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出版者:Prentice Hall

作者:Straus, Joseph N.

出品人:

页数:480

译者:

出版时间:2007-6

价格:$ 111.64

装帧:Pap

isbn号码:9780131584150

丛书系列:

图书标签:

• 音乐理论
• 音乐基础
• 音乐元素
• 音乐分析
• 音乐教育
• 音乐学习
• 作曲
• 和声
• 节奏
• 旋律

音乐之源：探寻西方古典音乐的结构与灵魂 图书简介 本书旨在为音乐爱好者、专业学生以及对音乐理论抱有好奇心的读者，提供一套系统、深入且易于理解的西方古典音乐理论入门与进阶指南。我们深知，要真正领略古典音乐的博大精深，必须掌握其背后的语言和规则。《音乐之源：探寻西方古典音乐的结构与灵魂》并非简单的乐理堆砌，而是一次引导读者走进音乐家思维殿堂的旅程。 本书将从最基础的元素入手，逐步构建起一座坚实的音乐理解大厦。我们摒弃了枯燥的学术腔调，力求以生动、直观的方式，剖析音乐如何通过时间和空间的组织，最终触动人心。 第一部分：音的宇宙——构建音乐的基础砖石 本部分将全面解析构成音乐的音高、音色和节奏这三大基本要素。 一、音高与调性系统： 我们将详细探讨音程（Intervals）的性质与功能，从最简单的二度到复杂的八度，解释它们如何共同塑造旋律的张力与和声的色彩。重点解析西方音乐自巴洛克时期确立的十二平均律体系，以及大小调（Major and Minor）的内在情感逻辑。通过实例分析，读者将理解为什么C大调听起来明亮，而a小调则常带有一丝忧郁。我们将深入研究调式（Modes）的复兴及其在浪漫主义和印象派音乐中的应用，拓宽对“调性”的理解边界。 二、节奏的脉搏与结构： 节奏是音乐的生命线。本书将区分节拍（Meter）与节奏（Rhythm）的概念，阐释拍号（Time Signatures）如何决定音乐的呼吸和律动。我们将分析复节奏（Polyrhythms）和交叉拍（Cross-rhythms）在不同时期音乐中的运用，尤其关注斯特拉文斯基等现代作曲家如何打破传统节拍的束缚。乐句（Phrase）的构建、周期性和不对称性，都将通过具体的乐谱片段进行剖析，帮助读者“听见”节奏背后的结构意图。 三、音色与织体： 音色，即我们常说的“音质”，是赋予音乐独特个性的关键。本部分将探讨声学原理如何影响我们对不同乐器的感知，并重点分析配器法（Orchestration）的历史演变。从巴赫时期对弦乐与数字低音的依赖，到莫扎特对木管乐器色彩的精妙运用，再到马勒和理查·施特劳斯对管弦乐队的极端扩张，读者将了解到作曲家如何利用音色变化来表达复杂的情感层次。此外，我们还将详细区分单音音乐（Monophony）、主调音乐（Homophony）和复调音乐（Polyphony）这三种核心的织体类型，并以巴赫的赋格曲和帕莱斯特里那的经文歌作为经典范例进行解析。 第二部分：和声的逻辑——垂直的关联与张力 和声是西方音乐的灵魂所在，它决定了音乐进行时的“味道”。本部分将系统梳理和声学的发展脉络。 一、功能和声学（Functional Harmony）： 我们将从三和弦（Triads）开始，系统讲解主、属、下属功能的相互作用。这不仅仅是关于和弦的排列，更是关于音乐在“稳定”（Tonic）与“紧张”（Dominant）之间不断回归与偏离的戏剧性过程。