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出版者:Univ of Michigan Pr

作者:Auslander, Philip

出品人:

页数:264

译者:

出版时间:2006-2

价格:$ 84.75

装帧:HRD

isbn号码:9780472098682

丛书系列:

图书标签:

• Glam Rock
• Performance Studies
• Music Performance
• Popular Music
• Gender Studies
• Queer Studies
• Cultural Studies
• History of Rock
• Stagecraft
• Visual Culture

瑰丽的时代回响：摇滚乐中的视觉革命与社会变迁 图书名称：《霓虹幻影：摇滚乐中的权力、性别与身份构建》 图书简介 本书深入剖析了自20世纪60年代末至80年代初，摇滚乐场域中一场深刻的视觉与文化革命。我们不再仅仅聚焦于音符的组合或歌词的叙事，而是将目光投向那些在舞台上具象化、甚至超越音乐本身的力量——服装、妆容、舞台布景以及表演的肢体语言。本书旨在揭示，在这些看似浮华的表象之下，隐藏着对既有社会结构、性别规范以及权力分配的激烈挑战与重塑。 第一章：超越音符的宣言——视觉文化在摇滚乐中的崛起 本章首先界定了“视觉摇滚”的核心概念，将其视为对传统音乐精英主义和严肃艺术的叛逆。早期的摇滚乐（如蓝调根源的摇滚）强调真实性（Authenticity）和朴素的形象，而随着文化资本的积累，新一代音乐家开始意识到，舞台不再仅仅是演奏的场所，更是一个精心设计的意识形态剧场。 我们考察了早期视觉艺术对摇滚乐的影响，从波普艺术（Pop Art）对大众符号的挪用，到迷幻艺术（Psychedelic Art）对感官体验的夸张描绘。重点分析了如何通过色彩饱和度的提高、服装材料的突破（如使用PVC、乳胶和金属饰品），来制造一种与日常审美相悖的“异化”美学。这种美学选择，本质上是对消费主义主流的模仿与颠覆的复杂过程。 第二章：性别的迷宫——对二元对立的解构与重塑 本章是全书的核心论点之一，聚焦于摇滚乐如何成为性别表达的“无害战场”。在传统父权社会中，男性气质被定义为坚固、不可侵犯且情感内敛。然而，在摇滚乐的舞台上，这种定义遭受了前所未有的冲击。 我们将深入分析“雌雄同体化”（Androgyny）现象在不同流派中的体现。它不仅仅是视觉上的模糊，更是一种对“真我”与“表演自我”之间张力的哲学探索。我们仔细梳理了那些大胆采用女性化服饰（如紧身裤、蕾丝、夸张的眼妆）的男性音乐家，探讨其动机：是寻求视觉冲击，还是确实在表达一种跨越生理性别的自我认知？ 对比研究了女性音乐家如何利用舞台形象来夺回对自身身体的叙事权。例如，一些女性艺术家拒绝了主流媒体对她们的“甜美”或“性感”的单一刻画，转而采用更具侵略性、甚至被视为“男性化”的装扮，以此来抗议音乐产业对女性艺术家的双重标准。本章强调，这种视觉策略是女性主体性在公共空间中争取话语权的直接体现。 第三章：权力转移的符号——阶级鸿沟与精英主义的颠覆 摇滚乐从底层车库的噪音，发展成为全球性的文化现象，其视觉语言也同步反映了社会阶层的流动与冲突。本章探讨了摇滚明星如何利用其舞台形象来构建一种“反精英”的身份，即使他们自己已经成为了文化上的新贵族。 我们考察了特定服饰材料（如破洞牛仔、廉价的塑料配饰）在舞台上的象征意义。这些元素模仿了工人阶级的物质困境，却被赋予了昂贵的、高度风格化的标签。这种“廉价的奢华”或“风格化的贫困”构成了对传统“高雅艺术”品味的嘲讽。 此外，本书还分析了专辑封面和巡演宣传材料中的符号学。例如，对废墟、工业景观和反乌托邦主题的偏爱，实际上是对战后社会秩序稳定性的质疑。音乐家通过视觉，邀请观众一起进入一个被主流意识形态所排斥的“阴影领域”，从而间接表达了对既有政治经济结构的疏离与不满。 第四章：全球回响与地方性表达——文化挪用与身份的再编码 进入70年代后期，随着全球化的推进，摇滚乐的视觉模式开始与不同地域的文化元素发生碰撞。本章关注文化挪用（Cultural Appropriation）与文化交流（Cultural Exchange）之间的微妙界限。 我们研究了某些乐队如何借鉴非西方传统服饰、宗教符号或本土民间艺术的元素，并将其融入到高度商业化的舞台形象中。这种做法带来了巨大的争议：它究竟是拓宽了摇滚乐的文化视野，还是仅仅将其简化为一种异国情调的装饰品？ 本章对比了在不同国家，同一视觉风格如何被地方化的解读和接受。例如，一种源自伦敦的朋克发型，在东京可能被赋予了对严格教育体系的抵抗意义；而在柏林，则可能被解读为对冷战后身份认同的迷惘。这种地方性的再编码，显示了视觉符号在跨文化传播中的动态适应性。 第五章：音乐的终结与永恒的表演——从舞台到档案 最后，本书探讨了这些视觉革命的持久影响。当原始的音乐场景消退，其留下的视觉遗产如何被后世的商业文化所吸收、稀释，甚至被“净化”？ 我们分析了80年代主流流行音乐如何系统性地吸收并中和了60年代末和70年代的视觉激进主义。例如，曾经被视为对性别的挑战的华丽妆容，被MTV和商业电台包装成一种无害的、可供大众模仿的“时尚”元素。 本书的结论在于，摇滚乐的视觉革命，虽然在当时是对体制的直接反抗，但其最终的命运常常是被纳入到资本主义的循环之中。然而，正是这些短暂、激烈、充满矛盾的视觉时刻，为后来的艺术形式（如电子音乐、现代时尚以及数字媒体中的身份探索）提供了最丰富、最富争议性的文化语料库。通过对这些“霓虹幻影”的细致考察，我们得以理解，在流行文化的喧嚣之下，个体如何通过精心设计的身体，参与到宏大的社会对话之中。 核心主题： 视觉符号学、性别理论、文化研究、权力结构、身份政治。 目标读者： 艺术史、文化研究、社会学、音乐学及时尚研究领域的学者、学生及对20世纪下半叶文化变迁感兴趣的普通读者。

