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出版者:Hal Leonard Corp

作者:Lennon, John (CRT)/ McCartney, Paul (CRT)

出品人:

页数:48

译者:

出版时间:

价格:132.00

装帧:Pap

isbn号码:9780634079221

丛书系列:

图书标签:

• 吉他
• 伴奏
• 乐谱
• 流行
• 摇滚
• 民谣
• 练习
• 入门
• 吉他谱
• 音乐

爵士乐的黄金时代：从摇摆到比波普的演变 一卷关于美国爵士乐历史的深度探究，聚焦于二十世纪中叶的音乐革命。 本书旨在为音乐爱好者、历史学家以及严肃的吉他学习者提供一份详尽的指南，深入剖析爵士乐从其根源——那个充满活力的摇摆（Swing）时代——如何逐步蜕变为技术上更具挑战性、和声上更为复杂的比波普（Bebop）流派的全过程。我们不关注任何特定的乐器演奏技巧手册，而是将焦点置于音乐的文化背景、和声学的进步以及塑造这一时期声音的标志性人物。 第一部分：摇摆的辉煌与结构（1930s - 1940s 初） 本书的开篇将我们带回大萧条末期，爵士乐作为美国主流娱乐的巅峰时期。摇摆乐以其强劲的节奏、易于舞蹈的律动和大型乐队（Big Band）的宏大编制，统治了舞池和广播电台。 一、大型乐队的架构与功能： 我们将详细解析一个标准摇摆乐队的组织结构，包括木管组（萨克斯风与单簧管）、铜管组（小号与长号）以及节奏组（钢琴、贝斯、鼓和吉他）各自在编曲中的作用。重点讨论“对位”（Call and Response）如何在不同声部间展开，以及作为节奏核心的鼓手如何定义“摇摆感”。 二、和声的限制与旋律的主导： 摇摆时代的和声语言相对保守，多基于三和弦和七和弦的清晰功能进行。本书将分析早期的标准曲目，如科尔·波特（Cole Porter）和乔治·格什温（George Gershwin）的作品是如何被改编和“摇摆化”的。重点阐述吉他在此时期主要承担的“砍弦”（Comping）角色——一种简洁、稳定的节奏和声支撑，而非独奏的焦点。 三、关键人物与经典录音的文化意义： 本部分将回顾本尼·古德曼（Benny Goodman）的“跨界”成功，艾灵顿公爵（Duke Ellington）在色彩和复杂编曲上的开创性工作，以及卡伯·凯洛威（Cab Calloway）等人在舞台表演上的魅力。我们探讨这些音乐如何反映了当时种族融合的尝试以及美国流行文化的需求。 第二部分：从摇摆到比波普的“地下”革命（1940s 中期） 随着二战的结束和音乐审美的演变，一些年轻的音乐家开始对摇摆乐的商业化和结构上的限制感到不满。他们寻求一种更具即兴深度、更适合室内演奏而非大型舞厅的音乐形式——比波普由此诞生。 一、米尔斯酒店与纽约的“实验场”： 本书将详细描述曼哈顿52街（52nd Street）的俱乐部文化，特别是蒙克（Thelonious Monk）和迪兹·吉莱斯皮（Dizzy Gillespie）如何在深夜的即兴演出中打破陈规。我们深入探讨这种音乐是如何从一种大众娱乐转向一种需要听众主动参与理解的“艺术家音乐”。 二、和声学的飞跃：从三和弦到九、十一、十三和弦： 这是本书的核心技术分析部分。我们对比分析摇摆时代常用的I-IV-V进行和比波普引入的和弦替代（Chord Substitution），例如增三和弦（Augmented Triads）和降五音（Altered Tones）的使用。重点解析查理·帕克（Charlie Parker）如何运用复杂的和弦内音和琶音来构建其标志性的快速、棱角分明的旋律线。 三、节奏的解构与重塑： 探讨巴德·帕威尔（Bud Powell）的钢琴演奏如何解放左手，使其不再仅仅提供和声支撑，而是成为独奏和节奏的积极参与者。同时，我们分析肯尼·克拉克（Kenny Clarke）等鼓手如何将重音（Accenting）从传统的底鼓和军鼓转移到镲片（Ride Cymbal）上，创造出一种更加流动、不稳定的律动基础，为独奏家提供了更广阔的即兴空间。 第三部分：比波普的成熟与风格分化（1950s） 比波普确立了现代爵士乐的词汇，但其极端的速度和复杂性也催生了对立或互补的发展方向。 一、冷爵士（Cool Jazz）的理性回应： 探讨迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）在《Birth of the Cool》时期如何将比波普的结构性概念，用更柔和的音色、更内敛的动态和更偏向对位而非和声密集的方式呈现。这是一种对比波普“过热”状态的反思。 二、硬波普（Hard Bop）的根基回归： 分析阿特·布莱基（Art Blakey）和霍勒斯·西尔弗（Horace Silver）如何将比波普的复杂即兴技巧与福音音乐（Gospel）和蓝调（Blues）的原始情感重新结合。这使得爵士乐在保持技术水准的同时，重新获得了更直接的听众共鸣。 三、萨克斯风手的“新语言”： 深入研究约翰·柯川（John Coltrane）早期对“音块”（Sheets of Sound）技术的探索，以及他对和声进行进行密集、全覆盖式即兴尝试的意义。分析这些音乐家如何将查理·帕克确立的理论框架推向了新的极限。 结论：爵士乐的“古典时期” 本书最后总结了这一时期对后世音乐的深远影响。摇摆乐确立了爵士乐的流行地位，而比波普则将其提升到了艺术音乐的殿堂。我们探讨了这些复杂的和声进行和节奏概念如何成为未来所有现代爵士乐流派（如调式爵士和前卫爵士）的基础语言。 本书不提供任何针对特定乐器（如吉他）的演奏示范或练习指南，而是专注于提供一个丰富的历史和理论框架，帮助理解这些伟大音乐的成因、结构与文化背景。 读者将获得对二十世纪爵士乐黄金时代最重要变革的全面、深入的理解。

