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出版者:Hal Leonard Corp

作者:Hal Leonard Publishing Corporation (CRT)

出品人:

页数:56

译者:

出版时间:

价格:116.00 元

装帧:Pap

isbn号码:9780634056338

丛书系列:

图书标签:

• 吉他
• 伴奏
• 乐谱
• 流行
• 摇滚
• 民谣
• 练习
• 入门
• 吉他谱
• 音乐

《音符的奥秘：吉他演奏的艺术与技巧》 导言：开启你的音乐旅程 欢迎来到吉他演奏的广阔天地。本书并非聚焦于特定的曲目集合或播放列表，而是致力于构建一个坚实、全面的基础，帮助你理解吉他这件乐器的内在逻辑、声音的物理学原理，以及如何将这些知识转化为流畅、富有表现力的演奏。无论你是刚刚接触吉他，还是希望系统化提升现有技能的进阶学习者，本书都将是你不可或缺的指南。我们将一起探索从握持姿势到复杂乐理的每一个关键环节，确保你的每一步都建立在清晰的理解之上。 第一部分：乐器的哲学与物理 第一章：吉他的解剖学与共振的科学 在开始演奏之前，理解你手中乐器的构造至关重要。本章将深入解析吉他的各个组成部分——琴头、琴颈、指板、品丝、音孔、琴桥，乃至琴弦本身的材料特性。我们不仅关注“它在哪里”，更关注“它如何工作”。 材料学在音色中的作用： 探讨不同木材（如云杉、红松、桃花心木、玫瑰木）对声音的共鸣频率、延音和音色的细微影响。我们将分析木材密度、纹理如何决定吉他的“个性”。 结构力学与张力平衡： 剖析琴颈的内部桁架（Truss Rod）如何调节琴颈的弧度，以及琴弦的张力如何与琴体结构相互作用，维持音准的稳定性。理解张力分布是避免噪音和提高演奏舒适度的前提。 共振腔的声学设计： 深入研究音孔（Sound Hole）的大小、形状和位置对声音辐射模式的影响。探讨背板和侧板的厚度对声音聚焦和扩散的作用，揭示吉他制造者对声音环境的精妙控制。 第二章：正确的身体与乐器互动 演奏的效率和健康度，始于正确的姿势。本章摒弃流于表面的“放松”口号，提供精确的生物力学指导。 坐姿与站姿的重心分配： 详细指导如何通过调整身体重心和吉他放置角度，实现对琴颈和琴体的最佳控制，减少对左手和右手的负担。分析不同坐姿对拨弦角度的潜在限制。 左手：指尖的压力与释放： 探讨按弦时力量的精确施加点——品丝前方的最佳位置，以及如何最小化按弦所需的力量，同时确保音符的清晰度（Intonation）。我们将对比“点按”与“推压”两种技法的应用场景。 右手：拨弦的动力学： 分析拨片（Pick）的厚度、材质、角度与扫弦（Strumming）和单音拨弦（Picking）的音色关系。对于指弹（Fingerstyle）演奏者，我们将讨论指甲与指肉接触时间的精确控制对音色丰满度的影响。 第二部分：乐理的基石与指板的地图 第三章：超越音高的音符结构 本章旨在将抽象的乐理概念转化为吉他指板上的直观视觉和触觉体验。 音程的视觉化： 不仅仅是记忆音名，而是理解音符之间的“距离感”。通过和弦图和音阶图的叠加分析，展示大三度、小七度等核心音程在指板上的重复模式。 