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出版者:Hal Leonard Corp

作者:Roth, David Lee (CRT)

出品人:

页数:109

译者:

出版时间:2006-12

价格:$ 28.19

装帧:Pap

isbn号码:9780634079719

丛书系列:

图书标签:

• David Lee Roth
• Van Halen
• Rock Music
• Heavy Metal
• 1980s
• Music Biography
• Autobiography
• Singer-Songwriter
• Concert Tours
• Music History

摇滚乐坛的独行侠：范·海伦时代的幕后与台前 一卷关于狂野、天赋与时代更迭的史诗 本书并非聚焦于任何一位特定艺术家的个人精选集，而是深入剖析了上世纪七八十年代美国硬摇滚和早期金属乐坛最富争议性、最具影响力的乐队之一——范·海伦（Van Halen）的兴衰沉浮。我们试图通过详实的史料、未曾公开的访谈记录以及音乐评论家的尖锐分析，重构那个充满电吉他轰鸣、无休止的派对文化以及音乐风格剧烈碰撞的黄金时代。 第一部分：加州阳光下的原始冲动——乐队的诞生与早期探索 故事要从帕萨迪纳的街头开始，讲述爱德华·范·海伦（Eddie Van Halen）和亚历克斯·范·海伦（Alex Van Halen）兄弟如何将他们的音乐热情，从模糊的翻唱乐队，逐渐凝聚成一种具有革命性潜力的力量。我们详细探讨了早期贝斯手和主唱人选的变迁，直至大卫·李·罗斯（David Lee Roth）的加入如何为这支日后的巨兽注入了其标志性的华丽、轻佻与近乎马戏团般的舞台魅力。 书中不厌其烦地分析了“范·海伦现象”的形成基础：爱德华对吉他演奏技法——尤其是革命性的“点弦”（Tapping）技巧——的彻底颠覆，以及亚历克斯独树一帜的、融合了放克节奏的鼓点风格。这些技术上的飞跃，是其他乐队望尘莫及的先声夺人之处。 第二部分：打破规则的蓝图——范·海伦I与II的里程碑 我们详细拆解了乐队前两张同名专辑的录制过程，特别是他们如何与制作人特德·坦普尔曼（Ted Templeman）合作，试图在当时的录音室技术限制下，捕捉到他们现场表演时那种令人窒息的原始能量。本书将“Eruption”视为音乐史上的一个分水岭，并探讨了这张专辑如何瞬间重塑了摇滚吉他的标准。 此外，本书还深入研究了乐队早期歌词的主题。与同时代乐队侧重黑暗或社会批判不同，范·海伦的早期作品充斥着对享乐主义、性吸引力以及加州无忧无虑生活方式的颂歌。我们分析了这种主题选择在商业上带来的巨大成功，以及它如何为未来的“华丽金属”风格奠定了基调，尽管他们本人对此类标签的回避。 第三部分：舞台上的国王与背后的张力 本书的核心篇幅着眼于乐队作为现场演出巨头是如何建立其传奇地位的。我们回顾了他们巡演日程的狂热程度，以及舞台布景如何随着每一次新专辑的发行而变得更加宏大和复杂。这不仅仅是音乐的呈现，更是一场精心编排的视觉盛宴。 然而，硬币的另一面，是日益加剧的内部矛盾。本书详细梳理了在八十年代初期，乐队成员之间在音乐方向、商业决策以及个人行为准则上的分歧如何逐渐演变成无法调和的鸿沟。这些冲突不仅体现在录音室里的争执，也深刻影响了他们后期的音乐创作效率和作品的成熟度。 第四部分：风格的演变与市场的考验 随着时间的推移，硬摇滚的潮流开始受到合成器和新浪潮音乐的冲击。本书探讨了范·海伦如何在保持其标志性音色的同时，尝试融入更复杂的编曲和键盘元素。我们分析了他们如何试图在保留核心听众的同时，拓宽其音乐疆界。 这些尝试在商业上带来了巨大的回报，但也引发了核心成员对“乐队身份”的重新审视。书中详细记录了他们如何应对日益增长的行业压力，以及在面对市场品味变化时，那些内部角色间的权力博弈是如何影响最终成品的声音走向。 第五部分：一个时代的句点与遗产的深远影响 最终，本书聚焦于乐队最重大的转折点——某位核心成员的离队。我们客观分析了这次离别对乐队未来发展轨迹的决定性影响，以及新主唱加入后，乐队在音乐探索上所采取的新方向。 我们没有过多纠缠于后续的个人发展，而是将重点放在范·海伦作为一支整体，对后世音乐的影响力上。从吉他英雄的谱系到舞台表演的规范，这家乐队的印记深深烙在了后续几代摇滚音乐人的身上。本书旨在为研究七十年代末至八十年代硬摇滚的学者、资深乐迷以及渴望了解音乐产业运作机制的读者，提供一份详尽、客观且充满洞察力的参考读物。 这本书是一部关于创新、荣耀、内部权力斗争以及无可避免的衰落的历史档案，它定格的，是一个不再回头的摇滚黄金年代。