读者将学习如何分析和弦的导向性（Tendency），以及如何识别和构造七和弦及其转位带来的丰富色彩。 二、和声的延伸与变化： 随着音乐语汇的拓展，作曲家们开始挑战传统功能和声的界限。本章将深入探讨借用和弦（Borrowed Chords）、副属和弦（Secondary Dominants）、以及三全音音阶（Tritone Substitutions）在爵士乐和后浪漫主义音乐中的作用。我们将分析德彪西如何使用挂留和弦（Suspensions）和平行和弦来模糊调性中心，创造出“漂浮”的听感。 三、无调性与十二音体系： 面对瓦格纳晚期和声的极限，勋伯格等先驱者开辟了新的道路。本部分将清晰解释无调性（Atonality）的概念，并详尽阐述十二音序列技法（Twelve-Tone Technique）的运作规则，包括对原始序列的逆行、倒影和逆行倒影的运用。这部分旨在揭示在“打破规则”的背后，所隐藏的严格的逻辑结构。 第三部分：形式的骨架——组织音乐的时间结构 音乐的宏大叙事需要清晰的形式来支撑。本部分聚焦于如何将乐思组织成长篇巨制。 一、小型曲式分析： 我们从最基本的二部曲式（Binary Form）和三部曲式（Ternary Form, ABA）入手，解析其在巴洛克舞曲和奏鸣曲快板第一乐章呈示部前的基础地位。特别是主奏曲式（Sonata Form），我们将逐一剖析其呈示部、展开部和再现部的结构性要求与创作自由，并分析海顿、莫扎特、贝多芬在这一形式上的关键贡献与个性化处理。 二、大型器乐套曲与交响乐： 读者将学习奏鸣曲（Sonata）、协奏曲（Concerto）与交响曲（Symphony）的典范结构。我们将分析奏鸣曲式在不同乐章中的变体应用，例如慢板乐章通常采用的三部曲式或主题与变奏曲式，以及回旋曲式（Rondo Form）的特点。通过对比不同历史时期（如古典主义的清晰对称与浪漫主义的有机发展）的交响曲实例，读者能够识别出形式背后的时代精神。 三、变奏与赋格： 变奏曲（Theme and Variations）是展示作曲家创造力的绝佳舞台，我们将研究如何从旋律、和声、节奏和织体等多个维度对一个核心主题进行改造。而赋格（Fugue）作为复调音乐的巅峰，我们将详细解析其呈示部（Exposition）、中间部和结束部的结构，理解“主题”（Subject）与“应答”（Answer）的对位技巧，以及如何通过“插入句”（Episodes）来维持结构的连贯性。 第四部分：音乐的时代风貌——从巴洛克到现代的演进 本书的最终目标是提供一个历史的纵深感。我们不再孤立地看待理论知识，而是将其放置于历史背景之中。 本书将通过分析特定时期的代表性作品和作曲家，串联起理论在实践中的应用： 巴洛克时期： 强调数字低音、对位法与情感的“固定”（Affektenlehre）。 古典主义时期： 结构清晰性、旋律的平衡与奏鸣曲式的确立。 浪漫主义时期： 和声的拓展、主观情感的表达与大型管弦乐的运用。 20世纪至今： 民族乐派的借鉴、印象主义的音色探索、序列主义的理性构建，以及对电子音乐和非西方元素的吸收。 通过这本书，我们希望读者不仅能“听懂”古典音乐，更能“阅读”音乐，发现隐藏在音符背后的精妙设计与人类情感的永恒表达。本书的结构旨在确保理论知识的严谨性与学习过程的流畅性相结合，是您通往深刻音乐理解的必备阶梯。