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我非常赞赏这本书在实践性材料上的丰富程度和实用价值。它提供的伴奏音轨（假设有的话）质量极高，录音水准完全可以媲美专业录音室的作品，这对于模仿和练习节奏感至关重要。更重要的是，配套的练习模块设计得非常巧妙，它们不是那种让你感到枯燥的机械重复，而是模拟了真实的乐队排练场景。例如，在讲解即兴段落时，配套的伴奏会突然改变调性或节奏，迫使你必须快速反应，这比对着节拍器练习要有效率得多。对于我这种自学者来说，这本书提供的这种“沉浸式学习环境”是无价的。它把学习过程从“我知道怎么做”提升到了“我能在压力下做到”的阶段。这本书无疑是一套精心打磨的“实战手册”，而不是一本空谈理论的学术著作，它的价值体现在每一次拿起乐器时的实际进步中。

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这本书的叙事口吻简直太接地气了，读起来完全没有传统教材那种枯燥乏味的感觉。它更像是一位经验丰富的老手，坐在你旁边，一边喝着咖啡，一边用最直白的语言跟你分享他的独门秘籍。作者对于基础概念的阐述，那种深入浅出的方式简直是教科书级别的。他不会用一堆晦涩难懂的术语把你绕晕，而是总能找到一个日常生活中你能理解的比喻来解释复杂的乐理知识。我记得有一次我被一个特定的和弦转换卡住了很久，书里对这个难点的分析，竟然是用“像开车换挡一样，关键在于时机的平顺性”来比喻的，一下子就打通了我的任督二脉。这种基于实际演奏经验的讲解，比纯理论的灌输要有效得多。读完它的一部分内容，我甚至感觉自己已经不再是那个对着指板发呆的新手了，而是有了一个明确的、可以遵循的实践路径。这种亲切感和指导性，是很多昂贵的私教课都难以提供的。

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这本书的知识体系构建得极其严谨和系统，让人可以清晰地看到自己技能树的成长轨迹。它不是零散的技巧集合，而是一个环环相扣的完整学习框架。从最基础的持琴姿势和右手拨弦的力度控制开始，逐步过渡到高级的音阶跑动和即兴思维的培养，每一步都建立在前一步稳固的基础上。我尤其欣赏作者在引入新概念时所采用的“螺旋上升”教学法，即在更深入的章节中，会巧妙地回顾并深化之前学过的内容，但视角和难度都会提升一个层次。这种设计确保了知识的巩固，避免了“学了后面忘了前面”的窘境。对于有一定基础的进阶学习者来说，书中对于乐句的拆解和重构分析，更是提供了宝贵的思路，让我明白了为什么有些乐手听起来如此流畅自然——那是因为他们对乐句的内部结构有着深刻的理解，而这本书正是在教我们如何获得这种理解。

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这本书在不同风格音乐的融合应用方面做得非常出色，它跳脱出了单纯的技术训练，真正触及了“音乐性”这个核心。它没有简单地罗列布鲁斯音阶或五声音阶，而是会深入剖析不同流派（比如爵士、摇滚、乡村）是如何运用这些工具来塑造其独特的“味道”和“情绪”的。通过书中精心挑选的范例曲目的分析，我开始理解，同样是C大调，在放克（Funk）的节奏型中和在民谣的分解和弦中，其内在的处理逻辑是多么不同。这种跨风格的比较性学习，极大地拓宽了我的音乐视野。更棒的是，它鼓励我们不要被标签所束缚，而是去理解每种风格背后的“情感驱动力”，然后将这些驱动力灵活地应用到自己的演奏中。这本书让吉他不再是冰冷的木头和金属，而成为了表达内心想法的有力媒介。

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哇，这本书的装帧真是让人眼前一亮！封面设计充满了活力，那种略带复古的字体搭配上鲜亮的色彩，一看就知道是为热爱音乐的人准备的。我拿到手的时候就迫不及待地翻开了，内页的纸张质量也出乎意料地好，摸上去很光滑，印刷清晰度极高，即使是那些复杂的乐谱符号，看起来也毫无压力。作者在排版上显然是下了大功夫的，布局既美观又不失实用性，让人在学习过程中感到非常舒适。特别是章节之间的过渡处理得非常自然，不像有些教材那样生硬地堆砌知识点。拿到这本书，我感觉自己已经跨出了成为吉他大师的第一步，光是看着这些精美的排版和清晰的图示，就已经让人充满了练习的动力。我尤其喜欢它在色彩运用上的克制与大胆结合，比如在重点技巧的解析部分，会巧妙地用一种柔和的色调来突出，避免了视觉疲劳。这本书的整体设计语言，透露出一种对音乐学习者的尊重和体贴，让人觉得这不只是一本工具书，更像是一位耐心的、品味高雅的老师。

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