和副属和弦（Secondary Dominants）来增加和声色彩的深度，同时又不完全脱离功能体系。 浪漫主义的和声扩张： 详细考察舒伯特、瓦格纳等人的创新。这一部分会关注不协和音的增加、远关系和弦的运用，以及半音阶的渗透如何打破了古典时期的严格规范，为后来的音乐发展埋下伏笔。特别会讨论瓦格纳主义对音乐叙事和情感表达的影响。 第二部分：20世纪的和声革命——打破既有框架 进入20世纪，音乐语汇迎来了前所未有的剧变。本书的第二部分将重点剖析音乐家们如何系统性地挑战和解构了传统的功能和声体系。 印象主义的和声色彩： 德彪西和拉威尔的作品是理解“色彩和声”的关键。我们不再仅仅关注和弦的功能，而是深入研究九和弦、十一和弦、十三和弦的使用，以及平行和弦进行（Planar Harmony）如何营造出一种漂浮、模糊的听觉感受。我们将解析全音阶和五声音阶在印象派和声织体中的作用。 表现主义与无调性探索： 勋伯格及其十二音体系的出现是音乐史上一个里程碑式的转折。本章将清晰地阐述“十二音序列的组织原则”，分析如何通过系统性的音高组织来替代传统的调性中心。我们也会探讨韦伯恩和贝尔格在这一领域的不同侧重，以及他们如何在这种全新的结构中寻求表达的张力。 新古典主义的回溯与重构： 斯特拉文斯基等人的作品显示了对古典形式的回归，但其和声语言却截然不同。我们将分析“对位法与不协和音的结合”，即如何在遵循传统结构的同时，运用尖锐、非功能性的和弦来制造冲突感。 第三部分：爵士乐的和声演变——即兴创作的驱动力 本书的下半部分将视野转向了美国音乐的瑰宝——爵士乐。爵士乐的和声发展不仅是音乐实践的创新，也是对早期欧洲和声体系的一种积极回应和再创造。 摇摆乐（Swing）时期的和声扩展： 探讨标准曲目（Standards）的和声基础。分析如何将传统的三、七和弦扩展为九、十一、十三和弦，以及这些延伸音如何成为即兴演奏的核心素材。我们将细致解析“ii-V-I”进行在不同调式和变奏中的应用。 比波普（Bebop）的密度与张力： 以帕克和格什温的作品为例，深入研究比波普时期如何通过更密集的和声替换（Chord Substitutions）和对属七和弦的复杂化（如增五、降九等变化）来提高即兴的难度和音乐的能量。 调式爵士（Modal Jazz）的解放： 重点分析迈尔斯·戴维斯和约翰·柯川在《Kind of Blue》之后对调式（如Dorian, Mixolydian）的依赖。这部分将对比功能和声与调式和声在即兴中的区别，解释为何调式爵士更侧重于横向的旋律展开而非纵向的和声推进。 第四部分：当代音乐与跨界融合 最后一部分将目光投向当代音乐实践，涵盖了从电影配乐到前卫音乐的广泛领域。 非功能性语汇的持续发展： 考察在后现代音乐中，和声是如何被简化、抽象化，或完全脱离传统功能性束缚的。讨论如何使用集群和弦（Cluster Chords）和无功能和声进行来创造特定的氛围或质感。 流行音乐的和声简化与再利用： 分析当代流行音乐（Pop/Rock）中和声的实用性和高效性。研究“循环和声模式”是如何在不同歌曲中不断被重新包装和使用，以及流行音乐中“功能和声的简化”如何服务于歌曲的记忆性和传唱度。 跨文化影响： 简要探讨非西方音乐传统（如印度拉格、非洲节奏）对现代和声实践的间接影响，以及这些影响如何体现在当代作曲家的和声选择中。 总结 本书力求提供一个连贯而深入的视角，展示和声语言并非僵死的规则集合，而是一门不断进化的艺术。通过对不同时期和风格和声实践的细致解剖，读者将能够更全面地理解音乐的“语法”是如何被构建、挑战，并最终被重塑的。本书适合所有渴望超越基础和弦知识，深入理解音乐作品深层结构和情感内涵的读者。

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这本书的阅读体验，非常像跟随一位耐心的导师进行深度辅导。我尤其欣赏它处理**模态替换和调式和声**的那一部分。在很多音乐理论书中，这部分往往被写得晦涩难懂，充满了各种希腊字母和复杂的音阶命名。然而，作者在这里采取了非常实用的“对比法”——将传统的自然大调/小调和弦进行，与引入了利底亚、弗里吉亚等调式色彩的和弦进行并列展示。这种直观的对比，极大地降低了理解门槛。我发现，一旦我能清晰地辨认出“什么和弦听起来像阳光明媚的利底亚调，什么听起来像忧郁的弗里吉亚调”，我就能更精确地控制我想要传达的情感基调。书中的排版设计也值得称赞，关键的和弦进行和解释被突出显示，阅读起来非常流畅，不会因为信息过载而感到疲惫。对于我们这些依赖听觉和实践来学习的音乐人来说，这种“理论为实践服务”的编写宗旨，才是最宝贵的。它让我明白了，重构和声的最终目的，永远是为旋律和情感服务的，技巧本身是手段，而非目的。