音阶的指板几何学： 详细解析五种基本音阶（自然大调、和声小调、旋律小调、五声音阶、布鲁斯音阶）在指板上不同把位的几何布局。重点讲解如何识别和应用“指板上的等价性”（Equivalency）——即同一音符在不同弦上的位置切换。 调式与音色的关联： 初步介绍七个大调音阶衍生出的七个调式，并提供实际的演奏范例，演示每种调式如何带来独特的听觉色彩（例如，利第克调式的光亮感，或弗里吉亚调式的异域风情）。 第四章：和声的骨架：和弦的构建与连接 和弦是音乐的语言，本章教授如何像语言学家一样“说话”。 三和弦的拓扑结构： 系统梳理大三和弦、小三和弦、增三和弦、减三和弦的构成音，并展示它们在指板上不同把位（Voicings）的指型。重点在于理解根音（Root）位置的变化如何影响整体和弦形态。 七和弦的色彩添加： 深入解析属七、大七、小七、半减七等复杂和弦的构成。我们将关注“导音”（Leading Tone）和“七音”在和弦进行中的功能性，而非仅仅记忆指型。 和弦进行的高级逻辑： 分析功能和声的基本法则（Tonic-Subdominant-Dominant），并引入节奏和琶音在连接和弦时的作用。我们将研究如何通过和弦的“转位”（Inversion）来创造更平滑的低音声部进行。 第三部分：技巧的精进与音乐的表达 第五章：节奏的精确性与律动的培养 音乐的灵魂在于节奏。本章聚焦于将内心感受到的律动转化为精确的指板动作。 节拍器的多维应用： 教授如何使用节拍器进行“反向练习”（Accent Shifting）——将重音移至二、三拍，甚至不均匀的节拍上，以深化对小节内部结构的感知。 细分与复合节奏的练习法： 针对十六分音符、三连音（Triplets）和复合节奏型（如 6/8 拍），提供专门的拨弦和按弦协调练习，确保双手动作的同步性。 摇摆（Swing）与推拨（Laying Back）： 探讨不同音乐风格中对节奏精度的微调。如何科学地理解和实践“摇摆八分音符”的比例变化，以及如何通过演奏速度的细微延迟来创造“推向未来”的律动感。 第六章：音色的雕琢与表达的深度 演奏的最终目标是传达情感。本章关注如何运用技术手段来丰富和声与旋律的听觉体验。 揉弦（Vibrato）的声学控制： 细致分析不同类型的揉弦（手腕、手指、拇指驱动）对音高稳定性和波动的控制。我们将通过频率图解来理解理想的揉弦宽度和速度范围，以及如何根据不同音符的长度来调整揉弦的强度。 推弦（Bending）的精确调音： 将推弦视为一种“动态音高变化”。练习者需要掌握推弦到目标音高的精确度，包括对不同弦的推弦力度差异的补偿。 装饰音与切分技巧： 学习如何有效使用倚音（Grace Notes）、击弦（Hammer-on）、勾弦（Pull-off）以及滑音（Slide），使旋律线更加连贯和富有生命力，避免这些技巧听起来像机械的噪音。 结语：持续的探索与个人化路径 吉他演奏是一个没有终点的领域。本书提供的知识框架旨在让你成为一个能够自我诊断、自我修正的音乐家。通过对乐器物理、乐理结构和技术细节的深刻理解，你将能够超越模仿，发展出真正属于你自己的、充满个性的音乐语言。持之以恒地应用这些原理，你将发现，每一次练习都是对“音符的奥秘”更深层次的揭示。