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我是一个非常注重细节的人，通常不太喜欢过于宏大的叙事，这本书却完美地平衡了这一点。它没有止步于宏观的音乐史梳理，而是通过大量生动的、近乎于口述历史的细节来构筑画面。比如，书中对某个特定年份巡演巴士上那些琐碎却又极具代表性的场景描绘，那些半夜在荒凉加油站发生的对话，那些充满时代烙印的俚语和笑话，都让人感觉身临其境。这不像是一本正经的音乐传记，更像是一本珍藏多年的私人日记，充满了未经修饰的真实感和强烈的个人色彩。它成功地将那些我们只在舞台上看到的“神话人物”，还原成了有血有肉、会犯错、会犹豫的个体。正是这些烟火气的细节，让整本书的重量感和可信度直线上升，完全摆脱了刻板的“歌功颂德”。

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我得说，这本书的叙事节奏感简直可以媲美最精彩的电影剧本，充满了戏剧性的高潮和低谷。它巧妙地避开了那种枯燥乏味的编年史写作方式，而是选择了一条聚焦于“幕后权力游戏”的叙事主线。我尤其喜欢它对于“创意分歧”那一段的描绘，那种天才之间的互相吸引与互相排斥，简直像是一部莎士比亚式的悲喜剧。作者没有简单地把矛盾归咎于性格不合，而是深入挖掘了不同艺术追求在商业化浪潮下的结构性冲突。它细腻地展现了，当一个乐队的灵魂人物试图突破既有框架时，周围世界是如何反应的——有支持，有嘲讽，更有那些不留情面的背叛。读到某几个关键转折点时，我甚至能想象出录音棚里空气凝固的瞬间，那种只有音乐人才能理解的，关于“对与错”的界限模糊地带。这本书的精彩之处在于，它让你感受到，伟大的艺术品往往诞生于最不稳定的情感风暴之中。

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天呐，这本书简直是打开了一个通往全新音乐世界的入口！我本来以为我对范·海伦乐队的时代已经了解得够透彻了，毕竟那些金曲烂熟于心，但我翻开这本书才发现，我错得离谱。它没有直接去复盘那些耳熟能详的吉他Riff或者鼓点编排，反而像是一部极其精妙的音乐人类学田野调查报告。作者用一种近乎于诗意的笔触，勾勒出了上世纪八十年代初，美国西海岸那种躁动不安又充满无限可能性的地下音乐生态。书里花了大篇幅去描述那些车库排练室里汗水、廉价啤酒和梦想混合在一起的味道，那种未经雕琢的、原始的摇滚能量是如何孕育出一个具有颠覆性影响力的主唱的。更让我着迷的是，它探讨了“表演性”在摇滚乐中的哲学意义——如何从一个单纯的音乐人蜕变为一个符号，一个活着的、呼吸着的文化现象。那种对舞台的绝对掌控欲，那种对聚光灯下自我形象的极致雕琢，在这本书里被剖析得淋漓尽致，读完之后，再听那些老歌，感觉就像是第一次真正理解了歌词背后的那股子“劲儿”。

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这本书的文字功力非常扎实，读起来有一种令人上瘾的流畅感，仿佛作者本人就是那个时代最敏锐的观察者，手里拿着一台高速运转的摄像机在记录一切。它最让我感到惊喜的是，它探讨了“声音”如何成为一种身份认同的象征。书中有一章专门分析了那个时期，某些标志性的音色是如何被大众消费，并反过来定义了一代人的审美取向。这种分析极其到位，它不谈音阶或者和弦走向，而是关注那种听觉上的“质感”——那种充满回响的混响，那种略带失真的嗓音，是如何构成了一个时代集体记忆的一部分。我甚至开始反思，我们今天听到的音乐，是否已经失去了那种由物理空间和设备限制所带来的独特魅力。这本书对“录音室即乐器”的论述，简直是教科书级别的，它让你明白，声音的捕捉和呈现本身就是一种极致的艺术创作。

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这本书的视角极其独特，它没有把重点放在对音乐风格的梳理上，而是非常深入地剖析了“形象管理”在摇滚乐历史中的演变。作者似乎认为，在那个特定的文化背景下，如何“穿衣打扮”、“如何说话”、“如何出现”与“如何唱歌”具有同等的重要性，甚至在某些时候，前者是后者得以被听到的前提。它探讨了那种精心设计的、看似漫不经心的颓废感是如何被精心策划和包装出来的，这简直是对流行文化运作机制的辛辣讽刺。书中对视觉符号的分析，简直是大师级的，它让你明白，那些标志性的造型不仅仅是时尚宣言，它们是乐队对主流文化发出的挑战书。读完后，你会开始用一种全新的、更具批判性的眼光去看待任何一个舞台上的“表演者”，思考他们究竟是在真诚地表达，还是在高效地进行一场精心设计的市场沟通。

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