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这本书的视角非常独特，它不仅仅关注“如何替换和弦”，更深入探讨了**“如何思考和弦”**。我最欣赏的是作者对于“节奏与和声互动”的分析。在很多和声书中，和声常被视为静态的结构，但这本书强调了和声色彩如何通过节奏切分和强弱变化来被重新诠释。例如，书中解析了如何通过对重构和弦的**切分重音处理**，来创造出更具驱动力的律动感，这对于演奏者，尤其是键盘手和吉他手来说，是至关重要的洞察。此外，作者在全书中贯穿了一个核心理念：即任何“不和谐”的声音，如果被恰当地置于上下文之中，都可能成为下一段和谐的铺垫。这种对音乐张力的哲学性思考，让这本书的层次远超一般的技术手册。它鼓励我打破对传统和声的固有偏见，去拥抱那些看似“错误”但实际充满生命力的声音组合。总而言之，这是一本能让你在技术层面达到精湛，在艺术层面获得启发的佳作。

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哇，刚翻完这本《和声重构的奥秘》，感觉我的音乐视野一下子开阔了太多！这本书简直是为那些已经掌握了基础和声，却总觉得自己的音乐听起来“平淡无奇”的乐手量身定做的宝典。作者没有过多纠结于那些枯燥的和声学理论推导，而是直接将我们拉入了实战的演练场。我特别喜欢它对“色彩和声”的讲解，那种从五度圈出发，巧妙引入变化音、副属和弦的运用，读起来简直是一种享受。书中大量的范例，无论是爵士标准曲的和弦进行，还是古典和声的现代化改编，都配上了清晰的指法和演奏建议，让人恨不得马上抱起乐器去尝试。特别是关于**三全音替代**和**和声的层叠推进**那一章，作者的处理方式极其细腻，不仅告诉你“怎么做”，更深入剖析了“为什么这样做听起来更高级”。对于想在即兴演奏中增加深度，或者在编曲时让旋律不再受限于老套的和声框架的朋友来说，这本书绝对是能让你少走十年弯路的捷径。它的讲解流畅自然，完全没有那种教科书的刻板感，更像是一位经验丰富的前辈在你耳边耳提面命，把那些“不传之秘”和盘托出。我个人认为，这本书的价值远超其定价，强烈推荐给所有对音乐色彩有极致追求的音乐人！

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我必须承认，刚开始拿起《Reharmonization Techniques》时，我对书名中的“Reharmonization”抱有一种敬畏之心，总觉得这是大师级的领域。然而，阅读过程却出乎意料的平易近人，这要归功于作者极其细腻的“渐进式难度提升”策略。它从最基础的**二级-五级-一级（ii-V-I）的和弦替换**开始，引入了基础的属七和弦色彩变化，然后逐步过渡到更复杂的**借用和弦（Modal Interchange）**和**多调性暗示**。这使得即便是对爵士和声有一定了解的初学者，也能找到切入点，而不是一上来就被高深的理论吓退。我个人特别关注了书中关于**解决（Resolution）的艺术**这一节，作者详细探讨了如何打破常规的 V-I 解决方式，引入延迟解决、半音导向解决等手法，极大地丰富了音乐的张力与释放。这本书的价值在于，它提供了一个清晰的路线图，让你知道每一步练习的结果会如何影响最终的听感，避免了盲目尝试带来的挫败感。对于想要系统性提升和声处理能力的严肃学习者而言，这是本不可多得的实操指南。

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坦白说，我一开始对这类技术性很强的音乐书籍是抱有疑虑的，总觉得它们不是过于理论化就是过于零散，《Reharmonization Techniques》却成功地找到了一个绝妙的平衡点。这本书的结构安排得非常巧妙，它不像是一本堆砌技巧的工具书，更像是一部循序渐进的“心法”秘籍。它没有强迫读者去记忆大量的和弦名称，而是注重培养对**功能性和声的敏感度**。比如说，书中对“代理和弦”和“和弦外音”的解释，不是简单地罗列规则，而是通过一系列精心设计的听力练习和演奏片段，让你在不知不觉中建立起一种“听感直觉”。我记得有一次我尝试用书中的“色彩拓展”技巧去处理一段我个人创作的A小调旋律，结果听起来立马就有了电影配乐般的史诗感，那种震撼是文字难以形容的。如果说有什么可以改进的地方，或许是希望书中能增加更多关于**不同风格（如融合爵士、新灵魂乐）下，特定重构技巧的适用性分析**，但即便如此，这本书的启发性也已足够强大。它教会我的不仅仅是技巧，更是一种看待和声的全新视角——即和声是流动的、可塑的雕塑材料。

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目前看了两章 不需要太多基础就可以看懂

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