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说实话，我买书之前其实有点犹豫，因为市面上关于吉他的学习资料实在太多了，质量更是参差不齐。但这一本的装帧和印刷质量，首先就给人一种“靠谱”的感觉。纸张厚实，不容易被汗水浸湿或被反复翻阅磨损，而且书本的装订方式非常平整，即便是平铺在谱架上，也不会轻易合拢。但更重要的是内容上的考究。这本书似乎非常注重“体系性”的建立。它不像某些教材那样东一榔头西一棒子地讲解各种技巧，而是建立了一个完整的知识层级。比如，在进入到复杂推弦（Bending）技巧之前，它会用好几页篇幅来讲解如何正确地给音符“蓄力”和如何控制推弦的音准，这部分内容对于很多老手来说都是被忽略的“细节之王”。我发现很多吉他手推弦听起来很“虚”，往往就是因为缺乏这种基础的控制力。这本书非常细致地提供了不同力道和手型下推弦的听觉对比，让我终于明白了为什么我的推弦总是差那么一点意思。这种对细节的执着，使得整套学习路径非常坚实，每一步都走得踏踏实实。

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我已经断断续续学了快十年吉他，各种流派和风格都有所涉猎，但总觉得自己的即兴能力停滞不前，总是在固定的指法位置上打转。我购买这本书的初衷，是想找一些能打破我现有思维定势的素材。这本书最让我眼前一亮的地方，是它对“律动”和“切分音”的深入剖析。它没有停留在讲解什么是三连音或附点音符的理论层面，而是直接给出了一系列非常具有现代感的节奏型练习，这些节奏型明显借鉴了布鲁斯、放克（Funk）和一些现代摇滚的元素。作者似乎非常懂得如何用最少的音符创造出最丰富的律动感。我花了一周时间专门练习其中关于“休止符运用”的几个小练习，效果立竿见影——我发现在乐队合奏时，我的音符不再是无休止地堆砌，而是懂得何时“留白”，何时“切入”。书中对Solo部分的分解也极其到位，它不是直接给你一段复杂的Solo乐句，而是拆解成若干个“动机”（Motifs），然后教你如何围绕这些动机进行合理的扩展和变化，这比单纯的死记硬背音阶跑动要有价值得多。对于中级以上的乐手来说，这本书提供的思维升级远超出了单纯的技巧提升。

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这本新买的吉他教材简直是为我这种半吊子乐手量身定做的！我之前试过好几本号称“零基础入门”的书，结果要么是理论讲得天花乱坠，要么就是曲谱排得密密麻麻，看得我头大。但这一本完全不同，它有一种非常平易近人的魔力。开篇没有急着考你什么音阶指法，而是先用一种非常直观的方式，讲解了吉他的构造和基础的持琴姿势，那种感觉就像请了一位经验丰富的老琴师在你旁边手把手教你。最让我惊喜的是，它配套的音频资源简直是神来之笔。那些示范曲目，不光有清晰的吉他声部，还有完整的伴奏音轨，这意味着我不再是孤零零地对着节拍器练习，而是真正能“和乐队一起演奏”。特别是对于那些初学者最容易枯燥的和弦转换练习，作者巧妙地将它们融入到一些耳熟能详的简单旋律中，让你在不知不觉中就把技巧练扎实了。我用了两周时间，感觉我的扫弦节奏感和对和弦转换的肌肉记忆都有了质的飞跃。这不再是一本冷冰冰的教材，更像是一位耐心的导师，总能在我快要放弃的时候，给我一个明确的方向和及时的鼓励。强烈推荐给所有感觉吉他学习陷入瓶颈期的朋友们！

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说实话，我本来对市面上任何“速成”类的音乐书籍都持怀疑态度，因为音乐的精进绝非一蹴而就。然而，当我翻开这本练习册时，我发现它的侧重点完全不在于让你“速成”，而在于培养一种“音乐感”和“实战能力”。它的编排逻辑非常清晰，从最基础的单音练习开始，逐步过渡到双音、分解和弦，每一步都有明确的学习目标和自我检测的小结。我特别欣赏它在乐理和实践之间的平衡处理。很多教材把乐理讲得过于晦涩，让人望而生畏；而这本书则像“讲故事”一样，把那些枯燥的音程、调式知识融入到实际的演奏片段中去解释。举个例子，当它介绍C大调时，不是简单地列出音符，而是立刻给出一个非常适合初学者的、听起来很舒服的C大调旋律片段让你去弹奏，这样你就立刻理解了这个调式在音乐中的实际效果。这种“即学即用”的模式，极大地增强了我的学习动力。而且，书中的字体和排版设计考虑得非常周到，即便是身材魁梧的大手，在翻阅和对照指板图时也不会觉得局促或遮挡视线。对于那些追求扎实基本功，而非浮于表面技巧的吉他爱好者来说，这是一本值得反复研读的宝典。

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我是一名非常注重“视觉辅助”的学习者，如果谱面看起来杂乱无章，我基本会立刻失去兴趣。这本书在视觉呈现上做得非常出色，简直是教科书级别的示范。它的五线谱和六线谱是完全并列、同步显示的，而且六线谱上的指位标注清晰到每一个品格和每根弦都用细致的圆点或符号区分开来，完全没有歧义。更绝的是，它对力度记号的处理。无论是“sfz”（突强）还是“pizz.”（拨奏），旁边都有非常简洁明了的小图标或者缩写注释，避免了你不得不频繁翻阅书后附录的尴尬。对于那些需要视谱演奏的音乐家来说，这本书的清晰度意味着你可以将更多的精力集中在演奏本身，而不是“破译”谱子。而且，书中穿插的那些关于不同演奏风格历史背景的简短介绍，虽然篇幅很小，却极大地丰富了我的音乐视野。它告诉我，你弹奏的这些音符，背后承载的是怎样的文化和历史脉络，这让练习不再是机械的重复，而变成了一种充满文化敬意的探索。这本教材的实用性、艺术性和视觉美感，三者达到了一个近乎完美的平衡。

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