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我本意是想找一本能够帮我梳理清晰西方音乐史脉络的工具书，特别是对于浪漫主义晚期到印象派的过渡时期，我总觉得自己的理解停留在表面。我关注这本书是否能提供更细致的社会背景对音乐风格变迁的影响分析，比如瓦格纳的乐剧理念是如何一步步瓦解传统调性框架的，或者德彪西在色彩和音响上是如何借鉴印象派绘画的技法的。然而，这本书给我的感觉就像是走进了一个堆满了各种乐器零件的仓库，所有的工具都在那里，但没有组装说明书。它提到了许多作曲家的名字，列举了他们的一些作品，但对于这些作品背后的创作哲学，以及它们在音乐发展史上的确切位置，描述得非常单薄。我想要了解的是那种“为什么”和“如何”的问题，而不是简单的“是什么”。例如，如果它能深入探讨一下调式在不同时期的功能转换，或者详细分析奏鸣曲式在贝多芬和勃拉姆斯手中展现出的细微差异，那才算得上是真正的“元素”的探讨。现在看来，它更像是一份未完成的音乐词典的草稿，缺乏深入研究的骨架支撑。

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我对这本书的语言风格感到非常困惑，它似乎试图在学术的严谨性和日常的易懂性之间找到一个平衡点，结果却是两头落空。有些段落用词极其晦涩，仿佛直接从一篇晦涩的德语哲学论文翻译过来，充满了冗长复杂的从句，让人需要反复阅读才能抓住核心意思；而另一些地方，作者又突然使用极其口语化的表达，使得整本书的语调显得极不稳定，缺乏一种专业的权威感。我希望阅读一本在论述复杂概念时，能够保持清晰、简洁、且富有逻辑的行文风格，像一位耐心的导师，循序渐进地引导我。这本书的叙事节奏也极不均匀，有时对一个次要的理论点会花费大量的篇幅进行详尽的阐述，而对于更基础、更重要的概念却一笔带过。例如，它对某些特定和弦的理论来源进行了近乎百科全书式的追溯，但对于如何用耳朵去识别这些和弦在听觉上的具体效果，却几乎没有提供任何感性的描述或练习指导。这种不平衡的侧重点，让读者很难建立起一个稳固的知识体系框架，读完之后，脑海里留下的更多是零散的知识点，而不是一个完整的认知结构。

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作为一名对音乐制作有些兴趣的业余爱好者，我特别希望这本书能提供一些关于配器法和音色设计的实用见解，比如木管乐器在不同音区的情感暗示，或者打击乐在营造紧张氛围中的运用技巧。我期望看到一些具体的范例分析，展示不同乐器组合如何创造出独特的听觉景观。然而，这本书的内容似乎完全沉浸在纯理论的象牙塔中，对于声音的物质性和实践性应用几乎没有提及。我甚至没有找到关于管弦乐队编制演变、或者不同录音技术对音乐感知影响的哪怕一页内容。它似乎将音乐视为一种纯粹的抽象结构，忽略了它作为一种听觉艺术的物理基础。如果一本名为“元素”的书，连如何有效利用声音的“元素”都不去探讨，那它的覆盖面就显得过于狭隘了。我期待的不是理论的堆砌，而是理论如何指导实践，如何帮助我更好地理解和创造声音的层次感和深度。这本书在这方面提供的帮助微乎其微，让人感到一种深深的智力上的饥渴。

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我最近在尝试学习如何分析莫扎特钢琴协奏曲的结构，特别是他对乐队与独奏乐器之间对话的处理方式。我希望这本书能提供一些古典主义时期协奏曲的典范分析，展示主题呈示部、展开部和再现部中，独奏与乐队是如何进行复杂的交互作用和对比的。理想情况下，我希望看到对曲式进行图解式的拆解，让复杂的段落划分一目了然。可惜的是，这本书对曲式结构的探讨似乎停留在非常基础的教科书层面，仅仅是给出了一个名称——比如“奏鸣曲式”——然后就戛然而止，没有进一步的深度剖析。它对“元素”的理解似乎非常静态和教条化，没有展现出音乐是如何在时间维度上流动和发展的。我总觉得音乐分析的关键在于理解“变化”和“关系”，但这本书提供的更多是孤立的概念集合。如果它能提供一些关于配器法在协奏曲中如何服务于主题发展的具体案例，或者分析一下卡登扎在作品整体结构中的功能性意义，那对我的帮助将是巨大的。目前看来，它更像是一份目录，而不是一本深入的指南。

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这本号称“音乐元素”的著作，实在让人摸不着头脑，它似乎将所有关于音乐的知识点都揉杂在了一起，却又缺乏一个清晰的脉络去引导读者。我期待着能从这本书中学到一些系统性的乐理知识，比如和声进行的基本规律，或者对复调音乐结构更深入的理解。然而，我翻阅了许久，看到的却是一些零散的片段，一会儿谈到巴赫的赋格，一会儿又跳跃到二十世纪的十二音体系，中间的过渡生硬得像是强行拼凑的剪报。更令人不解的是，书中对具体概念的解释常常含糊不清，仿佛作者默认读者已经具备了相当的背景知识，这对于一个初学者来说简直是灾难。我试图在其中找到关于节奏型态演变的清晰图表，或是关于调性色彩变化的详细分析，但这些核心内容仿佛被刻意回避了。这本书与其说是“元素”，不如说是一堆未经提炼的矿石，需要读者自己去耗费巨大的精力才能从中筛选出有价值的部分，这对于时间宝贵的学习者来说，无疑是一种消耗。我希望能找到一本能把复杂的音乐理论讲得像搭积木一样直观易懂的书，而不是这样一本充满晦涩术语和跳跃性思维的“元素集”。

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