具体描述
This is a work on 175 operas by 63 different composers. The selected operas are those most frequently encountered in opera houses or on recordings. Each entry will set the opera within the context of its composer's career, outline the plot, discuss the music and give relevant background information on the provenance of the libretto, for example. Details of the first performance, and subsequent performance history will be given, as well as guidance on the relative quality of available recordings. The Yale Companion to Opera targets the regular opera-goer and the committed newcomer, rather than the academic specialist or the oneoff attender. It is not an encyclopaedia, covering every known opera, but only those with a realistic chance of public performance. It is equally concerned with the music, the plot, the libretto and the staging, and seeks to enhance the appreciation of the intelligent opera-goer.
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读后感
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用户评价
说实话，我本来以为这会是一本偏向欧洲大陆内部读者的专业书籍，因为标题听起来就略显“精英化”。然而，出乎意料的是，它的语言风格极其平易近人，几乎没有晦涩的专业术语不加解释地出现。即使是对那些初次接触歌剧理论的人来说，也能轻松跟上作者的思路。我特别欣赏书中对“美学趣味的变迁”这一主题的处理。例如，它对比了十九世纪中期观众对夸张情感宣泄的偏好，与二十世纪初对心理深度挖掘的需求是如何影响了作曲家选择的题材和配器。这种跨越时空的对比，让人清晰地看到艺术是如何紧密依附于其所处的时代精神。我发现自己常常在阅读时会停下来，去想象书中描述的那些场景：剧院里的空气、观众的反应、灯光投射在舞者身上的效果。这本书的价值不在于教你如何演奏或指挥，而在于它极大地丰富了你作为一个听众的“想象力资源库”。它让你明白，每一次的歌剧演出，都是历史、音乐、戏剧和视觉艺术的一次复杂而迷人的交汇。
评分这本书的价值，远超出了它所承诺的“伴侣”角色。我更愿意把它看作一本歌剧的“哲学导论”。我曾被歌剧的宏大场面和复杂情节所压倒，总觉得难以抓住其精髓。这本书却有一种奇妙的能力，能将那些看似庞杂的元素，拆解成可以理解和消化的组成部分。它花了大量篇幅探讨“声音”本身在歌剧中扮演的角色——不仅是叙事的工具，更是情感的载体和符号。作者对花腔女高音的技巧要求、男中音的戏剧张力，以及合唱团在渲染气氛时的功能，都有着非常细致的描摹，但这些描述并非干巴巴的技术说明，而是紧密结合着特定的剧目和历史时期来阐述的。例如，书中对十九世纪中后期，男高音如何从“英雄形象”逐渐过渡到“悲剧受难者”的分析，让我对里戈莱托和卡伐拉多西这样的角色有了全新的共情点。这是一本需要反复阅读的书籍，每次重温，都会在不同的心境下，开启对歌剧艺术新的领悟之门，每次合上书本，都感觉自己的歌剧世界被拓宽了不止一个维度。
评分这本书简直是为我量身定做的！我一直沉浸在歌剧的世界里，但总觉得缺少一本能全面、深入地引导我欣赏这部宏伟艺术的“向导”。我翻阅了许多歌剧史和剧目解析，但大多要么过于学术化，让人望而却步，要么就是流于表面，只能满足初级的好奇心。而这本书的出现，彻底改变了我的阅读体验。它的文字不仅仅是信息的堆砌，更像是一位经验老到的剧院经理，带着你穿梭于各个时期的歌剧院，娓娓道来那些隐藏在华丽幕布背后的故事。从蒙特威尔第的早期探索，到莫扎特的完美平衡，再到瓦格纳的宏大叙事革命，作者的叙述流畅自然，既有对音乐结构的精准把握，又不失对时代背景和社会影响的深刻洞察。我尤其欣赏它对于“如何听”的指导，它没有直接给出标准答案，而是引导读者去关注管弦乐队的织体变化、声乐家的呼吸控制，以及布景灯光如何烘托情绪。读完第一部分，我立刻带着全新的视角去重温了《弄臣》，那些原本模糊的戏剧冲突点，忽然间变得清晰锐利，仿佛我终于拿到了那副能看透歌剧灵魂的“透镜”。这绝不是一本可以快速翻阅的书，它需要你停下来，去感受每一个章节所蕴含的重量和深度。
评分天呐，我简直不敢相信自己竟然错过了这么一本宝藏！我通常对这种“伴侣”或“指南”类的书籍抱持怀疑态度，总觉得它们会把复杂的艺术简化成一堆易懂但空洞的要点。然而，这本书完全颠覆了我的看法。它的叙事节奏把握得极好，时而如同热情的导游，在你耳边介绍某个著名咏叹调背后的八卦和秘闻；时而又化身为严谨的学者，剖析特定流派（比如意大利美声学派或德意志浪漫主义）在和声与对位上的核心区别。我特别喜欢它在处理不同作曲家作品时的“视角切换”。比如，它谈论普契尼时，那种对人性痛苦和细腻情感的捕捉，与它分析别尔第时那种对戏剧冲突和宏大场面的侧重，形成了鲜明的对比，这让我意识到，歌剧的魅力绝不仅仅在于“高音很美”，而在于其表现人类情感的无限可能性。这本书的排版设计也深得我心，大量的插图和乐谱片段虽然没有被详细提及，但其在视觉上提供的线索，极大地辅助了文字的阐释。它成功地搭建起了一座桥梁，连接了那些只听过几首名曲的门外汉和渴望深入的资深爱好者。
评分如果你像我一样，是那种喜欢刨根问底，对“为什么”比“是什么”更感兴趣的听众，那么这本书绝对是你的圣经。我读了很多关于特定歌剧制作的幕后花絮，但很少有书籍能如此系统地追溯歌剧艺术自身的演变脉络。作者对于“流派之争”的描述尤其精彩，比如对“新意大利歌剧”与传统“美声”之间的张力分析，写得鞭辟入里，让你理解了为什么某些作品在当时的听众中会引起如此大的争议。最让我震撼的是关于“威尔第的后期革新”那一部分，作者没有停留在分析《奥赛罗》的音乐技巧层面，而是深入探讨了他是如何回应瓦格纳的挑战，并最终找到了属于意大利歌剧的、更加现代化的表达方式。这本书的结构安排非常巧妙，它不按时间线性推进，而是以主题和地域为纲，这迫使我必须不断地在不同的历史片段中跳转思考，从而构建出更加立体的知识网络。它不喂给你现成的结论，而是提供了一整套分析框架，鼓励你带着批判性思维去面对每一次的聆听体验。
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