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这本书最让我感到沮丧的是，它对于某些关键人物的论述显得过于单薄和表面化了。虽然它覆盖了几乎所有重要的乐队和标志性人物，但当我期待能够深入挖掘他们创作理念的转变，或者乐队内部权力斗争的细节时，作者似乎很快就跳到了下一个华丽的舞台造型分析。比如，对于某位标志性主唱的性格分析，全书都在描述他的舞台魅力和私生活传闻，却很少触及他创作思路的哲学基础，那部分内容读起来像是对八卦小报的引用集合，缺乏严肃的文学或音乐批评应有的穿透力。我希望作者能花更多篇幅去剖析那些里程碑式的专辑是如何诞生的，他们的音乐是如何打破传统的和声结构，而不是仅仅停留在“他们看起来很棒”的层面。因此，作为一本全面的历史记录，它合格了；但作为一本深入的音乐研究，它明显力不从心，留下了太多值得深挖的空白。

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这本书真是一部令人心潮澎湃的视觉盛宴！我简直不敢相信作者是如何捕捉到那个年代的每一个闪光瞬间的。从舞台上的烟雾缭绕，到吉他手夸张的肢体动作，再到那些华丽到令人目眩的服装，每一个细节都被刻画得入木三分。我仿佛能听到那些震耳欲聋的吉他Riff声，感受到现场观众疯狂的呐喊。这本书不仅仅是在讲述历史，更像是在重现一场场盛大的摇滚嘉年华。那些关于幕后故事的描述尤其引人入胜，揭示了那些光环背后不为人知的辛酸与坚持，让这场“浮华”显得更加真实和有血有肉。装帧设计本身就充满了那个时代的风格，厚重的纸张，闪烁的字体，光是翻阅的过程就是一种享受。对于任何一个曾经为之疯狂，或者只是对那个年代的叛逆精神感到好奇的人来说，这本书都是一份不可多得的珍藏。它成功地将那种“不羁”和“自我表达”的极致状态，用一种近乎史诗般的方式记录了下来，让人在合上书页后，心中依然回荡着未散的激情。

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老实说，我原本以为这会是一本比较肤浅的、只关注华丽外表的图册，但很快我就被它深刻的社会文化洞察力所折服了。作者显然对七十年代中后期的社会思潮有着非常深入的研究，他不仅仅是在罗列乐队和歌曲，更是在探讨“魅力摇滚”作为一种对传统男性气质的反叛，以及它如何契合了当时社会对性别界限模糊化的渴望。这本书的论述非常严谨，引用了大量的当时的报纸评论、音乐杂志的深度访谈，甚至包括一些学术性的文化分析视角。阅读过程中，我多次停下来思考，原来那些看似荒谬的妆容和服装，背后承载了如此沉重的文化符号和时代意义。这种将流行文化提升到社会学高度的写作手法，让这本书的价值远超一般的回忆录。它提供了一个绝佳的框架，去理解为什么这种风格会在那么短的时间内爆炸性地流行，又为何会迅速衰退。对于想深入了解流行文化运动根源的读者来说，这本书无疑提供了坚实的理论基础。

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我必须承认，这本书的排版和图片选择简直是灾难性的——但这种“灾难性”恰恰是它最迷人的一部分。它完全没有现代书籍那种一丝不苟的数字清晰度，反而保留了大量那种老式、略带颗粒感的胶片照片质感。某些彩页的印刷颜色似乎有些失真，但这种“失真”反而完美地模拟了当年演唱会现场灯光下的那种迷幻、不稳定的视觉效果。更让我抓狂的是，很多照片的留白和布局看起来像是随便拼贴上去的，缺乏现代设计的美感，但正是这种粗粝感，体现了那个“DIY”精神主导的年代的草根气质。对于一个追求完美视觉体验的读者来说，这可能会是扣分项，但对我而言，这种不完美恰恰是真实感的来源。它让我感觉自己不是在看一本被精心美化过的历史回顾，而是在翻阅某个资深乐迷多年来四处收集、小心翼翼珍藏的私人剪贴簿。

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阅读这本书的过程，与其说是在学习历史，不如说是一种纯粹的感官唤醒体验。作者的文字充满了节奏感，读起来就像听着一首编排复杂的交响乐，时而激昂，时而低沉，充满了戏剧性的张力。他用一种非常个人化的、近乎诗意的散文笔调来描述那些瞬间，例如描述灯光如何撕裂黑暗，或者丝绒和亮片在汗水浸润下闪烁的质感，都让人忍不住想象。这本书的叙事结构非常线性，就像一部正在进行中的电影，让你完全沉浸在时间流中，几乎无法抽离。我特别喜欢其中穿插的几段关于“告别”的章节，作者对这种风格最终退潮时的那种复杂情绪——既有不舍，也有对新方向的期待——描绘得极其到位，充满了宿命感。这本书成功地捕捉了“昙花一现”的美学精髓，它让你理解，有些极致的美丽注定无法长久，而这份短暂，正是它永恒价值的来源。

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